Yaaba - Avòzinha (Yaaba) 1989

O cineasta africano Idrissa Ouedraogo filma uma obra lúcida e simples, mas cativante sobre a vida da aldeia, nas planícies áridas do Burkina Faso (uma aldeia de casas de barro muito similar onde o realizador foi criado), e oferece-nos o filme numa linguagem de conto intemporal. A história é-nos contada na línguagem Mooré do Burkina Faso (antigo Alto Volta). O toque de conto de fadas tem um visual exuberante e polido, e as interpretações naturalistas fazem-no parecer convincente e realista. Yaaba foi o vencedor do o Prize Internacional Critics no Festival de Cannes de 1989.
A personagem do título Sana (Fatimata Sanga) é uma mulher idosa que foi condenada ao ostracismo pelos supersticiosos moradores da aldeia e forçada a viver uma vida solitária na periferia da aldeia. Como ela é pensada ser uma bruxa, porque a mãe morreu no parto e o pai morreu logo depois, os moradores da aldeia ignorantemente culparam o bébé pela morte dos seus pais. Na verdade Sana é uma mulher gentil que possui grande sabedoria, compaixão e compreensão. Enquanto os moradores são compostos por várias pessoas normais a viverem vidas tradicionais, com muitos hábitos supersticiosos, adúlteros, perseguidores e pequenos ladrões.
Bila (Noufou Ouedraogo) é um adolescente brincalhão que adora brincar com a sua bela prima Nopoko (Barry Roukietou). As crianças conhecem Sana enquanto brincavam pelo cemitério, e Bila faz amizade com ela - começando até a chamá-la de "Yaaba" (avó) para sua grande alegria. Quando os moradores da aldeia acusam a velha erradamente de causar um incêndio e de a culpar pelos seus infortúnios, Bila sabe que Sana é inocente porque estava com ela na altura do incêndio. 
As crianças inocentes ensinam-nos que os seus modelos adultos são ignorantes e incompreensivos, não percebendo que a velha lhes oferece uma nova maneira de olhar o mundo, através de uma forma aberta e mais generosa de existir. A forma como esta sociedade primitiva revela a sua ignorância e intolerância não é muito diferente dos preconceitos do mundo civilizado contra aquelas pessoas que não querem entender. Embora mais para crianças na sua mensagem simplista e séria, a mensagem é universal. 

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O Sétimo Continente (Der Siebente Kontinent) 1989

O Sétimo Continente (1989), primeira longa-metragem de Haneke, é uma representação formidável, confiante e arrepiante da anomia da classe média. O desejo do realizador de alienar o público do tema não poderia ser mais simples: passam quase 10 minutos até começarmos a ter o primeiro vislumbre de identificação de qualquer um dos rostos dos personagens. Em vez disso, Haneke esculpe a sua rotina diária: mãos a trabalharem numa máquina de café ou cereais a serem derramandos numa tigela. O efeito é ao mesmo tempo mundano e insuportavelmente intenso, um ritmo contínuo que se torna vertiginosamente desconfortável.
Inspirado em factos que o cineasta leu num jornal, O Sétimo Continente apresenta uma série de actividades quotidianas e incidentes da vida de uma família burguesa austríaca, aparentemente bem sucedida e normal - o engenheiro Georg (Dieter Berner), a oftalmologista Anna (Birgit Doll) a filha Eva (Leni Tanzer) - que decidem ir para a Austrália, até então representada através de imagens turísticas utópicas.
Dividido em três anos/capítulos e narrada num modo fragmentário, a forma elíptica de Haneke o filme também é notável pela sua recusa absoluta de técnicas de identificação convencionais do público, negando-nos a face, em vez de composições que decapitam os protagonistas e close-ups de mãos, pés e (outros) objectos.
 O resultado é um mundo inquietantemente familiar e estranho e, talvez, uma denúncia demolidora da sociedade contemporânea. O ponto de interrogação é se, talvez, os métodos de Haneke aqui podem realmente provar o quanto alienante e, assim, espelhar, ironicamente, a própria cultura da não-comunicação e morte emocional que ele procura criticar.

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Os Fantasmas Divertem-se (Beetlejuice) 1988

O segundo filme de Tim Burton é ainda mais impressionante visualmente do que a estreia em 1985,  Pee-wee's Big Adventure, mesmo que a aparência geral aqui seja mais vulgar e avassaladora, que confia mais nos efeitos especiais e maquilhagem do que na criação de um "universo ". Mas também é um dos seus filmes mais engraçados, com Michael Keaton a ter uma performance brilhante. Ele interpreta o personagem-título, um "bio-exorcista", que aparentemente ajuda a eliminar "criaturas vivas traquinas", e mesmo só aparecendo durante poucos minutos na tela, domina o filme.  
Um simpático casal, normal, Adam (Alec Baldwin) e Barbara Maitland (Geena Davis) desfrutam da sua enorme casa de campo quando morrem num acidente de carro e voltam como fantasmas. Um casal horrível, da grande cidade, Charles (Jeffrey Jones) e Delia Deetz (Catherine O'Hara), mudam-se para lá com a deprimida filha alolescente, Lydia (Winona Ryder) e procedem a uma violenta redecoração (com a ajuda do pretensioso Otho, interpretado por Glenn Shadix). Incapazes de assustar os novos inquilinos, Adam e Barbara desesperados chamam Beetlejuice, e arrependem-se imediatamente da sua decisão. Ele é uma criatura hiperativa, desagradável, vomitando piadas mais rápidas do que o filme pode aguentar, e é brilhantemente hilariante. (Mesmo depois de vermos o filme uma dúzia de vezes, continua a fazer-nos rir). Burton depende fortemente dos cenários bizarros e decorativos, chocando a normal casa de campo com um modelo grotesco (e horrível, com esculturas demoníacas de Delia). O filme começa com um daqueles travellings de helicóptero, da pequena cidade e dos seus campos verdes e pequenos prédios, mas a certa altura, seguimos para uma imagem em miniatura do modelo do sótão de Adam, da mesma cidade. É uma forma de introduzir a irrealidade da situação de Burton, e de anunciar que nenhuma regra deve ser seguida. Curiosamente, Keaton entrou num filme sério sobre o abuso de drogas, "Clean and Sober", e recebeu um prémio bem merecido da National Society of Film Critics, pelos dois filmes.

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Cobra Verde (Cobra Verde) 1987

 Cobra Verde de Werner Herzog abre com imagens de um quente e árido deserto, e então, somos imediatamente empurrados para um close-up do rosto de Klaus Kinski, que é doloroso, contorcido, e inegavelmente insano. A implicação é clara: Kinski é o deserto mais árido de todos, e se Fitzcarraldo é um filme sobre as próprias obsessões loucas de Herzog, então este será um filme totalmente, completamente enfurecido sobre a alma de Kinski.
 Nenhum realizador trabalhou tanto com Kinski como Herzog, na verdade, nenhum realizador teve a coragem ou a paciência. Kinski era inegavelmente um louco, muito dado a acessos de raiva violenta e birras que testaram a tolerância até mesmo dos realizadores mais prolíficos, como David Lean ou Sergio Leone. Era tão delirante como era egoísta, durante as filmagens de Aguirre, em que ele acreditava ser tanto Jesus Cristo como Paganini, passava o tempo todo a fazer birras quando Herzog ousava apontar a câmera para qualquer outra coisa, sem ser o rosto do actor . Kinski e Herzog reconhecidamente odiavam-se um ao outro nos sets dos seus filmes, mas algo os chamava continuamente de volta, de filme para filme. Para Herzog se colocar com o calvário de Kinski era uma pergunta que provavelmente nunca será totalmente respondida (o próprio Herzog admite que não tem respostas no seu documentário sobre Kinski, My Best Fiend), mas Cobra Verde talvez forneça mais pistas do que qualquer outro filme que fizeram juntos. Isso acontece porque mais do que em qualquer outra das suas colaborações, Herzog e Kinski permitiam criar uma personagem que era a encarnação viva da sua raiva pessoal.
Cobra Verde é um filme difícil de analisar, porque é ao mesmo tempo um dos maiores fracassos de Herzog e um dos seus melhores filmes. A sua grandeza é determinada pelo ponto de vista em que o vemos. Herzog está claramente a tentar fazer algum tipo de declaração filosófica sobre os males da escravidão, mas a história é tão confusa que esse tema acaba por ficar perdido. Herzog também dá uma facada na política da escravidão, a partir dos pontos de vista de ambos, comprador e vendedor. Destaque, portanto, para um elenco cheio de personagens, mas todos eles se movem com pouca profundidade ou diversidade, e acabamos por perder a noção do que a personagem estava aliada com quem, ou porquê.   
No entanto, o cerne do filme é Klaus Kinski como o lendário bandido, Cobra Verde. Nos melhores filmes de Herzog factos e ficção sempre foram intercambiáveis, tais como escolher um verdadeiro esquizofrénico para o papel de Bruno S. como uma pessoa mentalmente perturbada em O Enigma de Kaspar Hauser, ou a utilização de habitantes peruanos, literalmente, a puxar um navio a vapor sobre uma montanha em "Fitzcarraldo". Aqui, é difícil dizer onde termina Cobra Verde e começa Klaus Kinski, e talvez nem seja importante se tal distinção é relevante. Descrevendo este personagem, poderiamos muito bem estar descrever Kinksi: um louco inquieto propenso a uma raiva assassina, que, literalmente, viaja para todos os quatro cantos do mundo em busca de algo para acalmar o espírito. Ele odeia a sua ocupação, mas é brilhante no que faz. Anda com um suporte arrogante como as pessoas fogem dele, a sua presença solicita o medo. O cabelo é selvagem, longo e despenteado, como o de um leão ferido. Não usa sapatos porque "não confia neles." Anda sozinho, porque não gosta de cavalos ou pessoas.

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Henry: A Sombra de Um Assassino (Henry: Portrait of a Serial Killer) 1986

Henry Lee Lucas foi um homem que confessou ter cometido um monte de homicidios, e, de seguida, voltou com a palavra atrás alegando que era inocente de todas as acusações. Foi condenado, no entanto, e este filme é vagamente baseado na sua história. O filme não o glorifica, nem nos deixa com pena dele como uma alma incompreendida. Simplesmente mostra-se um homem que deixou de ter qualquer sentimentos, e que mata as pessoas, como resultado desse distanciamento. "Henry: Portrait of a Serial Killer" é um filme difícil e inabalável que consegue assustar o público sem recorrer a choques baratos e criativas cenas de morte. Tudo o que acontece no filme tem uma deliberação fria. O público sabe o que vai acontecer, e o medo é acompanhado por uma sensação de frio e pavor. 
A história por trás deste filme é bem curiosa. O produtor deu a John McNaughton dinheiro para fazer um filme de terror. Ele esperava uma versão barata de "Friday the 13th", que pudesse render alguns dólares com o público adolescente. McNaughton deu-lhe uma coisa diferente. E isto chocou toda a gente, e acima de tudo, o produtor. O filme foi banido durante muito tempo, e quando finalmente saiu, as pessoas ou o amavam pelo realismo, ou o odiavam pela sua exploração das fronteiras da vida real. O espectador tem uma boa idéia do que vai acontecer a partir da primeira sequência. Mas é incrível como um filme pode assustar, simplesmente mostrando o mal como uma pessoa, como um homem comum, que caminha pelas ruas todos os dias despercebido. E isso aterrorizar-nos, pois um assassino pode estar ao virar da esquina.
"Henry" foi concluído em 1986, mas apenas seria libertado em 1989, depois de uma batalha épica com a MPAA sobre a classificação de filmes. Originalmente foi-lhe dado e classificação de X, que era principalmente reservada para a pornografia. "Henry", foi um dos filmes que levaram à criação da classificação NC-17 que significava que o filme continha temas de adultos intensas, mas não é pornografia. .

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Sangue por Sangue (Blood Simple) 1984

Blood Simple, o filme de estreia dos irmãos Joel e Ethan Coen, não envelheceu um pouco depois das quase três décadas desde que foi lançado pela primeira vez. Tenso, cheio de suspense, bem escrito e soberbamente dirigido com um senso astuto de humor negro, é um filme noir deliciosamente perverso dada uma tendência moderna,  e passado  nas planícies abertas da região central do Texas. Onde o mal, a culpa e o desejo descarado inflamaram nas claustrofóbicas paisagens dos films noir dos anos 40, aqui passados em bares à beira da estrada, e em longos caminhos de estradas vazias. Os principais ingredientes de um thriller de homicídio noir-ish estão todos aqui, ou seja, emoções intensas e a vontade de matar por causa dessas emoções, e o enredo é devidamente construído para manter os personagens na tela sem saber o que realmente está a acontecer, até ao final escaldante do filme.
A história diz respeito ao esprezível titular de um bar, Julian Marty (Dan Hedaya), cuja jovem esposa, Abby (Frances McDormand), começou um caso com um de seus empregados, Ray (John Getz). Marty contrata, um investigador privado igualmente desprezível, Loren Visser (M. Emmet Walsh), para segui-los e entregar a prova de que eles são amantes. Mas, Marty não fica por aí. Ele é tão ciumento e amargurado que depois da esposa o traír, pede que Visser a mate, assim como a Ray. Visser pondera sobre isto por alguns instantes, e de seguida, diz a Marty para partir numa viagem de pesca por alguns dias, e ele o chamará quando a acção for feita.
Isto é apenas a montagem, porque o filme, então, segue estes quatro personagens que vão ficando atolados em mal-entendidos, suposições incorretas, duplas traições, e meias verdades. É o tipo de filme onde as vítimas de homicídio nem sempre estão tão mortas como parecem, e com a pessoa errada passa uma noite inteira arriscando a vida para encobrir um crime que nem sequer cometeu. O filme funciona tão bem porque os irmãos Coen montam tudo com muito cuidado nos momentos iniciais. Uma conversa entre Ray e Marty parece ser apenas um momento de superioridade masculina, com o marido abandonado a ficar cara a cara com o amante da esposa, mas o diálogo é fundamental no estabelecimento, não só da razão de Ray para encobrir o que ele acha que é um crime cometido por Abby, mas também pela sua não total confiança nela.  
Embora "Blood Simple" seja o seu primeiro filme, fica prontamente evidente desde o início que os irmãos Coen são cineastas magistrais com uma visão única e uma vontade de experimentar. "Blood Simple" é muito mais uma homenagem ao filme noir a preto-e-branco dos anos 1940 e 50, assim como os romances de detetives de Dashiell Hammett e Raymond Chandler, com um pouco do sadismo astuto de Alfred Hitchcock balanceando com uma boa medida. No entanto, quando eles mexem tudo isto, torna-se exclusivamente a sua própria marca, com um selo autoral que é inegável.
"Blood Simple" foi feito com um orçamento extremamente apertado de US $ 1,5 milhões, que os irmãos Coen conseguiram. Apesar destes meios limitados, possui o seu próprio visual, talvez devido ao olho agudo do director de fotografia Barry Sonnenfeld, que iria repetir em Raising Arizona (1987) e Miller Crossing (1990), antes de se tornar um realizador de renome com filmes como a Família Addams (1991) e Men in Black (1997).

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América, Relações de Classes (Klassenverhältnisse) 1984

Uma adaptação do romance de Franz Kafka, Amerika - inacabado, como todos os seus romances - Klassenverhältnisse, de Straub e Huillet é, talvez, a única adaptação de Kafka que se aproxima de vista singular do escritor checo. Como está explícito no título original do livro (Kafka pretendia chamar o romance Der Verschollene (O Homem que desapareceu), mas foi alterado para Amerika por causa do seu diretor literário Max Brod), os cineastas franceses consideram a luta e a opressão típica de Kafka, um indivíduo de autoridade sem rosto e sem burocracia como uma luta de classes - e onde mais a não ser na América para mostrar o indivíduo a lutar contra as forças do capitalismo em grande escala?
Enviado para a América pelos pais para evitar um escândalo familiar, Karl Rossmann (Christian Heinisch) - já era uma vítima da autoridade dos pais e das suas noções de propriedade social - encontra-se nesta nova terra forçado a um número estranho, constrangedor de situações confusas que parecem estender-se cada vez mais para fora do seu controle em proporções assustadoras. "Klassenverhältnisse" leva-nos directo a uma dessas situações no início do filme, quando, imediatamente depois da chegada a Nova York - já apanhado desprevenido por ter perdido a mala e o guarda-chuva - Rossmann envolve-se numa disputa entre o maquinista e o ajudante. A natureza do litígio é complicada, devido a questões pessoais e de raça, mas sem parecer saber todos os detalhes do caso, Rossmann toma o lado do ajudante. Este tipo de situações - que é típico para personagens dos romances de Kafka - repete-se por toda parte. 
"Klassenverhältnisse" mantém o tema predominante e o tom da obra de Kafka - um ar de paranóia, o medo da autoridade, de estarmos cientes de todos os factos e não nos comportarmos da maneira correta, de não sabermos qual é o nosso lugar... Sendo passado nos Estados Unidos, seria de esperar que Kafka olhasse para além dos limites da vida opressiva, da educação e emprego, mas nunca há qualquer sentido de América em Kafka para ser a terra das oportunidades que é para tantos outros imigrantes . Além de uma ida à Estátua da Liberdade, no início do filme, não há perspectivas de grandes edifícios ou espaços abertos em Klassenverhältnisse. A América de Kafka, pelo contrário, é apenas mais uma representação da sociedade como uma armadilha para o indivíduo, mantendo-se contido pelo medo de infringir desconcertantes leis, regulamentos, ou até mesmo a etiqueta da situação social mais comum que toda a gente parece estar ciente e capaz de aderir , mas não Rossmann.
Straub e Huillet permanecem completamente fieis a estes temas de Kafka, não só de acordo com as palavras e acções, mas de toda a opressão, a qualidade do pesadelo. As suas representações esparsas, simples e directas de cada cena são aparentemente inexpressivas e estáticas, mas na realidade cada detalhe, gesto e palavra é cuidadosamente medido, fechado em quartos e portas trancadas que deixam a Rossmann pouco senso de liberdade. Mesmo nas poucas sequências ao ar livre, como na que Rossmann acaba de ser demitido do emprego, imediatamente se vê perseguido na rua por um policia. O estilo dos realizadores é, portanto, totalmente apropriada aqui - mantendo os elementos que são essencialmente de Kafka sem adornos de estilização, exageros ou interpretações - embora isto inevitavelmente introduza alguma medida em que os personagens de Kafka operam. 
Isso não quer dizer que Straub e Huillet permanecem totalmente imparciais, já que o título do filme, Klassenverhältnisse (relações de classes), sinaliza claramente a sua posição em relação à leitura do texto original. Embora a visão escura, poética de Kafka do mundo não seja descrita tão realisticamente em termos sociais, as relações de classe e da ordem capitalista são os pilares desre sistema opressivo que pesa sobre os indivíduos nas suas histórias.

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Adeus, Amigos (Diner) 1982

Baltimore, 1959. Edward "Eddie" Simmons (Steve Guttenberg), Laurence "Shrevie" Schreiber (Daniel Stern), Robert "Boogie" Sheftell (Mickey Rourke), Timothy Fenwick Jr. (Kevin Bacon) e William "Billy" Howard (Timothy Dale), cinco amigos inseparáveis que se estão a tornar adultos. A responsabilidade deste novo momento nas suas vidas é alternada com horas despreocupadas num café local. A história concentra-se no regresso à faculdade de Billy, que será padrinho de casamento de Eddie. Billy é consumido por uma relação embaraçosa com uma amiga íntima, enquanto Eddie ainda vive em casa e se prepara para uma vida nova...
Se "Os Amigos de Alex" foi o filme por excelência do movimento da contracultura (embora feito na década de 80) dos anos 60, então Diner é a quintessência da contracultura da década de 50. Primeira obra atrás das câmeras do argumentista Barry Levinson, inspirado pelas suas próprias memórias de infância de crescer em Baltimore no final dos anos 50, é um grande filme, um passeio agradável e divertido do começo ao fim...
O filme é mais um estudo de personagens, do que propriamente uma descrição da mudança dos tempos. A única diferença entre este filme e os problemas debruçados em "The Big Chill" é que aqui os assuntos retratados são mais gerais e mais universais, uma vez que todos lidam com o coming-of-age e a adaptação à vida adulta, deixando a vida de adolescentes para trás, enquanto The Big Chill trata mais de questões políticas maiores e mais complexas (e por isso é mais datado).
Esta comédia de Barry Levinson proporcionou uma excelente vitrine para toda uma nova geração de actores, que surgiam em Hollywood: Mickey Rourke, Daniel Stern, Steve Guttenberg, Ellen Barkin e Kevin Bacon. O argumento é bastante complexo e por vezes sobrepõem o fluxo de diálogo dando a sensação de autenticidade de improvisação, e Levinson recria a cidade da sua juventude com uma enorme alegria.
O tempo faria de "Diner" uma enorme obra de culto.

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Cidade em Pânico (Wolfen) 1981

Albert Finney tem o papel principal como Dewey Wilson, um aposentado detetive de Nova York que regressa ao trabalho para desvendar o mistério por trás de uma série de assassinatos macabros na área, com os mais recentes, a serem do casal obscenamente rico, Christopher e Pauline van der Veer. Devido à natureza complexa dos crimes, Wilson contrata alguns especialistas para auxiliá-lo na forma de uma especialista em terrorismo (Diane Verona), um técnico de necrotério (Gregory Hines) e um zoólogo excêntrico (Tom Noonan).
Wolfen é um thriller que não se encaixa facilmente num género definido. É visto principalmente como um filme de terror, mas à medida que o mistério sobre o que está por trás dos assassinatos se desenvolve, o suspense e os elementos de fantasia começam a assumir o papel principal. Embora o gore do filme não seja excessivo, gerado principalmente por descrições gráficas dos eventos, isto tem o efeito de tornar o filme um pouco mais enervante.
"Wolfen" foi a primeira das obras do romancista Whitley Strieber a ser filmada na década de oitenta (as outras são "The Hunger" e "Communion"), e providenciou a Michael Wadleigh material suficiente para formar uma película de terror sólida, mais sobre a deterioração urbana , utilizando-se da situação dos lobos para explorar o abuso e a dizimação da cultura nativa americana e a grande decadência urbana da cidade. O mais conhecido filme de Wadleigh é o épico-concerto seminal "Woodstock", e apesar de um cineasta experiente, a sua carreira já escassa parou depois de "Wolfen", que passou por alguns problemas graves nos meandros da produção, por causa das principais diferenças criativas.
O filme foi lançado em Julho de 1981, entre dois grandes filmes de lobisomens, "The Howling" e "Um Lobisomem Americano em Londres", e é uma obra que não fica nada atrás dos dois filmes mencionados, mas infelizmente passou um pouco ao lado em termos de popularidade, e hoje em dia é uma obra quase esquecida. Hoje é aqui recuperada para quem quiser conhecer, ou rever.
  
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Permanent Vacation (Permanent Vacation) 1980

Aloysious Parker (Chris Parker) é um rebelde sem causa apaixonado por Chet Baker. Não estuda, não trabalha, vive de um lado para outro, sem rumo e conhecendo pessoas iguais a ele. Permanent Vacation acompanha a rotina do jovem Aloysious durante quase três dias. Esta personagem foi parcialmente baseada no actor Chris Parker, cuja vida pessoal é muito semelhante, inclusive o nome foi criado pelo próprio actor e os diálogos foram retirados de gravações que Jarmusch fez com ele enquanto escreviam o argumento.
Feito por apenas US $15.000, Permanent Vacation lançou a carreira não só de Jim Jarmusch (que ganhou o prémio Josef von Sternberg no Festival de Cinema de Mannheim-Heidelberg), mas também do seu director de fotografia Tom DiCillo, cuja própria estreia como realizador seria Johnny Suede (1991). Permanent Vacation, por vezes mostra bem o seu baixo orçamento, especialmente na gravação do som nos exteriores, francamente terrível, em algumas das cenas em que Allie é mostrado a vaguear pelas ruas, e até mesmo na duração modesta que parece esticar nas costuras - mas a visão de DiCillo da Big Apple é simplesmente deslumbrante, enquanto o argumento de Jarmusch mostra uma sofisticação para lá de um cineasta iniciante. 
Quando o aluno Jim Jarmusch submeteu Permanent Vacation como a sua tese final no Tisch Film School da Universidade de Nova York, que foi rejeitada por ser "uma perda de tempo" -, mas suspeita-se que os juízes podem ter confundido o filme com o personagem principal. Permanent Vacation pode deslocar-se e serpentear como o protagonista, viajando de um lado para o outro, com uma aparente falta de rumo, mas, na verdade, ao contrário de Allie, o filme é um romance maduro e estruturado, com alusões evocativas e absurdos existenciais que marcam trabalhos posteriores da obra de Jarmusch.
O filme tornou-se de culto nos anos 80 pelas excelentes interpretações e a atmosfera decadente do pós-punk que Jarmusch conseguiu recriar.

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Tale of Tales (Skazka Skazok) 1979

A memória humana não funciona de modo linear. Não nos lembramos dos eventos por ordem cronológica, nem sempre percebemos imediatamente o significado por trás do que estamos a ver. As nossas memórias são um amontoado de imagens aparentemente aleatórias, mas numa última análise, ligadas, esporadicamente, saltando entre os lugares e momentos que nos lembramos, associações são desencadeadas pelo aparecimento repetido de objectos aparentemente banais, mas estranhamente familiares. Há muito a ser aprendido a partir da exploração das profundezas insondáveis ​​da mente, e o animador russo Yuriy Norshteyn de "Tale of Tales" esforça-se para fazer isso mesmo.
Em 1984, num evento realizado em conjunto com os Jogos Olímpicos de Los Angeles, o júri das Olimpíadas da Animação tentaram escolher o maior filme de animação de todos os tempos. Apesar de uma grande quantidade de candidatos dignos, um filme foi finalmente coroado com este grande título: "Tale of Tales". Duas décadas depois, em 2002 no Festival Mundial de Zagreb de filmes de animação, o mesmo filme foi agraciado com o mesmo prestigioso título, confirmando sem qualquer dúvidas, que o tempo nada fez para diminuir a sua beleza. Obra-prima de Norshteyn é um triunfo deslumbrante da animação, som ambiente e uma banda sonora clássica. Apesar de ter sido colocado em tão alta conta por tantos especialistas na animação, acabou por ficar esquecido com o decorrer dos anos. Hoje em dia, apenas através da internet é possível ser visto.
"Tale of Tales" é constituído por um número de sequências relacionadas, as quais são intercaladas umas dentro das outras. O filme usa vários personagens recorrentes, mais notavelmente o poeta, a menina que salta à corda, o rapaz alimentando os corvos com maçãs, os dançarinos e os soldados, o bébé a mamar e, é claro, o pequeno lobo de côr cinza (dobrado por Aleksandr Kalyagin). Os significados por trás destas imagens comoventes vão um pouco para lá das palavras, e, mesmo se não tivermos absolutamente nenhum desejo em tentar decifrar o rico simbolismo, podemos simplesmente apreciar a beleza incrível. As sequências que envolvem os dançarinos são uma alegoria para o envolvimento da Rússia na Primeira Guerra Mundial. Os parceiros da dança masculinos desaparecendo, substituídos por Gream Reapers encapuzados, destacam as enormes perdas humanas que a União Soviética sofreu na Frente Oriental.  
Curiosamente, "Tale of Tales" - concluído em 1979 - é o mais recente filme dirigido por Yuriy Norshteyn. Isto, no entanto, não significa que ele não tenha vindo a trabalhar arduamente. Desde 1981, o realizador dedicou a maior parte do seu tempo na produção de "Shinel", o trabalho da sua vida, adaptado do conto de Nikolai Gogol com o mesmo nome. Ao longo de um período de produção atormentado com interrupções e dificuldades financeiras, o perfeccionismo ardente de Norshteyn já lhe rendeu o apelido de "O Caracol de Ouro". A data de lançamento deste filme é actualmente incerta, mas, se o magnífico "Tale of Tales" é a perfeição que sabemos, imaginem o que poderá ser "Shinel".

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Peça Incompleta para Piano Mecânico (Neokonchennaya Pyesa Dlya Mekhanicheskogo Pianino) 1977

No início do século XX, a família e os amigos reúnem-se na casa de campo da viúva de um general, Anna Petrovna. Sofia, a nova esposa de enteado de Anna, reconhece Misha, o cunhado de um dos admiradores da viúva: alguns anos antes, eles tinham sido amantes idealistas e agora ela não consegue acreditar que ele tenha resolvido fica com uma mulher do campo, e um emprego como professor. No meio de jogos de salão e conversa fiada dos direitos das mulheres e as capacidades dos camponeses, Sofia e Misha reacendem o seu amor. Será que eles vão abandonar as convenções, a família e fugir para alcançarem os sonhos perdidos? A ajuda vem de um sitio inesperado.
Evocando o tenor de uma tragédia cómica de Anton Chekhov (o argumento foi inspirado a partir de obras obras suas, incluindo a inacabada "Platonov"), "Peça Incompleta para Piano Mecânico" é uma articulação elegante, pungente, e compassiva de decepção pessoal , a mediocridade, a resignação emocional, e o arrependimento. Nikita Mikhalkov mantém o formalismo e a insularidade de um drama teatral e integra elementos neoexpressionistas de contrastantes mise-en-scenes (particularmente nos espaços interiores e exteriores) e iluminação estilizada que simbolicamente reflete as crises emocionais que existem sobre as conversas educadas, anedóticas e abstrações filosóficas de uma classe privilegiada socialmente irrelevante, narcisista.
No final, Mikhalkov apresenta o crepúsculo de uma cultura obsoleta através de uma perspicácia Chekhoviana entrelaçamento momentos de humor, sentimento e nostalgia, e, no processo, criando um retrato atemporal, do universal e profundamente humanista perdão, a reconciliação e a aceitação da fragilidade humana . 

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