All That Jazz - O Espectáculo Vai Começar (All That Jazz) 1980

""It´s showtime, folks!". Este musical fascinante, imaginativo e intimamente autobiográfico, que ainda divide o público, é um 8 1/2 americano, um testamento surpreendentemente cândido de Bob Fosse, dançarino dotado, coreógrafo brilhante, vencedor de múltiplos Tonys e realizador de "Cabaret", vencedor do Óscar. O drama de dança de Fosse, de uma franqueza espantosa - que ele concebeu, co-argumentou e realizou pouco depois de se ter submetido a uma cirurgia de coração aberto tem o seu alter ego em Roy Scheider, nomeado para o Óscar, como director coreográfico Joe Gideon, fumador compulsivo, femeeiro e devorador de comprimidos. Demasiado ocupado a ensaiar o seu novo espectáculo cheio de carga erótica, a intimidar financiadores e a engatar showgirls de pernas bonitas para levar a sério as perturbadoras dores no peito, Joe está a morrer (sedutor até ao fim no teatro da operação com o seu assistente anjo da morte, Jéssica Lange) enquanto contempla fracassos pessoais, triunfos artísticos e grandes momentos do espectáculo. "All That Jazz" tem uma verve selvagem na vida dos bastidores e é emocionante no modo como transmite a pressão obsessiva, que tudo consome, daqueles homens e mulheres apaixonadamente dedicados e impulsionados pelo seu trabalho.

Dança sensacional com a assinatura à Jazz do estilo Fosse e números de saltar os olhos (a estonteante abertura da versão muito soul de "On Broadway", de George Benson, outra apresentando o sempre presente animador du jour Bern Vereen) pontuam as reminiscências de um mestre teatral arrogante e satírico. Elas incluem flashes das suas raízes no burlesco rasca e uma visão sem remorsos suficientes das mulheres que amou, explorou, adorou, e deitou fora na sua vida (uma delas obviamente inspirada na terceira mulher de Fosse, Gween Vernon, bailarina e estrela na Broadway, outra interpretada pela sua protegida e mais tarde companheira, Anne Reinking).

Audaciosamente estruturado e também montado, "All That Jazz" conquistou quatro merecidos Óscares e está , ao lado de "Cabaret", como um dos dois melhores dramas musicais feitos nos últimos trinta anos. Como depois se viu, este epitáfio de celuloide, sem dúvida auto-indulgente, aconteceu quase uma década antes do desfecho. Fosse morreu repentinamente, embora de um modo inevitável, de um ataque de coração, em 1987, no momento em que a sua nova apresentação do sucesso da Broadway dos 60, "Sweet Charity" estava a estrear."

* texto de Angela Errigo. 

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Uma Semana de Férias (Une Semaine de Vacances) 1980

Nathalie Baye é uma jovem professora que tira uma licença médica de uma semana e aproveita para fazer um balanço da sua vida e das suas  relações  com o ex-marido e o atual namorado, enquanto vê um outro homem entrar na sua vida.

Um filme sobre perguntas, dúvidas, medos, ansiedades, que os adultos podem sentir socialmente, e, em particular, através do papel de Miss Laurence Cuers (Nathalie Baye), uma jovem professora. Além deste sentimento de ansiedade social e depressiva que emerge, o filme critica a Educação Nacional Francesa, que trinta anos depois apresenta as mesmas falhas fundamentais do próprio processo educacional nacional e até o ambiente contemporâneo geral.

Bertrand Tavernier é um grande realizador do cinema francês dos últimos anos.Os seus filmes sempre tiveram um grande sentido de realidade, assim como têm criatividade e inteligência. Neste filme, o seu sexto, conseguiu a primeira nomeação para a Palma de Ouro, que viria a repetir mais 3 vezes.

Legendas em inglês.

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Justiça de Guerra ('Breaker' Morant) 1980

A acção passa-se em 1901, durante a Segunda Guerra dos Bôeres, confronto entre o Reino Unido e os bôeres (descendentes de colonizadores holandeses), na África do Sul. Três oficiais do Exército australiano são julgados pelo assassinato de alguns prisioneiros bôeres e um missionário alemão. “É um novo tipo de guerra. Uma nova guerra para um novo século. É a primeira vez que o inimigo não usa uniforme. Eles são agricultores”, diz o tenente Breaker Morant (Edward Woodward), um dos réus, um homem forte que foi em busca de vingança, e acabou executado. A sua história mostra esse novo tipo de guerra, que ficaria ainda mais claro décadas depois, em confrontos como o do Vietname.

Muito bem filmado, ainda melhor interpretado, meticulosamente dirigido, e cuidadosamente escrito, "Breaker Morant" não é apenas um dos melhores filmes australianos já feitos, mas também é um dos melhores dramas da sua época. Apresentando uma história complexa sobre coragem, cobardia, política, violência e guerra, o filme dramatiza um acidente infame da vida real, que ocorreu no início do século XX, no lugar que mais tarde se chamou de África do Sul. No meio da tempestade que seria a segunda guerra dos bôeres, travada entre as forças do império britânico e os que resistiam ao domínio britânico, três oficiais de um regimento australiano que serviam o Reino Unido, são acusados de matar combatentes desarmados, incluindo um padre alemão, como represália pelo assassinato dos homens do seu regimento. 

Co-escrito e realizado por Bruce Beresford, usando a peça de Kenneth J. Ross, "Breaker Morant", como base, este filme, elegantemente construído, segue o julgamento dos australianos, e inclui flashbacks importantes no campo de batalha, e mostra-nos a imagem de um conflito onde as regras de envolvimento eram obscuras. 

O filme foi nomeado para a Palma de Ouro, e conseguiu também uma nomeação para o Óscar de Melhor Argumento adaptado. 

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Salto no Vazio (Salto nel Vuoto) 1980

O juiz Mauro Ponticelli foi criado pela sua irmã mais velha, Marta. Ela desenvolveu problemas mentais e passou a apresentar tendências suicidas, o que preocupa Mauro. Quando ela parece recuperar, Mauro apresenta-a a Giovanni Sciabola, um talentoso actor. Enquanto a relação entre os dois evolui, Mauro vê-se cada vez mais dominado pelos ciúmes.

Em 1980 foi um dos filmes mais bem recebidos em Cannes, e hoje em dia é, desses filmes, um dos menos conhecidos. Realizado por Marco Bellocchio, que participava pela primeira vez mo festival, contava com um trio de respeito: Michel Piccoli, Anouk Aimee, e Michele Plácido (pouco antes de se iniciar a série "O Polvo").  A evolução entre os irmãos protagonistas dá-se entre o sarcasmo e a ironia, a obsessão pelo suicídio que ronda a casa, o regresso aos salões sombrios onde cresceram juntos. Tudo isto lembra os primeiros filmes de Bellochio, em especial "Pugni in Tasca", e um poesia especial que aparece nos melhores momentos do filme.

O resultado final é inesperado e fascinante. Como na maior parte do seu trabalho o realizador usa os problemas aparentemente mesquinhos dos seus personagens como um espelho do que está a acontecer na sociedade em geral. 

Nota: nas definições de vídeo deste filme, mudem para o formato de 16/9.

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As Herdeiras (Örökség) 1980

Hungria, vésperas da Segunda Guerra Mundial. Szilvia é casada com Akos, um militar de boa aparência que deve a sua carreira à esposa, mas eles não podem ter filhos. Ela precisa de um herdeiro para herdar a riqueza da família. Consegue convencer uma jovem judia bonita e inteligente a engravidar do marido e dar o filho para adopção. No entanto, quando chega a hora do casamento as coisas descarrilham, não acontece o camento, e Akos inicia uma relação com Irene, a jovem judia. A criança nasce, e Szilvia promete vingança, e terá essa oportunidade com o começo da guerra.

Co-produção entre a Hungria e a França num filme sobre os efeitos da esterilidade e os ciúmes no casamento, no contexto da Segunda Guerra Mundial, com a constante perseguição aos judeus pelos nazis. A realizadora Márta Mészáros geralmente concentra-se nos seus filmes em temas como a gravidez, a meia idade, e outros tópicos, sem questionar o quadro geral. 

Márta Mészáros, uma realizadora já com uma longa carreira atrás de si, sobretudo com curtas, era pela primeira vez selecionada para a Palma de Ouro, apesar de quatro anos antes ter ganho o Fipresci Prize com o filme "Nove Meses", outra obra sobre o tema da gravidez. 

Sendo este filme uma coprodução, contava com uma actriz francesa como protagonista, Isabelle Huppert, agora uma das actrizes francesas mais reconhecidas, mas na altura ainda em início de carreira. Ela tinha outro filme a concorrer para a Palma de Ouro, "Salve-se Quem Puder", de Jean-Luc Godard. 

Legendas em inglês. Filme bastante raro. 

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O Candidato (Der Kandidat) 1980

Em 1980, Franz Josef Strauss competiu contra Helmut Schmidt pelo gabinete do governo da República Federal de Alemanha. Ele era ultra-consevador, e considerado ilegível por muitas pessoas, embora fosse muito popular na sua Baviera Natal. Este documentário mostra-o de uma forma muito respeitosa, citando-o e mostrando discursos antigos.

Este documentário poucas vezes visto, realizado por vários realizadores do chamado "Novo Cinema Alemão", concentra-se na campanha de um político ultra conservador. Um trabalho experimental e político, remanescente de Emile de António, utiliza clipes de noticiários, arquivos, e documentos da televisão, para revisar a carreira do controverso Frans Josef Strauss quando concorria a Chanceler da Alemanha Ocidental. Strauss fundou a União Socialista Cristã e teve uma longa história política como parlamentar, ministro especial, e em 1959 como Ministro da Defesa. A sua carreira foi atingida por uma série de escândalos quando a imprensa trouxe a público variados abusos de poder. Foi forçado a renunciar ao cargo de Ministro da Defesa no inicio da década de 60, quando outro escândalo eclodiu, por causa da forma ditadurial como ele reagiu a críticas às suas políticas militares. O editor da revista infratora foi preso, e o autor foi preso noutro país pelas ordens de Strauss. Este documentário traz uma história clara sobre as acções de Strauss e de como elas foram recebidas na imprensa.

Realizado por quatro realizadores em simultâneo, Stefan Aust, Alexander Kluge, Volker Schlöndorff, e Alexander von Eschwege, foi exibido no festival de Cannes na secção Un Certain Regard. Foi proibido de ser exibido em vários cinemas.

Legendas em inglês.

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O Sargento da Força Um (The Big Red One) 1980

Em 1980, depois de 30 anos a dirigir filmes, Samuel Fuller fez aquela que esperava a ser sua obra-prima, com base nas suas próprias experiências na II Guerra Mundial, com a unidade , o "big red one". A versão de Fuller era um épico de quase quatro horas de duração. Certamente que teria sido o culminar de toda a sua obra, e de facto foi a sua obra-prima - mas só foi reconhecida alguns anos mais tarde. Não foi logo na altura porque o estúdio cortou-o para 2 horas, com narração adicionada, e uma nova banda sonora que Fuller não aprovava. Como está agora , The Big Red One é uma das muitas obras-primas do realizador, entre os seus muitos e baratos filmes de série B, como The Steel Helmet, Pickup on South Street , Shock Corridor , ou The Naked Kiss .Teria sido fantástico ver Fuller nomeado ao Óscar por este filme, mas a triste verdade é que não era um grande momento para os filmes da Segunda Guerra Mundial na bilheteria. Os filmes do Vietname, Apocalypse Now, The Deer Hunter, e Coming Home tinham tudo sido recentemente lançados, e os da Segunda Guerra Mundial pareciam já ter sido ultrapassados. Mas The Big Red One é um filme de guerra tão bom, ou melhor, do que aqueles, e ainda melhor em alguns aspectos. É provavelmente melhor do que Platoon ou Full Metal Jacket, da segunda vaga de filmes do Vietname na década de 80. The Big Red One recebeu algumas críticas respeitáveis ​​e alguns resultados na bilheteria, e desapareceu, assim como a maioria dos outros filmes de Fuller.

Lee Marvin interpreta um sargento sem nome, que tinha sobrevivido à Primeira Guerra Mundial. O filme abre com um prólogo em que Marvin mata um soldado inimigo antes de descobrir que a guerra já tinha terminado há quatro horas. Tecnicamente, ele agora é um assassino. Marvin carrega esse peso no seu grande rosto de granito ao longo de todo o filme. The Big Red One é o pelotão de Marvin, que contém quatro soldados que parecem sobreviver a todos os tipos de horror, não importa o quanto bizarro sejam, e uma série interminável de jovens recrutas que morrem antes que possamos saber os seus nomes. Mark Hamill (no mesmo ano em que fez O Império Contra-Ataca) é Griff, um cartoonista e um covarde que quase sempre parece que vai fugir, mas não o faz.The Big Red One é composta por muitas pequenas histórias desligadas, excepto pelos personagens e o cenário. A equipa sobrevive a uma emboscada alemão, liberta um grupo de idosos e mulheres italianas da escravidão pelos alemães, invade um manicómio (um retrocesso para Shock Corridor), e entrega um bébé dentro de um tanque alemão. Estas são histórias lúcidas e frescas. A memória de Fuller não desapareceu de todo ao longo de 40 anos, não há nenhum sentimentalismo, nenhuma mensagem, nenhuma justificação. É apenas um relato em primeira mão, sobre os horrores e as maravilhas da guerra. O filme termina com uma situação semelhante à do início, e sabemos que os países vão voltar à guerra, e quase nada irá mudar. Nada, excepto as pessoas que serviram na guerra. Pode acontecer como nas linhas finais do primeiro filme de guerra de Fuller, The Steel Helmet, em que o realizador proclama, No End to This Story. The Big Red One é atravessado por uma onda emocional honesta, porque consegue ser cinema em estado puro. Ele também pode ser sentido como um filme maldito, porque é o registro de alguém que sobreviveu. 

Fuller falou sobre restaurar a sua versão original, mas morreu em 1997 sem o conseguir fazer. O crítico de cinema Richard Schickel supervisionou a reconstrução que leva o filme até 158 minutos, e revela uma riqueza que faltava na versão anterior, suspeita-se que a versão de 270 minutos foi um corte brusco mesmo. O restaurado "The Big Red One" é mais capaz de sugerir a extensão e a duração da guerra, as distâncias percorridas, e torna-o num dos melhores filmes de guerra de todos os tempos. A versão aqui apresentada neste post, é a restaurada.

"The Big Red One" concorreu para a Palma de Ouro.

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Kagemusha - A Sombra do Guerreiro (Kagemusha) 1980

Quando um poderoso senhor da guerra no Japão medieval morre, um pobre ladrão contratado para personificá-lo encontra dificuldades para cumprir o seu papel e entra em conflito com o espírito do senhor da guerra durante tempos turbulentos no reino.

Em 1980, Akira Kurosawa entrava na sua quinta década como realizador de cinema, e era mais conhecido fora do seu país natal, o Japão, pelos seus filmes de samurais, incluindo "Os Sete Samurais" (1954), "The Hidden Fortress" (1958), "Yojimbo" (1961), e "Sanjuro" (1962). Chegamos a "Kagemusha", um passe ousado para o grande mestre japonês. Era um filme que o mestre japonês tentava fazer há mais de meia década, e só foi possível quando George Lucas e Francis Ford Coppola convenceram a 20th Century Fox a desembolsar um milhão e meio de dólares para os direitos de distribuição internacional. Nunca tinha feito um filme como este em scope, mas acabaria por fazer uma obra prima de enorme grandeza histórica, e de questões pessoais intimas sobre identidade e poder. 

"Kagemusha" é um dos filmes mais intensamente visuais de Akira Kurosawa, que alguns argumentam ser o resultado de um longo período de gestação. Durante cinco anos Kurosawa pintou centenas de imagens que serviriam de storyboard para o filme. Assim, ele tinha-o completamente mapeado na cabeça antes de pegar na câmara. As imagens pintadas ao longo do filme são impressionantes, pois Kurosawa habilmente mistura realismo com técnicas artistas e toques de surrealismo. 

Kurosawa encontra aqui a sua voz cinematográfica mais autoritária no momento em que a sua carreira era mais ameaçada. A década de 70 foi bastante difícil para ele, e chegou-se a pensar que não seria capaz de fazer outro filme. Felizmente "Kagemusha" trazia de volta o realizador, concorrendo para a Palma de Ouro em Cannes, e reacendendo a sua carreira definitivamente. 

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Loulou (Loulou) 1980

Nelly (Isabelle Huppert), jovem casada de classe média, é expulsa de casa pelo marido depois de se envolver com Loulou (Gérard Depardieu), um vagabundo recém-saído da cadeia. Os dois passam a viver juntos, com Nelly sustentando a casa e Loulou arriscando pequenos golpes. O amor é intenso, assim como as brigas, mas depressa a mulher descobre que está grávida e Loulou não aceita mudar de estilo de vida.

Maurice Pialat dirige com poder e autoridade um argumento escrito a meias com Arlette Langmann. Pialat quer que a história tenha um significado mais amplo em termos de crítica das atitudes francesas e consegue obter um ataque bem direcionado a uma sociadade obcecada pelo conforto da prosperidade, à custa das virtudes sociais.

Ao enfatizar os seus personagens e os elementos que os unem, e não as formas normais de desenvolvimento da história, Pialat consegue construir um filme agradável. Huppert estava ainda em inicio de carreira, e já conseguia aqui a sua quarta nomeação para os Césares (Óscares franceses). Era a segunda vez que Pialat concorria para a Palma de Ouro.

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Bem-Vindo Mr. Chance (Being There) 1979

Chance (Peter Sellers) é um humilde jardineiro que passou quase toda a sua vida em Washington D.C. a trabalhar para um idoso. A sua experiência de vida é curta. O pouco que conhece do mundo fora dos portões dos jardins resume-se às longas noites passadas em frente à televisão. Depois da morte do patrão, o inexperiente e leal jardineiro é posto na rua, à mercê do acaso. É esse acaso que vai fazer com que Chance acabe por conhecer Ben (Melvyn Douglas), um influente e doentio empresário, e a mulher deste, Eve (Shirley MacLaine). A partir deste momento, as palavras do simples jardineiro passam a ser tidas como sábias. E Chance, agora chamado Chauncey Gardner, torna-se amigo e confidente de Ben.

Jerzy Kosinski adaptou o seu próprio romance para o cinema, como se Peter Sellers tivesse nascido para ele. É talvez o papel mais emocionante e comovente do grande actor cómico, tendo sido nomeado para o Óscar, mas perdeu (para Dustin Hoffman em "Kramer vs. Kramer"), e acabaria por morrer no ano seguinte, vítima de um ataque de coração, com apenas 54 anos, completando apenas mais um filme. 

Também era um dos momentos mais altos, e o último grande filme de um dos realizadores mais emblemáticos dos anos 70: Hal Ashby. Realizador de obras tão importantes como "Harold and Maud", "The Last Detail", "Bound for Glory", ou "Coming Home". A partir daqui, a sua carreira, seria sempre a descer, mas ainda deixou um legado de filmes muito importantes para uma época, acabando por falecer também muito precocemente, aos 59 anos. 

É talvez a sátira cinematográfica mais potente da era da televisão e da política pós-moderna, "Being There" pronunciava uma geração de filmes que criticava a superficialidade da cultura de massas, e ninguém o fez com tanta economia como esta fábula profundamente simples. 

Foi selecionado para a Palma de Ouro em Cannes, no ano de 1980.

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Angústia de Viver (Out of the Blue) 1980

O drama de uma família a caír aos pedaços: o pai, Don (Dennis Hopper), é ex-presidiário e a mãe, Kathy (Sharon Farrell), viciada em heroína. A filha, C.B. (Linda Manz) é uma jovem rebelde, amante de Elvis e de punk rock. Vestida de casaco de jeans e disparando slogans contra hippies e a discoteca, C.B. é a revolta personificada contra tudo e contra todos.

A precisar de dinheiro rápido por causa de uma cura contra a intoxficação, Dennis Hopper assinou contrato com um filme canadiano chamado "The Case of Cindy Barnes". Mas quando o realizador do projecto abandonou o cargo, Hopper assumiu o papel de realizador e reescreveu o argumento inteiro, teve uma visão niilista e urgente da juventude rebelde.

Hopper tirou o título de uma música de Neil Young, "Hey Hey, My My", e usa essa música na banda sonora, oferecendo um retrato sombrio e imparcial da vida adolescente no início dos anos 80.  Linda Manz é a estrela do filme, 19 anos, e já com papéis de destaque como secundária em filmes como "Days of Heaven" ou "The Wanderers", viu aqui uma grande oportunidade de destacar-se, como uma versão feminina de James Dean. Infelizmente não teria muitas mais oportunidades e acabaria por abandonar o mundo do cinema muito cedo. Hopper também teve aqui uma oportunidade para realizar, que já não tinha há quase 10 anos.

"Out of the Blue" seria selecionado para a Palma de Ouro.

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Constante (Constans) 1980

Witold (Tadeusz Bradecki) tem tratado da mãe doente, e tem um desejo profundo enraizado de escalar os Himalaias, onde o seu pai morreu numa escalada. Mas os seus sonhos começam a desmoronar quando a mãe sucumbe à doença e os problemas crescem no trabalho. A situação torna-se o suficiente ruim para embaralhar a vida de Witold, sem indicação de uma melhoria futura.

Apesar de não estar ao nível de "Illuminacja" ou "Barwy Ochronne" ainda é um dos filmes mais reconhecidos e premiados de Krzysztof Zanussi. Terminado pouco antes de Agosto de 1980, o mês das greves no estaleiro de Gdansk, seguido do Acordo de Gdansk, é frequentemente classificado como um exemplo do Cinema de Ansiedade Moral, e pretendia ser um exame crítico da era final do governo de Gierek, do Partido Comunista Polaco. Zanussi aborda os temas regulares dessa corrente (como corrupção, ambivalência e conformismo) mas também os complementa com os seus próprios motivos filosóficos, e , ao mesmo tempo, comenta o encontro entre a cultura polaca e as culturas estrangeiras.

Uma parte do filme precisava de ser filmado no exterior, no Nepal e na India. Isso levou a alguns problemas durante o processo de produção, pois os censores indianos monitoraram cuidadosamente se o filme não sobrepunha a imagem de pobreza do país. As autoridades na Polónia, por sua vez, tinham reservas consideráveis em relação ao tom do filme, com o Ministro da Cinematografia tentava forçar o realizador a introduzir mudanças significativas, ameaçando-o de, caso contrário, o filme não fosse enviado para Cannes. No entanto, a história teve um final feliz. O filme acabou por não ser censurado, e Zanussi teve um dos maiores prémios da sua carreira.

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Gaijin - Os Caminhos da Liberdade (Gaijin - Os Caminhos da Liberdade) 1980

Japão, 1908. Em virtude de haver muita miséria no país e poucas perspectivas de trabalho, muitos japoneses emigravam em busca de oportunidades. Como a companhia de emigração só aceitava grupos familiares que tivesse pelo menos um casal, assim Yamada (Jiro Kawarazaki) e Kobayashi (Keniti Kaneko), que eram irmãos, vêem como solução que Yamada se casasse com Titoe (Kyoko Tsukamoto), que tinha apenas 16 anos. Yamada e Titoe tinham acabado de se conhecer e, juntamente com um primo, partem para o Brasil. Após 52 dias de viagem chegam ao Brasil e vão trabalhar na Fazenda Santa Rosa, em São Paulo, pois a expansão cafeeira era intensa. No entanto, eles deparam-se com um capataz que trata os colonos hostilmente, exigindo sempre que trabalhem até à exaustão. Além disso são roubados pelos donos da fazenda, apenas sendo tratados com respeito por outros colonos e por Tonho (Antônio Fagundes), o contador da fazenda.

"Gaijin, Caminhos da Liberdade o primeiro longa-metragem de Tizuka Yamazaki (1949), é uma realização do Centro de Produção e Comunicação (CPC) e tem financiamento da Empresa Brasileira de Filmes (Embrafilme). É considerado o primeiro filme brasileiro de ficção a ter como tema a imigração japonesa no Brasil, pois E a Paz Volta a Reinar, longa-metragem ficcional dirigido por Yoshisuke Sato, em 1955, cujo foco é a tensão vivida pelos imigrantes no período do pós-guerra, nunca chega a ser exibido comercialmente, por ter sido rejeitado pela própria colônia oriental antes do lançamento." Podem ler mais sobre o filme, aqui.

"Gaijin" foi exibido na secção Quinzaine des Réalizateurs. 

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Salve-se Quem Puder (Sauve qui Peut (la Vie)) 1980

As histórias de três personagens cruzam-se: um produtor de televisão (Paul), a sua colaboradora e ex-namorada (Denise), e uma prostituta de quem Paul foi cliente (Isabelle). Denise decide terminar a sua relação com Paul e mudar-se para o campo; Isabelle decide abandonar o seu chulo e Paul quer apenas sobreviver. Um dia, Paul leva Denise para a sua casa de campo, que pretende arrendar, e Isabelle surge para ver a casa sem saber que o senhorio havia sido seu cliente.O filme está dividido em quatro partes: uma para cada personagem e uma última em que as três se cruzam.

Depois de "Tout Va Bien", de 1972, Jean-Luc Godard praticamente abandonou o cinema narrativo, concentrando-se em Grenoble com Anne-Marie Mieville, tabalhando apenas em vídeo, e trabalhando em filmes esparsos que desconstruíam a forma cinematográfica. Apresentado como o seu "segundo primeiro filme", "Sauve qui peut (la vie)" embora não seja exactamente um regresso ao Godard dos anos sessenta, era uma nova encarnação muito bem vinda, de um realizador que, mais uma vez, brincava com a forma narrativa por dentro. 

Momentos e imagens são ecoados através de diferentes personagens e locais. A literatura e a narrativa passam de personagem para personagem, e a coincidência e o acaso desempenham um papel envolvente e crível na estrutura narrativa. 

Era a primeira vez que um filme de Godard estava nomeado para a Palma de Ouro em Cannes, presença que passaria a ser habitual a partir daqui. Uma palavra também para o elenco, com Isabelle Hupert, Jacques Dutronc, e Nathalie Baye, todos a trabalhar pela primeira vez com o realizador.

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Poseban Tretman (Poseban Tretman) 1980

Carregada com algum comentário social e político, esta comédia ocasionalmente hilariante e consistentemente engraçada, olha para um alcoólatra, Dr. Ilich (Ljuba Tadic), que trata o alcoolismo nos outros com uma mão de ferro e uma abordagem terapêutica invulgar. Entre a música de Wagner e uma dieta em que as maçãs aparecem em destaque, o médico está convencido de que os seus pacientes serão curados. O que realmente os aflige, é o que lhes causou o problema do álcool, então quando o médico leva os seus seis pacientes a uma cervejaria próxima para demonstrar o sucesso do seu tratamento, o resultado é o caos.

Goran Paskaljevic, natural da antiga Jugoslávia, do território que é hoje a Sérvia, conta-nos uma história de um grupo de alcoólatras em recuperação e o seu respectivo médico. O grupo, ao longo do filme, é retratado como submisso, embora não no sentido de precisarem de um tratamento radical que lhes altere a vida, como é o tratamento do Dr Ilich. São forçados pelo estado a se comprometerem totalmente com o tratamento, o que significa que não são voluntários, e não terão vida fora do tratamento até estarem totalmente "curados".

O filme é menos sobre questões de doença e tratamento do que é sobre questões sobre poder e autoridade. O doutor está a dominar questões quase absurdas sobre este grupo de pacientes, mas esta obra também fala sobre outras verdades nas entrelinhas. Alguns dos actores envolvidos eram alcoólicos de verdade, e de certa forma este era o papel das suas vidas. Peter Kralj, um dos protagonistas, chegou mesmo a dizer: "Quando eu estava sóbrio o nervosismo fez-me gaguejar em cena, e enquanto eu estava bêbado a gagueira desapareceu, mas, infelizmente, a minha memória também, o que me fez esquecer algumas frases." 

Nomeado para a Palma de Ouro. Legendas em inglês.

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O Terraço (La Terraza) 1980

Cinco amigos de longa data reúnem-se para jantar num terraço do apartamento de um deles, situado em pleno centro de Roma. As conversas e a s confidências sucedem-se. É visível que o entusiasmo de outrora deu lugar a uma profunda desilusão devido a sucessivos fracassos, tanto a nível profissional como sentimental. O argumentista vive uma crise artística; o produtor de cinema é desprezado pela mulher; o jornalista de esquerda, recém-abandonado pela esposa, perde o emprego; o deputado do PCI envolve-se com uma jovem casada; e o diretor de uma rede de televisão renuncia à vida.

Uma boa oportunidade para ver novamente o grande sentido de crítica e amor de Ettore Scola pela sociedade contemporânea italiana, misturando de forma tragicómica a política, a crise de meia-idade, o casamento fracassado, o amor, a infidelidade, o suicídio, a amizade, e o papel dos intelectuais. 

Um destaque muito especial para o grandioso elenco, com nomes como Vittorio Gassman, Ugo Tognazzi, Jean-Louis Trintignant, Marcello Mastroianni, Serge Reggiani nos principais papéis, e ainda, a bela Stefania Sandrelli, e a quase estreante Marie Trintignant, filha de Jean-Louis, em papéis secundários. 

Não é dos melhores filmes de Scola, mas tem os seus créditos, que valeram a Scola a sua quarta nomeação para a Palma de Ouro.

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Bye Bye Brasil (Bye Bye Brasil) 1980

Uma caravana de cinco artistas viajam pelo interior do Brasil exibindo espetáculos numa tenda improvisada. O filme funciona no estilo de vinhetas ao analisar os muitos cenários e dificuldades que  o grupo encontra, além de fazer uma declaração muito forte sobre a pobreza e as dificuldades que as pessoas do interior enfrentam. A história é dirigida pelos personagens que são, em geral, amorais.  Reflectem o desespero das audiências que esperam silenciosamente o dia para se elevarem, mas nunca o fazem.

""Bye, Bye, Brasil" é sobre um país que está a acabar e a abrir caminho para outro que está a começar. Não sei exactamente o que está a começar nem o que está a acabar. Estou apenas a gravar esse momento único, essa linha divisória num grupo de pessoas, que, como qualquer um de nós, buscam o seu lugar, na nova ordem e na vida.". Carlos Diegues, um dos fundadores do Movimento do Cinema Novo, usou estas palavras para descrever o seu oitavo filme, no qual ele permaneceu fiel a um dos seus temas preferidos: a busca pela liberdade e o desejo pela maior felicidade. Tema este que já tinha sido explorado na sua bela trilogia sobre figuras históricas negras: "Ganga Zumba, Rei dos Palmares" (a sua primeira longa metragem, feita em 1963); Xica da Silva (1975), e, posteriormente, em "Quilombo" (1983). 

Com um elenco onde se destacavam alguns nomes do cinema e da televisão brasileira, como José Wilker, Betty Faria e Fábio Júnior, valeu a Carlos Diegues a sua primeira seleção para Cannes, tendo concorrido para ganhar a Palma de Ouro.

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O Bando de Jesse James (The Long Riders) 1980

As Origens, façanhas e o destino final do bando de Jesse James, são contados num retrato simpático dos assaltantes de bancos compostos por irmãos, que iniciam os seus lendários ataques por vingança. 

"The Long Riders" era mais uma entrada (entre muitas) nos westerns sobre o bando dos irmãos James-Younger, os famosos assaltantes de bancos, mas também um dos esforços mais interessantes para cobrir o território. O realizador Walter Hill tem um dos seus melhores trabalhos por detrás das câmeras, o seu primeiro filme directamente no território do Western, com um certo pendor Peckinpah-esque (talvez um pouco demais, até) capturando a brutalidade e a violência sangrenta do pistoleiro ocidental. Hill tem fama de ser o verdadeiro sucessor de Peckinpah, a até chegaram a trabalhar juntos, e, definitivamente, este foi dos filmes que mais ajudou a criar o mito. 

Grande parte do filme conta a história da queda do bando dos irmãos James-Younger, como a agência de detetives Pinkerton conseguiria apanhá-los nas suas casas das famílias do Missouri, enquanto os cofres tornavam-se cada vez mais difíceis de arrombar. Para dar maior realismo, o elenco de irmãos na tela é interpretado por irmãos na vida real - os três Carradines (David, Keith e Robert) como os Youngers, os dois Quaids (Dennis e Randy) como o Millers, e dois Keaches (Stacy e James) como os irmãos James. Mesmo o elenco de apoio tem irmãos na forma de Christopher Guest e Nicholas Guest como os irmãos Ford. Curiosamente, os irmãos não são pintados nem como bons, nem como maus, eles têm respeito uns pelos outros, mas irão cometer alguns atos hediondos, incluindo assassinatos, que só pode ser visto como repreensível. 

O filme foi selecionado para a competição da Palma de Ouro. Foi o único filme de Walter Hill a ser selecionado para a Palma de Ouro, até hoje.

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O Plano dos Seus 19 Anos (Jukyusai no Chizu) 1979

Um jovem faz um mapa de um bairro onde entrega jornais. Mantém um dossier de cada família onde regista os seus hábitos, e avalia o quanto não gosta deles. Uma família, por exemplo, tem um X porque o seu cão ladre muito. Um homem recebe um X porque se recusa a pagar as suas contas. O mais assustador é que este jovem declara ser da extrema-direita, e em breve começa a perseguir estas famílias com ameaças de bombas.

Produzido de forma totalmente independente, este filme de Mitsuo Yanagimachi (realizador do documentário Godspeed You! Black Emperor")  não seria apenas a sua primeira longa metragem de ficção, como seria também a sua primeira colaboração com o  escritor Kenji Nakagami, autor da "short story" na qual este filme é baseado, e com quem ele trabalharia anos mais tarde naquela que é considerada a sua obra-prima, "Himatsuri" (1985). 

Seguimos um jovem problemático que podia ser um qualquer candidato a terrorista nos dias de hoje, mas Yanagimachi em vez de nos apresentar explicações simples para este comportamento anti-social, apenas descreve as acções e permite e decida porque razão estas coisas estão a acontecer. Questões de responsabilidade pessoal versus influências sociais, são completamente deixadas ao espectador para ele resolver. 

Honras de passagem por Cannes, seria exibido na Semana Internacional da Crítica, e alguns meses depois passaria pelo Festival da Figueira da Foz.

Legendas em Inglês.

Link
Imdb

Reviver Cannes 1980

Estamos na hora de festival. Uma ideia que já recriamos aqui em 2 ou 3 ciclos, foi de pegar numa edição de um determinado festival de cinema, e reproduzi-la, em grande parte, num único ciclo.

Desta vez o festival escolhido foi o de Cannes, e vamos viajar até ao ano de 1980. As próximas semanas irão contar um uma série de filmes que passaram no Festival de Cannes deste ano. As grandes surpresas, os grandes vencedores, ou os grandes derrotados.

Não querendo avaliar se este ano foi melhor ou pior do que os outros, posso garantir que vamos aqui ter filmes de realizadores como Akira Kurosawa, Samuel Fuller, Hal Ashby,  Jean-Luc Godard, entre muitos outros.

Não vale fazerem batota, não consultem, para já, a internet para saber quem ganhou. Vamos seguir este ciclo, e depois, no fim, veremos se concordamos com o júri ou não.

 Passo a apresentar os membros do respeitável júri:

Kirk Douglas (USA) Jury President

Ken Adam (UK)

Robert Benayoun (France)

Veljko Bulajić (Yugoslavia)

Leslie Caron (France)

Charles Champlin (USA)

André Delvaux (Belgium)

Gian Luigi Rondi (Italy)

Michael Spencer (Canada)

Albina du Boisrouvray (France)

Ficamos com um dos vencedores do ano anterior, e até amanhã.