Gate of Flesh (Nikutai no Mon) 1964

A história, tirada de uma novela de Taijiro Tamura, centra-se à volta de um grupo de prostitutas, que se uniram por entre as ruínas da cidade de Tóquio, para sobreviverem. Trabalham sem chulos aderindo a um rigoroso conjunto de regras, a mais importante das quais é que nunca podem dormir com um homem de graça. No mundo delas o amor e o sexo são rigorosamente separados, e na verdade, é mais do que isso: o amor não é uma possibilidade, e se alguma delas quebrar essa regra será brutalmente espancada, humilhada, e expulsa do grupo para sempre.
O dia a dia destas mulheres é interrompido com a chegada de duas personagens. Primeiro chega Maya, uma jovem de 18 anos (interpretada pela estreante Yumiko Nogawa), uma jovem desesperada e obrigada a roubar para sobreviver. Ela não é como as outras, tem um ar muito inocente, mesmo quanto sentimos que ela esconde algo muito mais obscuro. A segunda chegada é a de Shintaro Ibuki (interpretado pelo habitual de Suzuki, Jo Shishido), um ex-soldado japonês, possivelmente psicopata, que se esconde no meio das prostitutas, porque é procurado por esfaquear um soldado americano. Também é procurado pela ligação a um assalto, do qual pode ou não estar a esconder o produto do roubo...
Tal como o título sugere, há abundância de elementos chocantes e de exploitation em "Gate of Flesh". Na verdade, para um filme japonês feito em meados da década de sessenta, é surpreendentemente explícito na sua mistura entre sexo e violência, embora Seijun Suzuki tenha uma grande habilidade em sugerir muita nudez, sem, na verdade, mostrar muito. No entanto, apesar de parecer ser um filme simplista, transmite um olhar bastante agudo sobre as dificuldades enfrentadas pelo Japão na esteira da Segunda Guerra Mundial, e sobre a essência melodramática do amor proibido.
"Gate of Flesh" também beneficiava do estilo visual único de Seijun Suzuki, como era habitual nas obras deste autor. Não é dos seus filmes mais conhecidos, mas é dos melhores deste período.

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Intenção de Matar (Akai Satsui) 1964

Sadako foi criada como uma empregada doméstica em casa do seu marido, que continua a tratá-la como uma serva. Enquanto o marido está fora, Sadako é repetidamente violada por um estranho, que lhe faz nascer um instinto indomável para a sobrevivência. Uma relação bizarra desenvolve-se entre o violador, que continua a perseguir a mulher assustada, algures entre a violência e o amor, e Sadako, cujas intenções de matá-lo levam a um desfecho impressionante.
Antecipando "Cerimónia" de Nagisa Oshima, na sua representação metafórica da morte da classe samurai através de linhas de sangue contaminadas, ligações místicas, relações incestuosas, fragilidade e impotência, "Intenção de Matar" tem a marca característica das preocupações recorrentes de Shohei Imamura: a sensualidade e a resistência das mulheres, a manifestação do individualismo numa sociedade codificada, as idiossincrasias e instintividade primitiva que definem o comportamento humano. Voltamos ao imaginário animal como um substituto para o comportamento humano que Imamura tinha incorporado em "Porcos e Couraçados" e "A Mulher Insecto".
 Enquanto que o título faz lembrar um thriller noir, "Intenção de Matar" é mais apropriadamente descrito como um melodrama perversamente nacional sobre como a sociedade japonesa permite que os homens patéticos manipulem e controlem as mulheres nas suas vidas. Imamura também utliliza várias sequências de sonhos surreais para exprimir algumas partes mais emocionais do filme, que, juntamente com o retrato contundente da hipocrisia social, ganhou muitas comparações com os filmes de Buñuel.

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Youth of the Beast (Yajû no Seishun) 1963

Joe Shishido interpreta um durão com uma agenda secreta. O seu comportamento violento chama a atenção de um duro chefe da Yakuza, que imediatamente o recruta. Depressa ele tenta fazer um acordo com um gang rival, e começa uma guerra de gangs. As suas reais motivações são gradualmente reveladas à medida que vamos descobrindo que tudo está relacionado com o assassinato de um polícia que é mostrado logo no inicio do filme.
Nas últimas décadas, desde que os seus filmes começaram a cruzar o oceano, Seijun Suzuki tornou-se numa figura de culto nos Estados Unidos, um génio impetuoso e original, habituado a quebrar as regras da desconexão lógica e da estética. Os seus estranhos filmes eram muitas vezes comparados com os de Samuel Fuller ou David Lynch, sendo ele próprio um fã fervoroso de Jim Jarmusch, que lhe agradeceu nos créditos finais de "Ghost Dog: Way of the Samurai" (1999). Na altura do lançamento deste filme, que muitos consideram o seu "breakthrough", já tinha realizado quase 30 filmes, no espaço de uma década. A maior parte eram filmes baratos, rápidos e simples, considerados "program pictures", uma expressão idêntica aos filmes de série B nos Estados Unidos.
"Youth of the Beast" era um "film noir" maravilhosamente distorcido pelos padrões de Suzuki. Começa a preto e branco, com dois policias a investigarem um aparente duplo suicídio de uma "call girl", e um homem casado com quem ela tinha um caso. Suzuki deixa logo caír a primeira pista de que este não é um crime normal. Tal como acontece na maioria dos filmes de Suzuki, a história não é central. À medida que a sua carreira evoluía as suas narrativas tornavam-se cada vez mais confusas e implausíveis, a tal ponto que ele acabou por ser demitido da Nikkatsu no final dos anos sessenta. "Youth of the Beast" não é um filme tão fragmentado narrativamente, mas o seu estilo visual ultrapassa a história.
Sexo e violência são admiravelmente misturados, e existe aqui um certo sadismo, ao desviar a atenção para as personagens mais bizarras. um dos personagens centrais é gay, e usa uma pequena navalha para cortar quem ousar lembrá-lo de que a sua mãe era prostituta. Uma das marcas de Suzuki é o tratamento do crime organizado como se fosse um estilo de vida absurdo.
Legendas em Inglês.

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Zero Focus (Zero no Shôten) 1961

Um viagem de negócios desde Tóquio até à área isolada de Kanazawa, nas províncias ocidentais, conhecidas como os Alpes Japoneses, leva Kenichi Uhara (Koji Nanbara) um executivo e recém casado com Teiko (Yoshiko Kuga). Kenichi vai finalizar alguns negócios na sua antiga filial, onde trabalhou para o rico dono de uma fábrica chamado Murota (Yoshi Kato). Kenichi acaba por desaparecer passados poucos dias, e Teiko viaja de comboio na companhia de um executivo (Takanobu Hozumi) para tentar descobrir o que aconteceu ao marido, para perceber que existem coisas sobre o passado dele que ela não tinha conhecimento.
Realizado por Yoshitaro Nomura, filho do grande realizador do cinema mudo japonês Hotei Nomura, que realizou cerca de 70 filmes antes do cinema sonoro chegar ao Japão, é baseado num livro de Seicho Matsumoto. É reminiscente dos filmes noirs americanos dos anos quarenta, e coberto de grandes twists e uma atmosfera sinistra, com paisagens muito negras, tal como o ambiente da história e o território montanhoso onde a acção é filmada. É também um filme desafiante para espectadores estrangeiros, com algumas reviravoltas e pistas a poderem ser mal interpretadas, por terem a ver com os costumes locais.
Existe aqui uma grande crítica às mulheres Japonesas, e a forma como elas são vistas na sociedade. Teiko é recém casada com a idade de 36 anos, um pouco tarde para os velhos padrões japoneses, e mesmo para os actuais, sendo contrastada com mulheres que se tornaram prostitutas para sobreviver no pós-guerra do Japão. De certa forma o filme é sobre a perda da virgindade moral de Teiko. Enquanto ela não é corrompida por outros, é forçada a confrontar realidades da vida longe da sua calma existência em Tóquio.
Uma grande interpretação de Yoshiko Kuga, que tinha recentemente interpretado dois grandes filmes de Ozu: "A Flor do Equinócio" (1958) e "Bom Dia" (1959).

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Porcos e Couraçados (Buta to Gunkan) 1961

Originalmente lançado em 1961, "Porcos e Couraçados" é um belo filme que captura maravilhosamente um período único na história japonesa. Depois da derrota do país na Segunda Guerra Mundial o Japão foi alvo de uma significativa presença americana, e com o país a recuperar dos efeitos muito graves da guerra isto teve um impacto significativo sobre a população. Afastando-se das crenças do tempo da guerra, lidavam com a desconfiança das gerações mais velhas e, lutando para sobreviver em circunstâncias difíceis, a população mais jovem japonesa foi lutando contra uma espécie de crise de identidade.
Paralelismos entre o Japão como país, e as vidas dos personagens deste filme, constantemente percorrem Porcos e Couraçados, impregnando as decisões com um maior significado e profundidade. Os dois protagonistas principais, um pequeno yakuza, Kinta (Hiroyuki Nagato), e a sua namorada Haruko (Jitsuko Yoshimura), estão num ponto importante de inflexão e há um sentido ao longo do filme em que as decisões que eles tomam vão definir as suas vidas.
Kinta esforça-se para alcançar sucesso como gangster, através de esquemas para obter dinheiro dos ricos e tentativas de favores de gangues mais poderosos, para levar a cabo assassinatos. Está desesperado para conquistar reputação como um gangster. Haruko por outro lado, quer sair da cidade portuária de Yokosuka em que vivem, vendo para lá da vida tradicional dos seus pais.
Baseado num argumento de Hisashi Yamauchi, o filme é uma obra um pouco complexa, com as acções das personagens secundários muitas vezes a terem mais importância do que aparentam. Um retrato impressionante do pós-guerra, a vida no Japão, selvagem e caótica contada por Shohei Imamura, "Porcos e Couraçados" é um documento que define não apenas o estilo singular Imamura - uma agressão deliberada à serenidade de Yasujiro Ozu -, mas também define profundamente a sua visão humana do mundo, muitas vezes apresentada através dos sonhos, desejos e desespero das pessoas que compõem os estratos mais baixos da sociedade do seu país. Tal como muitos outros filmes de Imamura, "Porcos e Couraçados" é preenchido com criminosos, chulos e prostitutas, mas o que liga muitos dos personagens simpáticos dos seus filmes não é tanto as suas profissões ou mesmo a realidade sombria económico e social que os rodeia , mas a vitalidade e o desafio que eles apresentam nesse meio. A visão do mundo Imamura é escura e profundamente cínica, é uma qualidade que fez dele, na minha opinião, o maior cineasta do cinema novo japonês.

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O Inútil (Rokudenashi) 1960

A secretária Ikuko Makino é alvo de brincadeiras de mau gosto por parte do filho do chefe e dos seus amigos, um grupo de jovens rebeldes que fazem de tudo para matar o tédio. Apesar dessa relação conflituosa, Makino apaixona-se por Jun, um dos rapazes do grupo, a quem chama de “imprestável”.
Yoshishige Yoshida a demonstrar o seu talento logo no seu primeiro filme, mostrando, por exemplo, grande domínio na iluminação e na composição. "Rokudenashi" era fortemente influenciado pela Nouvelle Vague (de certa forma poderia ser considerado uma versão japonesa de "O Acossado", talvez com algumas piscadelas para "Cruel Story of Youth", realizado por Oshima pouco tempo antes. A fotografia dinâmica a preto e branco anuncia a mise en scène não convencional e os movimentos de câmara fluidos estão aqui presentes, tornando-se a assinatura de filmes posteriores de Oshida. 
É um filme que analisa o tema dos jovens sem rumo, a base da história é um grupo de quatro estudantes, dois dos quais de famílias ricas. Um dos mais pobres apaixona-se pela secretária de um dos mais ricos que tenta levá-lo para o caminho certo, mas como um filme socialmente sensível como este é, sabemos que não vai correr bem. 
 Yoshida ficaria mais tarde conhecido por obras como "Eros + Massacre" ou "Akitsu Springs".
Legendas em inglês.

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Take Aim at the Police Van (Jûsangô Taihisen' Yori: Sono Gosôsha o Nerae) 1960

Uma van da polícia é assaltada, e os dois prisioneiros que viajavam lá dentro são mortos. O guarda da prisão que se encontrava de serviço é suspenso, e não vê outra solução senão procurar ele mesmo os criminosos. Quem eram as vítimas, quem eram os seus familiares e namoradas, e quem mais estava na Van nessa noite? À medida que a investigação avança outros morrem, coincidências ocorrem, enquanto o polícia se aproxima da verdade.
Desde o final dos anos cinquenta e através dos anos sessenta, os filmes de gangsters selvagens eram o principal negócio da Nikkatsu, o mais antigo estúdio do Japão. Numa tentativa de fazer aproximar o público mais jovem que crescia habituado às importações que chegavam dos Estados Unidos e França, a Nikkatsu começou a produzir filmes de acção que incluíam elementos dos westerns, comédias, e filmes sobre a rebeldia juvenil. Seijun Suzuki era um dos nomes mais importantes nesta altura, ao lado de Toshio Masuda, e Takashi Nomura,e não será por acaso que este filme terá vários filmes seus.
"Take Aim at the Police Van" é brilhantemente fotografado por Shigeyoshi Min, que usa algumas cenas clássicas dos filmes americanos, tal como a utilização da câmara no pára-choques dianteiro, que compunha muitas vezes as sequências de abertura. Os locais utilizados para as filmagens ajudam a manter o filme fresco, e ajudam a capturar o ambiente do pós-guerra das cidades japonesas. Koichi Kawabe foi encarregado de fazer a banda sonora do filme, e faz um magnifico trabalho, adicionando o suspense necessário, além de serem notadas muitas familariedades com os film noir americanos.
A história é o clássico "whodunit". Os argumentistas Shinichi Sekizawa e Kazuo Shimada vão deixando muitas pistas para nos deixarem ocupados a pensar até ao final em quem é o principal criminoso, que vai mantendo o filme interessante.
Legendas em inglês.

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Dragnet Girl (Hijôsen no Onna) 1933

Tokiko é uma dactilógrafa que esta mais interessada em chamar a atenção do filho do chefe do que cumprir o seu dever. Isto porque o seu verdadeiro namorado é Joji, um boxeur que se tornou gangster, e vê nesta situação uma boa oportunidade para fazer dinheiro. Contudo, quando Kazuko, a inocente irmã de Hiroshi, um possível novo membro da quadrilha, pede a Joji para não aceitar o irmão, o gangster fica apaixonado pela jovem. Tokiko fica com ciúmes, e está determinada a reconquistar Joji, mas este já tomou a decisão de obter a redenção.
 "Dragnet Girl" é descrito como um dos filmes mudos mais populares e aclamados de Ozu, e é fácil perceber porquê. O filme está cheio de momentos maravilhosamente construidos, além de ser um dos seus filmes mais impressionantes visualmente, do período mudo. Faz um grande uso da profundidade de campo, enchendo o frame com as suas maravilhosas composições, acrescentando numerosas camadas por cada "shot". É a perfeita demonstração da força do filme, em adicionar dimensões visuais sem utilizar a tecnologia 3D, enigmática e desconfortável.
Tal como os outros filmes neste mini-ciclo, tem um núcleo moralista e sentimental, mas não se sente que seja encaminhado para este ponto, tal como os outros são. A mudança de foco dramático entre as personagens, embora contribuindo para uma história mais rica, pode fazer o filme mais difícil de se seguir, com o meio a ser um pouco lento. Ainda assim é o filme mais forte desta série.
Intertitles em português.

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That Night's Wife (Sono yo no Tsuma) 1930

Shuji (Tokihiko Okada) volta-se para o mundo do crime depois de não encontrar outra forma de pagar as contas da filha seriamente doente (Mitsuko Ichimura). Depois de um assalto alerta as autoridades da sua presença, mas deve esconder-se para a noite. Acontece que a filha está numa fase crítica da sua doença, e ele resolve arriscar e voltar para casa. O detective Kagawa (Togo Yamamoto) segue no seu rasto....
"Sono yo no Tsuma" é notavelmente diferente no sentido estético de obras como "Viagem a Tóquio", mas esta ênfase nas diferenças desvaloriza a progressão de Ozu como realizador durante os primeiros anos. Temos um filme que é o reflexo das preocupações sociais globais do cineasta. A maior diferença para os filmes posteriores, do seu período de ouro, é que essas preocupações são mais evidentes aqui, o que o torna em algo mais sentimental do que seria de esperar de Ozu.
O argumento é uma adaptação de Kogo Noda de um livro escrito pelo historiador Oscar Schisgall, mas podia ter passado pelas mãos de Ozu, principalmente por causa da natureza da consciência social. O ponto mais importante é que os personagens de Ozu evoluem cada vez mais em termos de classe social a cada novo filme. Nesta fase inicial da sua carreira os seus filmes podem ser categorizados como shomin-geki, porque temos sempre uma família da classe trabalhadora a lutar.
Foi o único filme de Ozu filmado inteiramente de noite, e um dos seus dois filmes que envolvia armas (o outro era o seu terceiro filme de gangsters, "Dragnet Girl"). Para prestar homenagem aos filmes americanos que o influenciaram Ozu coloca no apartamento do protagonista cartazes de filmes como "Broadway Babies" (1929) ou "Gentleman of the Press" (1929).
Intertitles em inglês.

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Walk Cheerfully (Hogaraka ni Ayume) 1930

Koyama Kenji, apelidado de "the Knife" é um pequeno gangster, ajudado pelos seus comparsas Senko, Gunpei e a namorada Chieko. Um dia ele cruza com uma jovem chamada Yasue a sair de uma loja de jóias e corteja-a.Entretanto Chieko entrega Yasue nas garras do seu chefe Ono, mas Kenji resgata-a a resolve endireitar a sua vida. Os seus comparsas tentam trazê-lo de volta para o mundo do crime, e ele recusa. Só que não vai ser assim tão fácil livrar-se do seu passado...
Filme mudo de Yasujiro Ozu, foi considerado um filme de gangsters influenciado por "Underworld", de Josef  von Sternberg, embora seja preenchido com algumas situações de comédia e drama doméstico, o que o coloca mais no campo da comédia romântica, apesar da elevada velocidade a que ocorrem as situações. Tem gangsters vestidos com roupas ocidentais, percorrendo salões de bilhar e ringues de boxe, algo que não era muito comum num filme japonês desta altura, numa Tóquio em mudança, que rapidamente se vai tornando mais Ocidental, largando cada vez mais as tradições familiares ancestrais.
Ozu conta-nos esta aventura a partir da história de Hiroshi Shimizu, e argumento de Tadao Ikeda, que todos no Japão se devem comprometer se a mudança na sociedade urbanizada permanecer estável, deixando claro que isto tanto vale para os tradicionalistas como para os ocidentalistas. É um filme menor na carreira de Ozu, mas mesmo assim é muito interessante, sobretudo na forma como partilha elementos do film noir.
Intertitles em inglês.

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Yasujiro Ozu – The Gangster Films

Hoje em dia Yasujiro Ozu já não é um nome desconhecido para os países ocidentais, mas durante muito tempo, este que hoje é considerado o "mais japonês dos realizadores japoneses", foi ofuscado internacionalmente pelos épicos de Akira Kurosawa, cujo cinema era mais orientado para a acção.
Por contraste, Ozu era quase desconhecido fora do país até à década de cinquenta, altura em que lançou filmes sublimes como "Viagem a Tóquio", que eram impossíveis de passar despercebidos. O estilo de Ozu era calmo, contemplativo, e filmado com shots sem movimento, que acabaria por influenciar muitos realizadores na posterioridade.
Nos anos 30 Ozu não era assim. Antes do som chegar ao Japão (por volta de 1936), Ozu fazia filmes com ritmos furiosos. Durante este período ele fez três filmes de gangsters, que foram o mais próximo que se podia chegar dos filmes negros: "Walk Cheerfully",  "That Night’s Wife" (ambos de 1930) e "Dragnet Girl" (1933). Estes três filmes foram lançados em 2013 pelo British Film Institute, e deixaram o mundo boquiaberto, por serem exactamente o oposto ao que se conhecia do realizador. Em "Dragnet Girl", por exemplo, os actores vestem roupas ocidentais, falam na gíria habitual do submundo americano, as poses de durões são reminiscentes dos durões de Hollywood, como James Cagney e Edward G. Robinson, e parecem quase típicos filmes de gangsters americanos.
Todos estes filmes eram mudos, claro, embora haja partituras musicais compostas para cada um dos filmes por Ed Hughes, todas elas bastante eficazes na sua intenção e execução. Nos próximos dias faremos aqui uma pequena viagem por estes filmes, um pequeno ciclo dentro do ciclo do Film Noir Japonês, em que serão introduzidas estas três obras. Fiquem atentos, portanto.

 

- "Walk Cheerfully" (1930)

- "That Night’s Wife" (1930)

- "Dragnet Girl" (1933)

Afraid to Die (Karakkaze Yarô) 1960

Quando Takeo é libertado da cadeia por atacar Handa, um lord rival da Yakuza, a última coisa que tem em mente é assumir a posição do pai, recentemente falecido, fã do clã Asahina. Ele e o irmão mais velho Aikawa consideram todas as opções, incluindo deixar a vida de gangsters completamente. Mas a saída é mais difícil do que o previsto porque entra em cena um clã rival, exigindo uma pequena vingança.
O primeiro aspecto digno de nota, é que o tema do filme está explicitamente expresso no título, "medo de morrer". A história de um herdeiro de um clã da Yakuza que tem literalmente medo de morrer. Este medo surge de várias formas, e é facilmente reconhecível para todas as personagens. Um dos argumentistas do filme é um nome facilmente reconhecido, Kikushima Ryuzo, que ficou famoso a escrever argumentos para Akira Kurosawa, em obras como "Throne of Blood" (1957), "The Hidden Fortress" (1958), "The Bad Sleep Well" (1960), "Yojimbo" (1961), "Sanjuro" (1962), entre outros. Assim, falta alguma coisa na narrativa que poderia ter sido um pouco mais substancial.
Outro aspecto interessante é o papel principal ser interpretado por Yukio Mishima, numa das suas poucas intrepretações como protagonista de um filme já que ele era mais conhecido como escritor e novelista. Mishima tornou-se uma personagem quase lendária pelas suas excentricidades, tanto na vida como na morte. Para o público ocidental, a sua vida ficou dramaticamente retratada num filme de 1985 realizado por Paul Schrader, chamado "Mishima: A Life in Four Chapters". Ficou conhecido pela sua obsessão pela austeridade física, e a sua morte foi por "sepukku", em protesto contra o enfraquecimento do imperador no pós-guerra.
A realização era de Yasuzo Masumura, um realizador da nova vaga do cinema japonês, então em inicio de carreira, que manda aqui um olhar pouco sentimental para a vida no submundo e para as suas fantasias machistas. Produzido pelos estúdios Daiei, foi concebido para ser um veículo para Mishima, mas a atmosfera negra do filme distingue-o de um mero filme de propaganda.

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O Enterro do Sol (Taiyô no Hakaba) 1960

Na favela de Osaka a juventude sem futuro envolve-se em assaltos, prostituição, compra e venda de bilhetes de identidade e de sangue. As alianças mudam constantemente.  Tatsu e Takeshi, amigos desde a infância, relutantemente juntam-se ao gang de Shin. Shin muda o seu gang muitas vezes para evitar o grande chefe local. Vão cruzar com Hanoko, uma jovem de grande ambição. Primeiro ela anda no negócio da venda de sangue, mas acaba por se juntar a Shin.
Um dos vários filmes que Nagisa Oshima fez sobre a juventude descontente do início dos anos sessenta, "Enterro do Sol" traça a rivalidade entre vários gangues nas favelas e guettos de Osaka. Fragmentado e elíptico, é passado num mundo de soluções a curto prazo, com gerações a esperarem pela próxima catástrofe, certos de que a terceira guerra mundial surgirá tão repentinamente como a segunda. Tal como os filmes de Pasolini do mesmo período ("Accatone", "Mamma Roma"), há algo de redentor nesta subclasse criminal - usam uma espécie de código de honra feudal - mas é muito mais fugaz e provisório. Talvez porque os adolescentes eram um animal tão raro no cinema japonês até ao momento, os filmes sobre jovens sem futuro deste período sentiam que realmente podiam resgatar estes adolescentes, como se o legado mais vergonhoso da derrota japonesa fosse o aumento da cultura adolescente, regredindo a nação para uma nova era, impulsionada pela ícone de culto Kayoko Hanoo, a actriz principal deste filme.
Oshima oferece-nos aqui um retrato perturbador de um Japão do pós-guerra amoral e arruinado, como ele retrata o caos, com pessimismo e perda de nacionalismo, a perda da identidade japonesa e a perda da cultura no rescaldo da guerra. É um estudo contundente da decadência do Japão no pós-guerra. O Sol enterrado do título do filme é o mesmo da bandeira imperial japonesa, e indicava o estado de desespero do Japão moderno.

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Rusty Knife (Sabita Naifu) 1958

O cenário é a cidade de Udaka, uma cidade do pós-guerra no coração da fase da reconstrução depois da Segunda Guerra Mundial, é o local onde a corrupção já tomou conta de tudo. Este cenário providencia-nos um olhar único para a fase da reconstrução japonesa, acrescentando o imprescindível contexto para o realizador Toshio Masuda produzir mais um "noir" para rivalizar com os filmes franceses e americanos, que dominavam o box-office na altura.
"Rusty Knife" aborda o problema do crime organizado, quando os gangsters criaram um estado perpétuo de medo entre a população. Seiji Katsumata (Naoki Sugiura) é uma pedra no sapato do promotor público Karita (Shoji Yasui). De cada vez que ele consegue meter as mãos em Katsumata, as vítimas desaparecem. Depois do gangster conseguir escapar de mais uma acusação de agressão, a sorte de Karita começa a mudar, quando o autor de uma carta anónima diz ser uma das três testemunhas do assassinato de um político, cinco anos atrás.
Primeira colaboração entre o realizador Toshio Masuda e a estrela  Yujiro Ishihara, foi um sucesso comercial para os estúdio da Nikkatsu em 1958, que os estúdios resolveram fazer desta colaboração um hábito. Ao longo de 25 filmes, esta dupla ajudou a redefinir o cinema de acção para o público japonês, ao longo da década de sessenta. Yujiro Ishihara é excelente como o herói problemático. O seu desempenho começa silencioso, porque o personagem quer passar despercebido. A fervura lenta é eficaz, e o nosso homem vai-se transformando num verdadeiro herói de acção. Ao longo deste ciclo veremos mais alguns filmes deste actor.
Legendas em inglês.

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Desejo Insaciável (Hateshinaki Yokubô) 1958

Na tarde de 15 de Agosto de 1955, no décimo aniversário da rendição do Japão, cinco pessoas encontram-se numa estação de comboios, cada uma usando o emblema do antigo exército imperial no seu peito. No dia da rendição, um general do exército havia escondido uma lata de valor inestimável num abrigo anti-aéreo. Tinha sido acordado que o general e os seus três soldados se encontrariam 10 anos mais tarde para dividir o seu saque, mas no dia acordado aparece uma pessoa a mais. Além disso, um deles é uma mulher, que diz ser irmã do general morto. Começam a cavar o chão onde a lata foi enterrada, mas à medida que o trabalho progride cada um deles torna-se vítima do seu próprio egoísmo, desconfiança e ganância.
Considerando que o filme policial convencional iria delinear claramente os criminosos e os cidadões inocentes cumpridores da lei, Shohei Imamura, conhecido pela sua reputação das suas observações astutas do comportamento humano, nunca iria permitir que tais considerações fossem simplificadas. Assim, Imamura estabelece algumas das suas observações mais cruéis sobre a humanidade, e sobre os habitantes da favela, classificando-os como lascivos, seres gananciosos e irracionais. Na verdade, o tema sobrejacente que melhor resume todo o filme é que o homem não é melhor que os insectos ou os animais que também vagueiam pelo planeta, com a única diferença de que os humanos são apenas muito mais neuróticos.
Para além do conteúdo temático, é interessante notar que visualmente o filme é tão interessante como os filmes posteriores de Imamura. Colaborando pela primeira vez com o parceiro de longa data, Masahisa Imeda, a iluminação do filme e a atmosfera "noir", teriam feito de John Alton um homem orgulhoso. Este era apenas o terceiro filme de Imamura.

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I Am Waiting (Ore wa Matteru Ze) 1957

Para sermos mais específicos, Joji Shimaki (Yujiro Ishihara) espera por notícias do irmão, que trocou o Japão pelo Brasil para comprar uma terra. Uma vez que o irmão finalize a compra, Joji fechará o seu restaurante e irá, igualmente, partir para o Brasil. Entretanto, ele não vê mal nenhum em meter conversa com uma jovem, de pé, na doca, aparentemente contemplando o suicídio. Convida-a para jantar no seu restaurante fora do expediente mas ela diz-lhe que acha que acabou de matar um homem. Esta jovem chama-se Saeko. É uma bailarina de cabaret, e trabalha para um gangster, que a quer de volta.
Koreyoshi Kurahara nasceu no Bornéu, no estado de Sarawak, e cresceu no período da ocupação britânica, que assim se tornava um local bastante diversificado culturalmente, e assim rico para se crescer. A sua família voltou para o Japão no final da Segunda Guerra Mundial, altura em que ele se interessou pelo cinema. Enquanto estudava conheceu  Ishirō Honda (o realizador de "Godzilla", 1954) que o apresentou a Kajiro Yamamoto, realizador, professor, e mentor de Akira Kueosawa. Quando acabou os estudos na universidade, Kurahara começou a trabalhar para os estúdios Nikkatsu, onde se tornou assistente de realização até ter a sua primeira oportunidade de realizar os seus próprios filmes. O primeiro foi este "I Am Waiting".
Facilmente é detectável a influência americana, e do film noir francês. Desde a banda sonora jazzy do brilhante compositor japonês Masaru Sato, assim como a fotografia escura de Kurataro Takamura ou o argumento corajoso de Shintaro Ishihara. Quase todos os vestígios do velho Japão estão ausentes no filme. Os sinais parecem querer gritar as suas informações em inglês "Reef Restaurant! Bar Keel!", e todos os personagens vestem roupas ocidentais e consomem bebidas ocidentais (Cognac! Coffee!). Não existem quimonos, e até a música e os desportos preferidos do personagem principal parecem sugerir que no Japão vive-se num mundo muito mais ocidental, onde os gangsters governam e é fácil adquirir uma arma.
Um dos primeiros filmes de gangsters da Nikkatsu, que dava o mote para o que se sucederia nos anos seguintes.
Legendas em inglês.

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O Film Noir Japonês

Nos anos sessenta, a vaga Noir que tinha começado nos Estados Unidos, e tinha sido desconstruída na Europa, chegava ao Japão. Por esta altura a indústria cinematográfica japonesa estava dividida em cinco grandes produtoras. No ensaio "The Modernization of the Japanese Film Industry” Hiroshi Komatsu argumenta que durante este período os estúdios estavam em crise, e uma das produtoras, a Nikkatsu Corporation, fez um esforço para se dedicar ao mercado do cinema sobre a juventude perdida e os filmes de acção.
Também tem que ser lembrado que depois da Segunda Guerra Mundial a indústria cinematográfica japonesa estava muito controlada pelas forças americanas da ocupação, cujos censores se assemelhavam aos próprios censores de Hollywood. Na América, o "film noir" prosperava, e no Japão foi feito um esforço para destruir grande parte do cinema histórico do país, trazendo uma vaga de filmes de detectives, mulheres fatais, que começavam a substituir os habituais filmes de samurais, assim como os filmes familiares que até então preenchiam o cinema daquele país. Com todas estas mudanças, alguns cineastas criaram o seu próprio corpo de trabalho, que se tornou mais progressivo e subversivo quando a ocupação americana terminou.
Esta convergência de acontecimentos deu origem a um novo tipo de Noirs. O néo-noir japonês, particularmente da Nikkatsu, que estava para o cinema asiático como a RKO estava para o cinema americano, e era uma mistura de filmes de gangsters japoneses com o clássico film noir.
Vamos pegar neste movimento a partir de finais da década de 50, na mesma altura que deu início o movimento da Nova Vaga do Cinema Japonês, e lembrando que por vezes estes dois movimentos se confundem, já que realizadores como Oshima, Imamura ou Suzuki caminharam pelos dois lados da fronteira.
Vamos acompanhar esta vaga de néo-noirs japoneses até ao inicio da década de 70, mas pelo meio haverá duas surpresas. Dois ciclos dentro do ciclo maior, a saber:

Os filmes de Gangsters de Ozu
 Na década de trinta, antes de se tornar realmente conhecido, Yasujiro Ozu realizou uma série de filmes de gangsters, hoje em dia quase desconhecidos, mas considerados os primeiros filmes negros japoneses. São filmes mudos

Os Noirs de Kurosawa
De todos os filmes noirs japoneses, são os quatro de Akira Kurosawa que mais se assemelham com os filmes negros americanos, e vamos aproveitar para fazer um "flashback" neste ciclo para os conhecer a todos.

Ao todo serão perto de 30 filmes, que serão postados ao longo de todo o mês de Maio. Espero que gostem, e até amanhã.

Chove no Meu Coração (The Rain People) 1969

Depois de descobrir que está grávida, Natalie Ravenna (Shirley Knight), uma doméstica de Long Island, entra em pânico e foge de casa com o pensamento que poderia ter feito algo diferente da sua vida. se conseguisse libertar-se da vida que leva com o marido, que ama. No quarto de um motel, onde pára para descansar durante o dia, senta-se na cama imóvel e experiência a exuberância da completa liberdade. Continua a viagem e dá boleia a um jovem caminhante (James Caan), um atraente jogador de futebol com danos cerebrais. É por causa dele que coloca uma questão mais perturbante, do que a responsabilidade doméstica. 
No final dos anos sessenta  Francis Ford Coppola tinha feito nome como argumentista em filmes de grande orçamento, e tinha dirigido uma série de filmes peculiares. A Warner tinha-lhe entregado em mãos o musical com Fred Astaire "Finian's Rainbow" (1968), e estava satisfeita com a sua evolução e eficiência, apesar do filme ter sido um flop, e o estúdio decidiu financiar-lhe outro projecto. Coppola, por sua vez, não estava satisfeito com a sua falta de controle em "Finian's Rainbow", e decidiu partir para uma obra mais pequena, e mais pessoal, escrita e realizada por ele, e foi assim que nasceu "The Rain People" (1969).
Coppola conheceu Shirley Knight no festival de Cannes de 1967, onde estava na promoção de " You're a Big Boy Now", e a encontrou a chorar, perturbada por um confronto com um jornalista, e disse-lhe para não chorar porque iria escrever um filme para ela. Assim nasceu "The Rain People", um road movie filmado inteiramente em exteriores, viajando com uma caravana de cinco carros e um pequeno autocarro onde levava o equipamento. Entre a equipa estavam George Lucas e Mona Skager, que se tornaram figuras chaves, mais tarde, na sua própria produtora. Partiram para a estrada sem um argumento completo, adicionando eventos com os quais cruzavam no dia a dia, e contando com improvisações dos actores para ajudá-lo a moldar a história. Shirley Knight era uma actriz de créditos já firmados, nesta altura já nomeada para dois Óscares, e teve dificuldades em trabalhar num ambiente tão desorganizado, o que a levou a ter algumas discussões com o realizador, mas mesmo assim arrancando uma prestação soberba.
Depois desta experiência, Coppola decidiu começar a fazer os seus filmes longe de Hollywood, e fundou a sua própria produtora, a American Zoetrope, em São Francisco no final de 1969, com George Lucas a vice-presidente.
Tudo isto aconteceu três anos antes do monumental sucesso de "The Godfather", com Lucas a aproveitar dois dos protagonistas deste filme, James Caan e Robert Duvall.

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O Vale do Arco-Íris (Finian's Rainbow) 1968

Um irlandês chamado Finian (Fred Astaire), e a sua filha Sharon (Petula Clark) chegam ao estado americano de “Miltucky” com um pote cheio de ouro, que Finian roubou de leprechaun (Tommy Steele), com a intenção de o enterrar no chão e acelerar o seu crescimento. Enquanto isso, um sonhador (Don Francks) colabora com um botânico (Al Freeman, Jr.) para criar tabaco mentolado, e um senador ganancioso (Keenan Wynn) tenta comprar o terreno onde Finian enterrara o seu pote de ouro.
Em 1968, Coppola dirige esta adaptação de um popular musical da Broadway (produzido pela primeira vez em 1947 e revivido em 2009), com uma mistura invulgar de fantasia e justiça social, que incluía intolerância racial, pobreza e corrupção política. Na verdade, esses tópicos "quentes" impediram o musical de ser transformado num filme durante muitos anos, até que o clima social dos anos sessenta finalmente permitiu que tais preocupações fossem satirizadas. O resultado final é um musical esporadicamente divertido, mas em última análise desigual, tentando incorporar muitos fios narrativos sem nunca se conseguir concentrar no seu foco.
Nas interpretações, o destaque vai para Fred Astaire, com 69 anos, participa aqui num dos seus últimos musicais. O restante elenco reúne alguns actores conhecidos,  embora grande parte das interpretações não sejam bem conseguidas. Coppola, então com 29 anos, transformava-se num dos mais novos realizadores a trabalhar no "studio system", e conseguia um orçamento minúsculo para produzir o filme, pela Warner Bros, que tentava aproveitar o ressurgimento dos musicais, depois de obras como "My Fair Lady" (1964) e "The Sound of Music" (1965). Trabalhar debaixo das mãos de um estúdio grande foi um desastre para Coppola, tendo filme sido considerado um flop a nível crítico. Mesmo assim o filme conseguiu duas nomeações para os Óscares, nas categorias técnicas.

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A Noite É Perversa (You're a Big Boy Now) 1966

O pai de Bernard Chanticleer deu-lhe um conselho muito simples: "Cresce". Bernard sabe que o primeiro passo a dar é encontrar uma rapariga que valha a pena, mas ele trocou uma rapariga "certa", Amy Partlett, por um objectivo mais evasivo. Ela é Barbara Darling (Elizabeth Hartman), uma dançarina. Há vários obstáculos que o mantêm longe do seu mundo de sonho: a mãe (que continua a pensar que ele ainda não é crescido), um playboy malicioso que ataca todas as mulheres bonitas, e a própria Barbara, que parece odiar todos os homens.
O enredo básico de "You’re a Big Boy Now" pode parecer mais um filme vulgar sobre a entrada na idade adulta, sobre um jovem inocente a aprender sobre a vida e o amor na cidade de Nova Iorque, mas Coppola transforma a história numa "screwball comedy" contemporânea, com toques de romance e de uma audaciosa pirotecnia visual. Isto inclui o longo plano de abertura filmado na sala de leitura da Biblioteca Pública de Nova Iorque, uma perseguição louca por entre lojas, ou uma sequência nocturna à volta da decadente "42nd Street".
O projecto foi primeiramente sugerido a Coppola pelo actor Tonny Bill, grande fã do livro original escrito por David Benedictus. Coppola comprou os direitos e começou a escrever uma adaptação cinematográfica, enquanto estava em filmagens na Europa para a Seven Arts, colaborando com Gore Vidal e vários outros escritores no argumento do grande épico de guerra "Is Paris Burning?". Phil Feldman, um ex-agente de negócios da Seven Arts, agora a trabalhar para a Warner, reconheceu talento em Coppola, e negociou um acordo com o jovem cineasta para o seu segundo filme.
E assim nascia o filme, lançado cerca de um ano antes de "A Primeira Noite" (The Graduate), de Mike Nichols, aborda uma temática muito parecida com a deste filme, levando os dois a serem sucessivamente comparados ao longo do tempo. Claro que o filme de Lumet é bastante melhor, acabando por ser considerado o filme mais simbólico sobre este tema. Mas o de Coppola também merece ser visto.
Legendas em espanhol, mas é um espanhol bastante acessível.

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