Vera Drake (Vera Drake) 2004

Vera Drake (Imelda Staunton) é uma mulher altruísta que é totalmente dedicada, e amada pela sua família da classe trabalhadora. Ela passa os dias a cuidar da familia, cuidar do seu vizinho doente e da mãe idosa. No entanto, também, secretamente, visita mulheres e ajuda-as a induzir abortos para gestações indesejadas. Enquanto que esta prática era ilegal na Inglaterra dos anos 1950, Vera vê-se completa simplesmente ajudando mulheres que precisam, fazendo isso com um sorriso e amáveis ​​palavras de encorajamento. Quando as autoridades finalmente a descobrem, o mundo de Vera e da vida familiar cai ao fundo dos seus pés.
O filme convenientemente ilustra esta história, revelando uma outra secundária sobre uma menina rica, Susan (Sally Hawkins), cuja casa dos pais Vera limpa semanalmente. Quando Susan é violada por um homem mal-humorado que ingenuamente acompanha ao seu quarto, é incapaz de ir a um médico. Apenas Vera a pode salvar.
O filme de Leigh está interessado em complexidades morais e políticas, uma vez que estes são destacados por um "sistema", e, especialmente, pela sua manipulação desajeitada deste caso individual (o filme é dedicado à memória dos seus pais, um médico e uma parteira). Também está interessado nos caminhos onde a justiça moral restringe a visão e impede a empatia. Quando uma das clientes da Vera deve ser levada à pressa para o hospital depois de uma "complicação", o médico insiste que a mãe revele o nome do abortista. Quando a polícia finalmente descobre o rasto de Vera, o cenário não poderia ser mais terrível.
Nenhuma reivindicação é feita que "Vera Drake" tenha sido baseado numa história real, mas certamente que havia mulheres como Vera em Inglaterra na década de 1950 e antes, quando o aborto era ilegal ou apenas vagamente legal e raramente discutido. Cada detalhe do filme respira com autenticidade, recriando plenamente o encardido mundo da classe trabalhadora do pós-guerra, em Londres, e a conversa das personagens, que se comportam e olham exatamente como pessoas reais.

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Tudo ou Nada ( All or Nothing) 2002

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Depois de tomar um rumo teatral lunático com Topsy-Turvy, o argumentista e realizador Mike Leigh regressa à classe operária britânica. A última parte do título caracteriza mais de perto a vida de um motorista de táxi (Timothy Spall), a sua esposa (Lesley Manville), que trabalha num supermercado, os dois filhos vagabundos, e as outras pessoas que vivem num local habitacional de baixa renda. O método famoso de Leigh de desenvolver o argumento através de ensaios intensos com os atores mostra-se na estrutura narrativa solta do filme, o que contribui para uma sensação de documentário como a sua atenção a deslocar-se entre uma variedade de vivências mundanas bastante deprimentes. É tudo muito difícil de seguir, mas os actores tornam difícil de desviar o olhar, as cenas do clímax entre Spall e Manville são absolutamente arrasadoras, mas o desgosto raramente foi tão convincente, primorosamente capturado em filme.
Cada um dos personagens passa por uma jornada emocional que é quase impossível de descrever. Andam todos no fio da navalha, agarrando-se a um pequeno pingo de dignidade e amor, mas em risco de cair em mal-estar completo e absoluto. A genialidade do filme está em capturar estes momentos tão astutamente, revelando essas pessoas em toda a sua complexidade, sem nunca oferecer respostas simplistas. Estamos lançados diretamente nas intimidades da vida quotidiana dessas pessoas, examinando suas inter-relações em quase todos os níveis possíveis, mas nunca de uma forma remotamente óbvia. Isso é uma coisa forte, difícil, e é mostrada de forma transparente pelos atores, cada um dos quais habitam assim completamente o seu personagem que acreditamos serem pessoas reais.

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Topsy-Turvy (Topsy-Turvy) 1999

Topsy-Turvy de Mike Leigh é um filme visualmente sumptuoso sobre a última fase da parceria entre William Schwenk Gilbert e Arthur Sullivan, os respectivos letrista e compositor que, entre 1871 e 1896, escreveram 14 operetas que governaram o teatro de Londres, e que ainda estão entre as produções musicais mais elogiadas já encenadas.
Quando a nossa história começa, em 1884, as coisas não estão bem para os célebres, e imensamente populares G & S. A opereta mais recente, "Princess Ida", tem sido um flop, e Sullivan (Allan Corduner) começa a sentir que não atingiu o seu potencial musical por completo. Simplificando, ele está cansado de escrever música cativante para as histórias cómicas de Gilbert, histórias que são essencialmente cómicas e que sempre dependem de um artifício para poderem passar. Sullivan quer compor algo grande e novo - algo importante. Gilbert (Jim Broadbent) não entende porque Sullivan se recusa a escrever uma música para a sua mais recente história, que surpreendentemente é acerca de uma poção mágica. Além disso, a G & S estão sob pressão para produzir um novo trabalho, porque eles estão sob contrato com Richard D'Oyly Carte (Ron Cook), o homem que construiu o Savoy, um teatro dedicado a estas operetas. Entretanto a esposa de Gilbert, Kitty (Leslie Manville), convence-o a ir com ela para uma exposição cultural japonesa. Impressionado com o modo de vida exótico japonês, Gilbert é inspirado a escrever The Mikado, que Sullivan vê como suficiente para fugir da sua rotina habitual que ele se comprometera a escrever, e o resto dos detalhes do filme são como The Mikado é trazido à vida no palco. 
Topsy-Turvy foi escrito e dirigido por Mike Leigh, e em primeiro lugar, isto pode parecer uma escolha estranha para um realizador cujos filmes anteriores, como Nu (1993) e Segredos e Mentiras (1996), eram focados principalmente na vida moderna britânica. No entanto, Leigh passou os seus primeiros anos de trabalho no teatro, e a sua paixão por ele era óbvia. Ele traz um olhar único para Topsy-Turvy, e sua enorme atenção aos detalhes e o seu método incomum de envolver os actores no processo criativo de formar o argumento (ele chama a isso de processo "orgânico") infundindo vida ao material que poderia facilmente tornar-se outra coisa, como uma produção de período britânica dura. O filme é cheio de pequenos detalhes, desde a cenografia meticulosa aos figurinos maravilhosos (que ganharam um Oscar para o designer Lindy Hemming). A vida na Inglaterra vitoriana é trazida e vívida, colorida, mas o tempo e o lugar nunca sobrecarregam os personagens.
Grande parte do sucesso do filme depende dos dois personagens principais, e Jim Broadbent e Allan Corduner fazem de Gilbert e Sullivan duas personagens fascinantemente ricos. Broadbent, que escreveu e interpretou a curta de Leigh de 30 minutos "A Sense of History" de 1992, faz com que Gilbert seja introvertido e obstinado. Sullivan, cuja estatura e corpo magro fazem o inverso físicamente de Gilbert, é tão obstinado, apesar da sua liberalidade social e aspirações de grandeza deixando claro por que precisava de um parceiro como Gilbert. O argumento de Leigh é cheio de diálogos espirituosos e observâncias interessantes ​​sobre a vida em Londres no final do século 19.
Com legendas em inglês e divido em duas partes.

Parte 1 
Parte 2 
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Raparigas de Sucesso (Career Girls) 1997

Annie (Lynda Steadman) e Hannah (o falecido Katrin Cartlidge) tornam-se improváveis ​​amigas e companheiras de quarto na universidade, passando por um turbilhão de namorados e muitas noites de embriaguez. Durante uma tentativa de reunião seis anos depois de terem seguido cada uma a sua vida, são agora profissionais, e descobrem que ainda existem alguns restos de resíduos emocionais dos seus dias de escola. Ao longo do fim de semana que se segue, elas reacendem a amizade dormente e vão conhecer novos amigos e encontrar alguns antigos.
Através de flashbacks vemo-las na universidade, Annie como a menina tímida marcada pela dermatite grave, Hannah como a confidente ainda maníaco intelectual. Naturalmente, ambas mudaram desde os dias de estudantes cerca de seis anos antes, as companheiras de quarto do passado foram substituídas por mulheres maduras de carreira.
Superficialmente, Career Girls parece ter todos os ingredientes de um mundo da classe alta: Leigh entrega-se aos seus personagens em cenas longas de diálogos, muitas vezes deixando-os recordar durante vários minutos. Ao fazê-lo, Leigh obriga-nos primeiro a ouvir, e então, quando revela que a conversa não é nada de especial, a nos concentrarmos no que os actores estão a fazer. Totalmente crível e envolvente, Cartlidge e Steadman interpretam um par de personagens bastante convincentes; Cartlidge é hiper chata e cínica, enquanto Steadman é tímida e inquieta. As performances de alto calibre são o que o filme de Leigh tem de combustível, fazendo de "Career Girls" mais um estudo de personagens.
Longe do sucesso dos três filmes anteriores, ainda assim é uma obra interessante.
Legendas em inglês.

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Segredos e Mentiras (Secrets & Lies) 1996

Depois de anos a trabalhar na televisão britânica, e a fazer quatro filmes impressionantes, que incluíam "Bleak Moments" (1971) e "Naked" (1993), Mike Leigh estabeleceu-se internacionalmente como a versão britânica de John Cassavetes, com filmes sinceros de incalculável profundidade emocional e complexidade narrativa. Aqui, Marianne Jean-Baptiste interpreta Hortense Cumberbatch,  uma optometrista negra de vinte e poucos anos, que vive em Londres, que traça a sua árvore de família depois da morte da mãe adoptiva para descobrir que a mãe biológica é uma mulher da classe trabalhadora chamada Cynthia Purley (Brenda Blethyn). Leigh passou muitos meses de preparação com os atores fazendo workshops de improvisação, a fim de criar um argumento que carregasse um sentido super-natural de realismo e verdade elementar. A sua peça central é um shot ininterrupto de 8 minutos, do encontro entre Hortense e Cynthia num restaurante vazio, para um chá onde as paredes das defesas começam gradualmente a ruir quando a verdade da sua relação é revelada. Todo o desempenho do brilhante conjunto de atores, que inclui Timothy Spall e Phyllis Logan, é uma coisa rara de autenticidade dramática. Blethyn e Jean-Baptiste são extraordinárias na sua contenção, humor, e espontaneidade. Muito mais do que apenas uma história comovente dos laços que unem a humanidade e a forma como nos revelam a nós mesmos, "Segredos e Mentiras" (1996) é uma obra impressionante de um génio cinematográfico.

Leigh desenvolve a história lentamente, introduzindo-nos a cada personagem, e, através de acções e de diálogos, permite-nos saber mais sobre suas vidas. Não são fatos e detalhes alimentados à força. Não há flashbacks nem há uma narração. O filme é realizado num estilo quase documentário. Do início ao fim, Segredos e Mentiras é excepcionalmente bem pensado. O impacto emocional é crucial para o sucesso do filme. Leigh emprega uma única câmera, shots inéditos para facilitar o desenvolvimento dramático, deixando a profundidade das emoções serem atiradas para fora na tela.

Brenda Blethyn ganhou o prémio de melhor atriz em Cannes pela sua ousadia, o retrato emocionalmente nu de Cynthia, embora seja dificil destacar actores neste elenco.Leigh tem uma história de tirar o máximo proveito dos seus artistas (tal como já tinha acontecido com David Thewlis em Nu). Com Segredos e Mentiras, Leigh superou as suas consideráveis ​​conquistas em "Life is Sweet" e "Naked". Ganhou a Palma de Ouro em Cannes num ano em que a concorrência era arrasadora: Lars Von Trier, Cronenberg, Altman, Kaurismäki, Hou Hsiau-hsien, Bertolucci, Irmãos Coen, Cimino, Raoul Rouiz, Audiard e Téchine, além de ter conseguido ainda o prémio de Melhor Actriz e um do Júri neste mesmo festival. Secrets and Lies foi também o primeiro filme de Leigh a ser nomeado para os Óscares: cinco nomeações, incluindo Melhor Filme, Actriz e Actriz Secundária, e ainda duas para Leigh (Melhor Realizador e Melhor Argumento Original. 

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Nu (Naked) 1993

Johnny (David Thewlis), o vagabundo, personagem central de "Naked", de Mike Leigh, emite um profundo desafio para a identificação do público desde a sua primeira aparição na tela: nos minutos iniciais do filme, ele violentamente viola uma mulher contra uma parede do beco, fugindo depois pelas ruas sombrias, até que se depara com um carro sozinho, que acaba por roubar. Ele, para dizer a verdade, não é um protagonista especialmente agradável, mas Leigh, no entanto, treina a câmera para ele, fica com ele e com os outros personagens oprimidos que encontra nas suas caminhadas. Johnny não necessariamente fica mais agradável, mas ele acaba por se tornar mais simpático, mais complexo, até mesmo em alguns estranhos momentos assume a voz da moral do filme. Num deserto urbano que oferece poucas oportunidades - e nenhuma que o inquieto e irritado Johnny gostaria de considerar - a loucura de Johnny sobre a exploração política, pobreza, e a realização de apocalípticas profecias bíblicas em forma de código de barras começam a soar.  O filme é ancorado pelo desempenho destemido de Thewlis, que investe uma enorme energia neste Johnny desequilibrado, tirando tanto da sua ira universal sem direção, como dos seus surpreendentes (e muitas vezes de curta duração) momentos de carinho e ternura para com os companheiros do ghetto. A câmera de Leigh persiste em Thewlis e nos outros atores para revelar closeups que apanham este grupo expressivo de atores (Karin Cartlidge, Lesley Sharp) no seu ser mais transcendente. O filme é uma crítica social mordaz da classe trabalhadora de Londres, por curvas fechadas, é absolutamente brutal, como levar com um martelo na cabeça.
O objetivo de Leigh no filme é simplesmente de transmitir uma brutalidade impulsionada pela desolação e a questão da existência. De certa forma, esta obra também é como a "Odisseia" de Homero, que foi referenciada no filme, já que é sobre a jornada de um homem através de Londres na tentativa de encontrar respostas sobre a humanidade, desafiando as pessoas com a sua visão do mundo. O tratamento do filme às mulheres será definitivamente algo que muitos das suas telespectadores do sexo feminino irão ficar ofendidas, mas não será tão sexista já que algumas das suas personagens são heroínas .
Leigh é conhecido por fazer os seus filmes, primeiro juntando os seus atores, e não fazendo um argumento para deixar os atores improvisarem. Esta improvisação parece funcionar onde os atores têm um senso próprio naquilo que querem fazer para o personagem, permanecendo fiel à história. Poderia ter uma visão sombria sobre o mundo e a humanidade , principalmente na Grã-Bretanha pós-Thatcher, mas Leigh decide tentar encontrar algum vislumbre de esperança nos olhos de um homem.Escrito pelo improviso de Leigh, os pontos de vista que estão no argumento têm o seu estilo de direção, uma vez que apontam para uma abordagem corajosa e bruta que faz com que o público fique desconfortável. Leigh é definitivamente confrontado com este estilo de direção logo nas escolhas de exteriores para Londres e Manchester, que são inspiradas pelo fato de que ele se recusa a mostrar qualquer tipo de monumentos ou rua famosa. Em vez disso, Leigh vai para o centro da questão, mostrando lugares deprimentes e ruas sujas. É realmente um filme das ruas . Ajudando Leigh a captar esta visão está o seu antigo diretor de fotografia Dick Pope, que traz uma qualidade natural granulada ao filme sem qualquer tipo de luz artificial ou qualquer coisa brilhante.

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A Vida é Doce (Life is Sweet) 1990

Num bairro da classe trabalhadora, uma família luta para sobreviver, ligada aos seus sonhos modestos, apesar dos prazeres aparentemente escassos e as poucas oportunidades disponíveis que têm. Eles seguem as suas rotinas diárias, lutam e brigam incansavelmente uns com os outros, e fazem, obviamente, tentativas fracassadas de irem mais para lá das suas rotinas. Qualquer outro realizador que intitulasse este filme de "Life Is Sweet", seria para fazê-lo como um gesto irónico, um comentário auto-consciente sobre a miséria e a abjeção destes personagens. Para Mike Leigh, no entanto, este título é, obviamente, qualquer coisa menos irónico, e as suas ressonâncias dentro do filme são muito mais complexas do que uma simples inversão da realidade sombria. A visão da vida de Leigh é frequentemente descrita como miserável ou negativa, o que não é totalmente incorreto, mas é apenas uma descrição incompleta na melhor das hipóteses. É inegável que ele mostra personagens com problemas e limitações, que poucas vezes é visto no cinema. Os seus personagens estão presos em empregos sem futuro, são brutos e bêbados e provavelmente não são particularmente inteligentes. Leigh apresenta uma visão da realidade nua e crua, dos tipos de problemas da rotina que afetam as pessoas comuns: falta de dinheiro, crianças malcriadas e ingratas, empreendimentos comerciais que nunca chegam a lado nenhum, uma linha aparentemente interminável de tarefas de melhoria que nunca há tempo ou dinheiro suficiente para ser concluído. Estes são os verdadeiros personagens da classe trabalhadora com problemas da classe trabalhadora, o tipo de pessoas que raramente aparecem nos ecrãs de cinema. Leigh, praticamente sozinho, está interessado em contar histórias sobre essas pessoas, e fá-lo sem recorrer a qualquer dramatização brilhante ou "problema social" moralizador.

A história que ele aqui nos conta refere-se à família de Andy (Jim Broadbent) e Wendy (Alison Steadman). Ele é um cozinheiro, enquanto ela trabalha numa loja de roupas para crianças. Eles têm duas filhas gémeas, Natalie (Claire Skinner) e Nicola (Jane Horrocks), que não poderiam ser mais diferentes. Natalie é inteligente, um pouco rebelde, economizando o seu dinheiro para uma viagem à América - os seus pais estão, talvez, um pouco preocupados com seus maneirismos de criança, mas estão orgulhosos da sua ambição e da bondade essencial. Depois temos Nicola. Nicola é uma criação inspiradora. Obcecada com o seu peso, e com os tufos de cabelo-palha e enormes óculos, os seus olhos azuis são matreiros e cheios de raiva.. Ela parece revoltada com o mundo, e assim, horrorizada com tudo o que vê. Professa um profundo ódio aos homens, declarando-se uma "feminista", mesmo sem realmente entender o que isso significa, mas ao mesmo tempo parece atraída por homens. Ela tem um amante (David Thewlis) que aparece durante o dia para lhe encher o corpo de chocolate e fazer sexo, mas ela inevitavelmente manda-o embora pelo que acabaram de fazer juntos.

Nicola é uma personagem fascinante, uma complicação de contradições,  em que cada linha é brilhante - por vezes também brilhantemente cómicas, embora seja inegável um obscuro e um pouco desconfortável sentido de humor. Ela funciona melhor em muitos closes que Leigh lhe dá, closeups que captam todas as nuances da sua frustração e raiva, assim como ataques emocionais. Leigh é famoso pelo cuidado e atenção que dá aos actores, o desenvolvimento dos seus personagens fica com os próprios actores ao longo de longos ensaios antes de cada frame do filme ser filmado. Este processo mostra a profundidade e a complexidade dos personagens.

Para esta família, a vida é doce não por causa de circunstâncias materiais (certamente que não!), mas porque eles ainda têm esperanças, eles ainda têm ambições, eles têm carinho e respeito uns pelos outros. Apenas Nicola parece não ter esperanças, sem sentimentos positivos, em absoluto.

"Life is Sweet" é o filme que deu a Leigh estima global como um grande cineasta, e ainda um de seus melhores estudos, compassivos de uma família britânica, perto do fim do regime de Thatcher. O título é um testemunho da nuance e ambiguidade dos métodos de Leigh, e não nos é oferecido por brincadeira, nem por celebração. 
 

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The Short & Curlies (The Short & Curlies) 1988

Joy trabalha numa farmácia e fica a conhecer Clive através de pequenas coisas - a sua relação desenvolve-se, embora ela pareça estar a ter conversas diferentes sobre dele, este está sempre a fazer piadas más. Betty é a cabeleireira de Joy, que não consegue parar de falar por um segundo, mesmo quando vai para casa da sua filha Charlene.
Mais conhecido como o título de uma série de curtas-metragens encomendadas pelo canal 4, este filme foi o que começou a série que lhe deu o nome, e é um pequeno exemplo da cozinha habitual do realismo de Mike Leigh com vidas sujas, atoladas na labuta do dia-a-dia. O argumento aqui é muito bonito por sinal, embora não haja um fluxo geral envolvendo a relação de Joy e Clive ou o sentimento de estar encurralada de Charlene. Este último é mais importante para o filme, pois é mais um tema do que uma peça daq história - oferecendo um olhar pessimista, mas realista sobre a vida das pessoas que são normais.
Seria um dos primeiros papéis de David Thewlis, que passaria a ser um colaborador regular de Mike Leigh, facilmente  reconhecível como o protagonista de "Naked".
Com legendas em inglês, vai ser a única curta-metragem deste ciclo.

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Grandes Ambições (High Hopes) 1988

Cyril (Philip Davis) é um mensageiro de bicicleta de 30 e poucos anos, algo preguiçoso, mas responsável, com um pouco da marxista, mas os seus ideais parecem estar a desaparecer sob o peso do thatcherismo. Vive com a namorada Shirley (Ruth Sheen), e embora os dois tenham algumas diferenças sobre o assunto de ter filhos no seu relacionamento é geralmente amorosa e solidária. Também temos a mãe de Cyril (Edna Doré), uma mulher idosa que se sente perdida e negligenciada. As partes do filme que giram em torno destes três personagens fazem tocar no drama do estilo que normalmente associamos a Mike Leigh. Personagens que são imperfeitas, mas tentam, e mesmo que nem sempre o seu melhor, mas são simpáticas e cativantes.
Depois de um enorme sucesso de 17 anos a trabalhar na televisão, Mike Leigh voltou ao cinema com este filme, discreto drama inquietante e magistral ainda que afetado suavemente, em que seguimos um socialista profundamente cínico e a sua namorada para sobreviveram na Grâ-Bertanha de Thatcher. 
Como a maioria dos filmes "slice-of-life", há mais sub-trama do que trama. Há muito mais superficialmente do que o que aparenta. Descobrir o quê, é apenas um dos muitos prazeres de ver este filme. Do começo ao fim, há uma gloriosa sensação tão natural a tudo que acontece, tudo o que essas pessoas dizem e fazem - as aspirações e afectos, esperanças e decepções sempre soam a verdadeiro. E talvez esse seja o ponto de vista de Leigh. Talvez a nossa disfunção seja simplesmente uma condição e não tanto um problema. Talvez estes personagens - como tantos de nós, não são tão disfuncionais como parecem.
High Hopes é um grande comentário miserevalista de Mike Leigh sobre as classes e mudanças sociais no final dos anos 80, em Londres.  
Legendas em inglês.

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Meantime (Meantime) 1984

"Meantime", de Mike Leigh é um filme brutal, desagradável sobre pessoas brutais e desagradáveis​​, um cinema completamente desagradável de abjeção que toca profundamente nos desagrados das ​​vidas sem rumo dos seus protagonistas, como um verme cavando seu caminho em carne podre. O filme é centrado numa família que vive uma existência totalmente apoiada pelo governo: terminantemente desempregados, aceitando a dole semana após semana, vivendo na miséria, sem fazer nada o dia todo, a não ser ver televisão e passear pelas ruas como arruaceiros. Eles embebedam-se quando têm dinheiro, e caso contrário, tentam qualquer coisa para encontrar algo para fazer, qualquer coisa para passar as brandas horas intermináveis ​​que enfrentam. Para o pai Frank (Jeff Robert), esta existência é a prova da sua incompetência e fracasso, uma vida inteira passada neste lugar sombrio. Para piorar a situação, os seus dois filhos prometem ser apenas uma continuação do seu próprio fracasso: Mark (Phil Daniels) é um falso, vândalo desagradável, um delinquente juvenil e com o envelhecimento não parece superar esta fase, enquanto Colin (Tim Roth) é "lento", sem esperança de encontrar o caminho para fora deste lugar miserável. Leigh documenta, com uma honestidade inflexível, o trabalho penoso e a feiúra da vida. O filme expressa a desesperança e a inutilidade que estas pessoas sentem, descartadas e deixadas a apodrecer, sem esperança de encontrar qualquer trabalho.
O filme começa com um ambiente muito diferente, com Frank e a sua esposa Mavis (Pam Ferris), juntamente com os rapazes, a visitararem a irmã de Mavis, Barbara (Marion Bailey) e o marido John (Alfred Molina). John e Barbara são mais bem sucedidos, vivem numa casa suburbana agradável sonhando com redecorações de várias maneiras. A cena ferve com uma hostilidade mal contida, com Frank e Mavis a não conseguirem esconder o desprezo e inveja. Mavis tenta servir o chá para a irmã, e é lhe dita porcamente que está a usar a bandeja errada - provavelmente porque ela não tem o luxo de ser tão exigente sobre como se serve a comida em casa. Leigh manipula a cena com uma intensidade claustrofobica que transporta para o resto do filme. Close-ups são frequentes, destacando os olhares esquivos dos protagonistas. Todos estes personagens parecem estar constantemente a tentar ferir os outros. Leigh enfatiza os espaços apertados em que estas pessoas vivem, mesmo na supostamente luxuosa casa suburbana. A câmera raramente puxa para cenas de longa distância, excepto em alguns exteriores. Numa cena, a tensão acumula-se sobre o uso de uma casa de banho da família, e Leigh simplesmente espia pelo corredor com um shot estático como os membros da família esperam fora da porta da casa de banho, como abutres, esperando para atacar sempre que a porta for aberta. 
Incidentes mundanos como este guiam o filme, tudo isto captado com o estilo do confronto direto de Leigh. O filme é tão sombrio como a sua obra-prima posterior "Naked", com um traço de humor parecido, mas não tem a mesma poesia fatalista. "Meantime" é mais ligado à terra, menos propenso a violentos apocalípticos e pronunciamentos filosóficos grandiosos. O resultado é que o filme não é tão engenhoso como o seu homólogo posterior. Se "Naked" é uma declaração artística plenamente realizada sobre a pobreza, falta de habitação, e depressão, então Meantime é a realidade não mediada por trás da arte. O filme faz uma pausa para conversar com os outros habitantes desta comunidade, habitante dos blocos de apartamentos, inclusive em numa cena angustiante de um confronto entre o skinhead Coxy (Gary Oldman) e o tímido Hayley (Tilly Vosburgh). Tim Roth tem um desempenho fenomenal como um rapaz quieto, retraído, que mal percebe o que está a acontecer ao seu redor. O seu Colin é apenas um pouco menos consciente do que as outras pessoas no filme, apenas alguns passos à frente no caminho da abjeção e da ignorância generalizada que o cerca por todos os lados.

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Bleak Moments (Bleak Moments) 1971

Este filme de estreia promissor de um dos mais aclamados criadores teatrais da Grã-Bretanha já contém as sementes de outros sucessos posteriores, como "Abigail’s Party" e "High Hopes". Como as suas obras subsequentes, foi desenvolvido a partir da improvisação estendida e da pesquisa com os seus atores. Uma galeria brilhantemente concebida de Mike Leigh de tipos suburbanos é uma antologia de identidades defeituosas, abraçando momentos do intransigente e sombrio sul de Londres, da existência de uma funcionária tímida dos subúrbios, Sylvia (Anne Raitt), que, desinteressadamente, trata da sua irmã com deficiência mental, Hilda (Sarah Stephenson).
Sentindo-se presa no desespero silencioso e absurdo frequente de uma vida insatisfatória, a solteirona álcoolica procura desesperadamente o contato com outras pessoas, alternando a sua atenção entre um professor, Peter (Eric Allan), e um aspirante a cantor folk , Norman (Mike Bradwell) que aluga a sua garagem. Peter pede a Sylvia para jantar com ele, e ela aceita. Esta saída acaba por ser uma experiência dolorosa e humilhante antes de a noite acabar. Hilda entretanto, é deixada aos cuidados da colega de trabalho de Sylvia, Pat (Joolie Cappleman) e a sua mãe (Liz Smith). Debaixo deste ambiente de ácido também há alguma simpatia, e uma visão perturbadora da sociedade social e política repressiva da Grã-Bretanha.
A sensação de Leigh para a representação já é óbvia neste primeiro filme, que foi adaptado a partir da sua própria peça de teatro. Estes atores comunicam muito através das nuances das suas performances, a forma como eles interagem, os longos e desconfortáveis ​​silêncios que deixam pendurados. Mas Leigh também já exibe uma imaginação cinematográfica interessante ​​que às vezes é esquecida no foco da sua facilidade com os atores e a sua sensibilidade realista. Bleak Moments é um bom começo para a carreira de Leigh, um retrato normalmente sensível, humanista do sofrimento e da tristeza que é tão sintonizado com os pequenos prazeres e as pequenas esperanças de uma vida normal, tal como para os momentos sombrios do título.
Legendas em inglês.  

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