O Pequeno Grande Homem (Little Big Man) 1970

Adaptação do romance de Thomas Berger sobre as memórias de um velho de 121 anos que evoca os seus tempos no Oeste, vivendo entre dois mundos, o dos pioneiros e o dos americanos primitivos que o tinham raptado em criança no ataque a uma caravana. Uma revisão de alguns mitos da história e clichés do western, em particular a personagem de George Armstrong Custer e a batalha de Little Big Horn.

"O romance de Thomas Berger (publicado em 1964), onde se baseia "O Pequeno Grande Homem", é uma das obras mais divertidas e originais da ficção do Oeste. Relata as picarescas aventuras de Jack Crabb, que é várias vezes capturado pelos índios e se torna num pistoleiro do velho Oeste, encontra-se com Wild Bill e junta-se ao General Custer na batalha de Little Big Horn. No filme, Jack é interpretado por Dustin Hoffman e vamos encontrá-lo, pela primeira vez, com a avançada idade de 111 anos por um honesto explorador que acredita em toda a sua inacreditável história.

O que se segue é uma desmontagem, numa envolvência absoluta, do mito western, mostrando Custer como um ferrabaz vaidoso e Hicock como um neurótico ansioso. Os Cheyenes, pelo contrário, que adoptam Jack na sua tribo, são um povo cortês e amante da vida e, nesse aspecto, estão bem representados na figura de Old Lodge Skins, maravilhosamente interpretado pelo Chefe Dan George. A descrição do ataque ao campo dos Cheyennes pela Sétima Cavalaria de Custer (baseado no massacre de Washita, em 1868) quase nem se preocupa em disfarçar uma óbvia referência à Guerra do Vietname, no auge da fúria quando o filme foi rodado, e, em particular, à infame matança de My Lai."

Texto de EB.

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Beco Sem Saída (Straight Time) 1978

Depois de ter sido colocado em liberdade condicional, um ladrão (Dustin Hoffman) tenta endireitar a sua vida, arranjar um emprego regular, e seguir a sociedade pelas regras. Depressa ele se vê de volta para a prisão, e vai parar nas mãos de um poderoso agente policial. Quando é novamente libertado, assalta o agente da liberdade condicional, rouba o seu carro, e regressa à vida do crime.
"Straight Time" é um gigante soco no estômago, graças, principalmente, ao intenso desempenho de Dustin Hoffman. Introduz-nos às frustrações, e raiva, de ser rotulado de ex-presidiário, e, de seguida, apresenta-nos às raízes criminosas e viscerais do protagonista. O filme acaba por ser um pouco prejudicado pelo delineamento breve e inconclusivo de um romance com a personagem de Theressa Russell, mas o resultado final é bastante agradável.
Realizado por Ulu Grosbard, um famoso director de teatro, que apenas realizou sete duas longas metragens, e que aqui dirigia pela segunda vez Dustin Hoffman, a anterior era "Who Is Harry Kellerman and Why Is He Saying Those Terrible Things About Me?". Dustin Hoffman também deu uma ajudinha na realização. O elenco é fabuloso, e além de Hoffman e Russell tinha também Gary Busey, Harry Dean Stanton, M. Emmet Walsh, Kath Bates, entre outros.

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O Cowboy da Meia Noite (Midnight Cowboy) 1969

Dustin Hoffman é Ratso Rizzo, um aldrabão desmazelado com grandes sonhos. John Voight é Joe Buck, um ingénuo e sedutor cowboy do Texas, convencido que é a salvação de muitas mulheres nova-iorquinas, solteiras e sedentas de amor. Vivendo à margem da sociedade, o destino acaba por juntar estas duas personagens neste poderoso e comovente filme.
"Midnight Cowboy" é várias coisas ao mesmo tempo: um astuto estudo de personagens, um buddy movies, uma comédia humana, e uma descrição honesta e directa do decadente mundo da prostituição masculina, em Nova Iorque. O que é mais surpreendente no filme, é a sua recusa em envelhecer. Ganhou o Óscar de Melhor Filme em 1969, mas visto mais de quarenta anos depois, nada parece ter diminuído o seu impacto. Continua a ser tão crú e potente como quando foi lançado pela primeira vez, com o rating X.
John Schlesinger, realizador inglês, fez "Midnight Cowboy" como a sua estreia americana, e como não era nativo de Nova Iorque, foi capaz de trazer um ponto de vista diferente, dos olhos de um estrangeiro, que redefinia a cidade, e a América. Schlesinger deixa o seu director de fotografia, Adam Holender, perder-se, por entre luzes de neon, gigantes arranha-céus, e uma variedade eclética de pessoas que a maioria dos americanos tomam como pessoas comuns. A câmera de Holender transforma a cidade num personagem do filme, como qualquer outra pessoa. Se Park Avenue é o local onde os sonhos são realizados, a 42nd Street é o local onde eles são desfeitos.
Foi o único filme, até hoje, que avaliado com o rating X, conseguiu ganhar o Óscar de Melhor Filme. Levou mais duas estatuetas para casa, de Melhor Realizador e Melhor Argumento Adaptado (Waldo Salt). Valeu ainda nomeações para os actores Hoffman, Voight, e Sylvia Miles. Com dois actores nomeados para o prémio principal, o prémio acabaria por fugir para John Wayne, em "True Grit".

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A Primeira Noite (The Graduate) 1967

Há certos filmes feitos na década de 1960 que parecem ficar para sempre na década de 1960. Eles não têm nenhuma mensagem de duração, e definitivamente podemos apenas visioná-los uma vez (Funny Girl). Depois, há os filmes feitos na década de 1960 que ajudaram a redefinir a fabricação de filmes, e alimentaram a capacitação de uma geração mais jovem. Butch Cassidy e Sundance Kid, Bonnie e Clyde, e de Mike Nichols, "The Graduate (1967), todos se enquadram nesta categoria. 
Quarenta anos depois do seu lançamento original, The Graduate ainda é extremamente oportuno e os seus temas e mensagens são relevantes tanto no contexto de 1967 ou de 2007. A história do filme facilmente atrai a audiência de hoje, porque A) todos nós em alguma altura questionamos o rumo que as nossas vidas estão a levar, e B) romance, amor, casos com mulheres mais velhas, e Anne Bancroft descascando as meias de seda serão sempre um grande acontecimento.
De certa forma, The Graduate, independentemente dos acontecimentos da década de 1960, e pode ser considerado como a simples história de Ben (Dustin Hoffman): um jovem que não sabe o que quer fazer com a sua vida pós-universidade e é seduzido a ter um caso com a sua rica vizinha Mrs. Robinson (Anne Bancroft), para se apaixonar pela sua bela filha Elaine (Katharine Ross). No entanto, o público, em 1967, assistiu a The Graduate, com o conhecimento de que a américa estava no meio de uma mudança política e social que veio com a Guerra do Vietname, e isso colocava o filme num contexto cultural e histórico bastante diferente. 
Ao contrário de muitos protagonistas jovens do sexo masculino em filmes feitos nesta década, Ben não é nem um soldado na guerra, nem é abertamente contra a guerra, e certamente não se encaixa no tipo de hippie da paz e do amor. Na verdade, a guerra não está directamente mencionada no filme, de todo. Ben fica longe dos jovens da sua idade ao longo de quase todo o filme e, em vez disso, apenas se cerca de pessoas da geração dos seus pais, que definem o futuro com as estéreis e deprimentes palavras "plásticas".
A sua reação aos acontecimentos por todo o mundo à sua volta levam-no a rejeitar a ideia da pós-graduação, e a permanecer inactivo no mundo da classe alta, de meia-idade, e dos amigos dos pais. A única saída de Ben é o prazer sexual, mas até nisso ele não se afasta além do mundo confortável dos amigos dos pais. Ele procura ganhar algum tipo de futuro através do caso com a Sra. Robinson, mas está impedido de viver os acontecimentos do mundo ao seu redor, devido à insularidade claustrofóbica da geração de Mrs. Robinson. 
Ben liberta-se quando se apaixona pela filha da Sra. Robinson, Elaine, e enquanto Elaine, certamente, não tem as pernas de Mrs. Robinson, com a introdução da sua personagem vem a exposição de Ben para a cultura jovem no filme, como ele faz a transição da geração dos pais para a sua própria. Considerando que o caso de Ben com a Sra. Robinson é apenas sexual na sua natureza, o caso de Ben com Elaine é intelectual e pessoal, e com ela, ele é capaz de abraçar a incerteza do seu futuro. 
Esta incerteza, e a rejeição do mundo dos pais conservadores de Ben, parece, para o público em 1967, refletir o ambiente social e político da época. A rejeição completa das normas sociais que ocorre no final do filme, enviou uma mensagem para a juventude da década de 60 que ainda hoje é relevante: é hora de uma nova geração entrar no seu próprio país. Esta mensagem política latente transforma o pretenso enredo simples, mas atraente do graduado numa espécie de mantra para a juventude da década de 60, e, provavelmente, para os jovens das gerações vindouras. 

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O Homem da Maratona (Marathon Man) 1976

Doc Levy (Roy Scheider), é um agente secreto americano, de quem é pensado ter roubado um enorme valor em diamantes (originalmente roubado de um campo de concenteação de judeus), é morto pelo maldoso ex-nazi Szell (Laurence Olivier), um antigo dentista de um campo de concentração de profissão. Szell chegou a Nova York para recuperar a fortuna em diamantes de um cofre, e rapta o irmão de Doc, o solitário, idealista e estudante judeu, Babe Levy (um Dustin Hoffman de 38 anos de idade a interpretar um estudante de universidade na casa dos 20), que não sabe nada sobre a vida secreta do irmão. 
Em duas cenas angustiantes e sombrias (esta cena infame foi dividida em dois segmentos), o sádico dentista Szell, a essência do mal perturbador, tortura o amarrado Babe usando uma série de instrumentos dentários numa bandeja. A cena que se segue é uma das sequência de tortura mais angustiantes de que há memoória na história do cinema.
Porque lidava directamente com questões de criminosos de guerra e a presença cada vez mais assustadora do reinado de terror nazi na vida dos judeus sobreviventes (quando o filme saíu para a rua, tinha passado apenas 30 anos desde a libertação dos judeus), Marathon Man tem uma tendência um pouco enervante que teria sido melhor aproveitada se o realizador e os produtores não o tivessem ordenado tanto para as emoções nervosas. É uma prova do intervalo livre do cinema americano na década de 70, onde os thrillers comerciais de grande orçamento como este estavam dispostos a lidar com estes assuntos, mas faz-nos pensar se Goldman e Schlesinger não teriam encontrado uma outra maneira de tornar o trabalho mais provocante.
Laurence Olivier conquistaria aqui a sua nona nomeação ao Óscar, como actor secundário. 

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Os Homens do Presidente (All the President's Men) 1976

All the President´s Men (1976), de Alan J. Pakula, apostava no facto de que homens a falar aos telefones, a escrever em cadernos ou jornais, poderia ser emocionante - e ganhou. Nenhum thriller político feito hoje teria a coragem de rapar a sua história até aos ossos, como este fez,  e em vez disso, teria que ser preenchido com efeitos especiais, armas, perseguições e fugas. Ajuda que All the President´s Men tem no seu núcleo uma grande história, e com uma grande verdade. O assunto ainda estava fresco na imprensa, apenas três anos depois dos factos reais terem acontecido, do livro, e o filme.
O filme descreve os acontecimentos depois do 17 de junho de 1972, no Hotel Watergate, que serviu de sede para o Comité Democrata Nacional. Os cinco homens presos não pareciam ser ninguém importante. O Washington Post atribuíu dois repórteres novatos para seguir a história, Bob Woodward e Carl Bernstein. Seguiram as pistas, algumas indescritíveis, de uma fonte misteriosa chamada Deep Throat e descobriram que a história os levava de encontro a altos funcionários da Casa Branca. Pouco mais de dois anos depois, a 9 de agosto de 1974, o presidente Richard Nixon renunciou ao seu mandato, em vez de enfrentar um processo no tribunal. 
Dirigido por Alan J. Pakula, nunca o filme mostra os vilões ou tiroteios, e ainda assim sustenta uma sensação palpável de ameaça. Woodward (interpretado por Robert Redford, que também produziu) só tem de olhar por cima do ombro para capturar um enorme sentimento de paranóia. Numa cena em que Woodward rastreia uma série de pistas sobre o telefone, a câmera permanece fixa nele, ininterrupta por vários minutos, e a montagem do suspense é feita de um modo tão simples que não podemos sequer ver ou detectar. Interpretado por Dustin Hoffman, talvez no seu melhor desempenho, Bernstein projeta uma intensidade nervosa por toda a parte, especialmente quando trabalha psicologicamente uma fonte difícil, que não quer falar (interpretada por Jane Alexander, que recebeu uma nomeação ao Óscar por este filme).
A fotografia de Gordon Willis mostra-nos o escritório do jornal como se fosse uma profunda caverna, iluminada por fileiras de luzes quadradas e apoiadas por sinistras colunas retangulares. Estranhamente, a garagem na qual Woodward se encontra com Deep Throat (Hal Holbrook) parece mais do mesmo, mas mais obscuro.
Mas porque não nos foi dito o que pensar, o filme continua a ser urgente e relevante hoje, como uma história de David e Golias, contra aqueles que usam o cargo político como um meio de obtenção de poder pessoal e de conspirar contra o seu parceiro. O filme foi o segundo maior êxito de bilheteira do ano, e ganhou quatro Óscares. 

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