O Grande Combate (Cheyenne Autumn) 1964

Na sua carreira John Ford dirigiu alguns dos mais emblemáticos westerns da história do cinema, e estabeleceu um standard muito alto, e muito poucos chegaram perto de sequer igualar a sua classe. Isto, de certa forma, faz com que assistir a "Cheyenne Autumn" seja uma experiência um pouco triste, não só porque era para ser o último western de Ford, mas também porque não atingiu os padrões habituais do realizador. Tem alguns dos toques habituais de Ford, e não era apenas a paisagem do Monument Valley, mas este é um filme sangrento que tenta fazer a já poderosa história dos Cheyenne regressarem ao seu lar ancestral mais poderoso, mas acaba por não o fazer da melhor forma.
Tendo mantido a sua parte de um acordo e mudarem-se para uma reserva, os Cheyenne cansam-se de esperar pelo governo dos EUA para defender o seu lado, fornecendo-lhes as suas necessidades na sua nova casa. Traidos, os Cheyenne embarcam numa jornada de 1.500 milhas através do país para regressarem ao seu lar ancestral, mas tendo agora quebrado a promessa, deixando a reserva, têm agora o Exército dos EUA no seu encalço. O capitão da cavalaria dos EUA, Thomas Archer (Richard Widmark) é obrigado a garantir o regresso dos Cheyenne para a reserva, mas do modo como ele conduz a acção, começa a entender e a simpatizar com eles, bem como ver o quão mal o governo dos EUA os tratava. É isso que o leva a agir contra as suas ordens e tentar ajudá-los.  
Um dos pontos fortes de "Cheyenne Autumn" é que somos levados a simpatizar com os Cheyenne, e ao contrário dos westerns que Ford fez antes, os indios não são retratados como selvagens. Também simpatizamos com Archer porque ele parece entender porque os Cheyenne sentem a necessidade de voltar para casa. Há talvez acção, bem como um toque de romance mas quando a história avança, em vez de se debruçar apenas dos clichês dos Westerns, é sobre o porquê dos Cheyenne sentirem a necessidade de arriscar as vidas a fim de voltar para casa. 
Mas o problema é que "Cheyenne Autumn" é um filme longo demais, com uns 154 minutos que se arrastam. Percebemos que John Ford realmente queria destacar a incrível viagem que fizeram os indios, bem como a coragem que os levaram a fazê-lo, destacando a ignorância do Exército dos EUA e do governo. Também não ajuda que haja uma série de cenas passadas em Dodge City, onde encontramos Wyatt Earp e Doc Holliday, que pouco têm a ver com a história real.
Também é necessário falar do enorme elenco, com quase toda a família fordiana, e não só: Richard Widmark, Carroll Baker, Sal Mineo, Karl Malden, Dolores del Rio, Ricardo Montalban, Arthur Kennedy, Patrick Wayne, John Carradine, George O'Brien, James Stewart (como Wyatt Earp) e Edward G. Robinson.
Ainda assim, é um filme imperdível. 

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O Sargento Negro (Sergeant Rutledge) 1960

"Sergeant Rutledge" é um filme interessante, porque é um pouco diferente de tudo o que seria de esperar de um western de John Ford. O que o torna um pouco diferente é que ele assume a forma de um drama de tribunal, um tribunal marcial de um soldado negro acusado de assassinato e violação. Mas este não é o drama de tribunal como "Anatomy of a Murder", em vez do tribunal e das testemunhas que assumem a história, estamos lá para ouvir contar a história, através de uma série de flashbacks que são mais típicos dos westerns de John Ford. Há ainda um toque de ingenuidade sobre como as peças da história juntas e as pistas se revelam quanto à possibilidade ou não do soldado ser culpado.
O sargento Braxton Rutledge (Woody Strode) é um soldado numa unidade em que um major e a sua filha são assassinados, e é ele quem é acusado. Diante de um tribunal marcial o tenente Tom Cantrell (Jeffrey Hunter) defende Rutledge, e cada testemunha leva para baila uma história que se desenrola a respeito de porque Rutledge fugiu da guarnição e foi encontrado numa estação de comboios com Mary Beecher (Constance Towers).
 "Sergeant Rutledge" toma assim a forma de um drama de tribunal com o tenente Tom Cantrell a tentar provar que o primeiro sargento Braxton Rutledge não é culpado do crime e violação. Inicialmente, sentimos que a definição do tribunal existe para pouco mais do que permitir a Ford servir um pouco do seu humor típico, já que temos o atrapalhado coronel Otis Fosgate a presidir a corte marcial e há uma sala cheia de civis que olham para o caso como uma forma de entretenimento, incluindo a própria esposa de Fosgate. Mas no final, a configuração do tribunal real acaba por ser um veículo para contar a história através de uma série de depoimentos de testemunhas, e uma série de flashbacks.
Quanto às interpretações são sólidas mas também esquecíveis, ou pelo menos a maioria, que inclui Jeffrey Hunter e Constance torres. Mas é Woody Strode como o sargento acusado que faz o maior impacto com a sua imponente figura muscular, preencheendo a tela. Ele mal pode dizer uma palavra no tribunal, mas durante os flashbacks cria esse personagem recto, um homem decente, mas um com uma escuridão e um medo de ser acusado injustamente, devido à cor de sua pele. 
O que a isso tudo se resume é que "Sergeant Rutledge" é surpreendentemente um bom filme, mas que não é realmente um drama de tribunal. A forma como os pedaços da história se juntam funciona bem, mantendo-o interessante até ao fim.

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A Desaparecida (The Searchers) 1956

Em 1868, Ethan Edwards regressa a casa do irmão, Aaron, que mora numa quinta no norte da fronteira do Texas com a esposa Martha e os três filhos: Ben, Lucy e Debbie. A quinta também é o lar de Martin Pawley, que foi adoptado por Aaron depois de ter sido resgatado ainda jovem dos índios, por Ethan. Aaaron não vê o irmão há anos, desde que ele deixou de lutar pela Confederação durante a Guerra Civil. No dia seguinte, Ethan, Martin e Brad Jorgensen, o noivo de Lucy, são atraídos para longe da quinta por índios Comanche. Quando regressam encontram a quinta em chamas. Aaron, Martha e Ben estão mortos e Lucy e Debbie desaparecidas. O Ranger Captain Clayton lidera um grupo para procurar as jovens desaparecidas que, presume-se, foram raptadas pelos Comanches. Quando Ethan revela que encontrou o corpo de Lucy, Brad faz um ataque a solo sobre os Comanches e é morto. Começa então uma procura pela outra jovem que irá durar anos, Ethan e Martin continuam a procurar Debbie,embora por razões diferentes...
O mais conceituado dos grandes westerns de John Ford é também um dos mais subversivos do realizador, uma vez que confronta a questão do racismo, especificamente o ódio arraigado dos anglo-americanos para com os nativos americanos. Quando o filme foi feito, o racismo era um tema quente nos Estados Unidos, com a política de direitos civis a fazer crescer tensões entre os diferentes grupos raciais. The Searchers pode não pode lidar com esta questão muito profundamente, mas, para seu crédito, é o primeiro filme que mostra o ódio racial como a força motivadora primária na determinação do homem branco para exterminar os nativos americanos. De nenhuma maneira ajudou a mudar atitudes públicas sobre a questão racial, principalmente, incentivando outros artistas e comentaristas influentes para continuar a lembrar os americanos da sua história vergonhosa e da necessidade de fazer as pazes.
The Searchers também é tecnicamente o mais ambicioso filme de John Ford, e um dos seus filmes que podem ser legitimamente chamados de épico. As paisagens deslumbrantes, principalmente as filmadas no amado Monument Valley, a narrativa alastrando-se e o subtexto político subjacente, tudo contribui para este filme ser a obra-prima do realizador, um western complexo e convincente que é ambíguo, comovente e altamente poético. O filme seria insuportavelmente triste se não fosse por alguns momentos inspirados de comédia que oferecem um alívio muito necessário a partir do tenso drama catastrófico.
Num papel surpreendentemente antipático, John Wayne tem uma das suas melhores performances, que transcreve o tradicional héroi westerniano, com um grande senso de ironia, sugerindo que a sua coragem e a determinação podem ser o produto de forças motivadoras menos nobres do que o heroísmo. Diferentemente da maioria dos westerns, que tendem a glamourise, e a retratar os índios como selvagens sem rosto, The Searchers é uma obra que procura a exatidão histórica. Lançou as bases para os westerns modernos que rejeitaram os velhos mitos e nos mostraram a verdade nua e crua de como o oeste realmente foi feito.

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Rio Grande (Rio Grande) 1950

Enquanto 1950 é muitas vezes visto, talvez demasiado convenientemente, como um divisor de águas para o género western, graças a Anthony Mann  e o seu Winchester '73, a sua utilização como uma linha de demarcação é muito menos certa no contexto mais amplo da carreira de John Ford, nos westerns ou em qualquer outro género. Um dos pilares do seu legado foi a imagem da cavalaria, estabelecida em 1948 com Fort Apache, confirmada por "She Wore a Yellow Ribbon no ano seguinte, e completada com este Rio Grande.
O terceiro filme é geralmente considerado o pior da trilogia, mas só porque os outros dois filmes ficaram num standard tão alto. A apresentação dos temas em Rio Grande é, talvez, um pouco difusa. O alívio cómico aqui, é muitas vezes uma anátema para todos, mas os Fordianos mais devotados, não foram tanto na conversa como era de esperar.
John Wayne interpreta o tenente-coronel Kirby Yorke, um soldado de carreira, parado perto do Rio Grande. Embora os Apaches continuem a atacar, ele tem ordens para não atravessar o rio. Inesperadamente, o seu filho Jeff (Claude Jarman Jr.), aparece como um soldado. A mãe, e ex-paixão de Kirby, Kathleen Kirby (Maureen O'Hara) chega para recuperá-lo. Um desertor acusado de homicídio aparece na história.
Também temos o bando habitual dos actores de Ford, Victor McLaglen, Ben Johnson e Harry Carey Jr. Bert Glennon, tem uma fotografia a preto-e-branco deliciosa, com muitas cenas nocturnas eficazes.   

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A Caravana Perdida (Wagonmaster) 1950

Junto com outro filme do mesmo ano, Rio Grande, o Western de John Ford Wagon Master era um filme relativamente de baixo orçamento, feito num estilo simples e discreto para resultar num entretenimento fácil. É provavelmente o menos conhecido dos Westerns da época sonora de Ford, e um dos poucos que não contava com John Wayne ou Henry Fonda. No entanto, Ford considerou-o entre os seus preferidos, assim como um punhado dos seus maiores admiradores, considerando-o uma obra-prima negligenciada. 
 Debaixo do seu estilo casual e descontraído o enredo é uma mensagem indiscutível de intolerância tão poderosa como qualquer coisa do mentor de Ford, D.W. Griffith, como este o fez em Intolerância (1916). No entanto, como o filme tem um ambiente limpo, e têm sempre o mesmo ritmo que poderemos estar demasiado ocupados para perceber de imediato. 
Os negociantes de cavalos Travis (Ben Johnson) e Sandy (Harry Carey Jr.) recebem uma oferta para ajudar a guiar a caravana de colonos mórmons através do deserto. Ao longo do caminho, eles juntam-se aos membros de um show itinerante, e também atraem a atenção de alguns indios Navajo e um bando em fuga de foras da lei, Os Cleggs. Ward Bond interpreta o cómico Mormon Elder Wiggs, que tem um passado austero e tem problemas em manter a língua fechada em situações complicadas, e Joanne Dru interpreta Denver, um interesse romântico para Travis (semelhante ao papel de Claire Trevor em Stagecoach). James Arness tem um papel mudo como o maior e mais sinistro dos irmãos Clegg
O argumento de Frank S. Nugent e Patrick Ford (filho do realizador) permite muito tempo para paragens e pausas e para admirarmos a paisagem do Utah. Combinando humor e emoção, em igual medida, Ford faz de "Wagon Master" um prazer inesperado, com os espaços abertos da fronteira norte-americana a ajudarem tanto no campo visual como no coração e na mente. 

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Os Dominadores (She Wore a Yellow Ribbon) 1949

É difícil imaginar uma homenagem melhor, mais emocionante e sincera sobre o espírito militar do que este filme de John Ford. É uma carta de amor para os militares, especialmente para os homens da fronteira da Cavalaria dos EUA, a partir de um realizador que sempre foi fascinado pela vida militar. Ford adora a rotina e as cerimónias do exército, adora as saudações e a linguagem formal, ama a rigidez das formações e dos vínculos afetivos que se formam entre os homens. Acima de tudo, porém, ele ama o olhar das coisas: os azuis brilhantes e dourados dos uniformes, que nunca parecem desvanecer-se, não importa o quão sujo e empoeirado fiquem, a bandeira padrão vermelha e branca erguida por cima das fileiras, o brilho do sol fora da prata polida de uma espada ou uma corneta. Há poesia real na representação de Ford desses homens, um olhar para a beleza da vida militar que está quase inteiramente divorciada dos factos do combate militar e do derramamento de sangue. Esta é uma visão idealizada dos militares, em que quase ninguém sofre tanto com uma ferida, apenas um cavaleiro morre na tela durante o filme todo, e é uma ocorrência frequente para as tropas a surgirem a partir de uma feroz batalha violenta apenas para se anunciarem, "sem vítimas".
Ford quase parece preferir os militares quando estão em repouso e em paz, em vez de estarem no meio de uma batalha. As sequências mais amorosamente fotografadas - e há muitas, num filme onde praticamente todos os outros quadros são inspiradores - são cenas simples da cavalaria através de um vale sinuoso, sob uma rocha gigantesca, ou sequências onde os comandantes inspecionam uma linha de tropas na parte da manhã. Quando a trama se volta para os inevitáveis ​​conflitos com os índios, eles parecem quase superficiais em comparação, ainda que emocionantes e dramáticos. É como se a Ford soubesse que tinha que incluí-los, mas o fez apenas por causa dessa obrigação. Certamente não é por acaso que a narrativa do filme refere-se a travar uma guerra, em vez de lutar contra uma. Este é basicamente um filme sobre o desejo de um exército em tempo de paz, que para Ford seria certamente o exército ideal: de seguida, pode-se admirar todos os botões brilhantes e linhas apertadas de homens sem a possibilidade de derramamento de sangue e violência para interromper a cerimónia.
O filme anterior de Ford sobre a cavalaria, Fort Apache, reconheceu as duras consequências do serviço militares, aceitar o lado mais sombrio da disciplina militar e a possibilidade de que vão, os comandantes egoístas, poder desperdiçar inutilmente a vida dos jovens cegamente obedientes. Não há nenhum vestígio de um segundo significado ou algo parecido aqui, num filme onde a obediência e o respeito aos mais velhos são as mais elevadas virtudes que um homem pode possuir. Este filme é sobre o profundo e inabalável amor do realizador ao militar, e aos homens que servem o exército. Na verdade, há pouco espaço suficiente no filme para qualquer outra coisa. É um filme quase inteiramente desprovido de drama real, embora haja uma abundância de conflitos menores, para sugerir que o drama possa estar em algum lugar no horizonte. O filme é centrado na cavalaria, no oficial Nathan Brittles (John Wayne), um homem à beira de entrar numa aposentadoria forçada, o exército decidiu que ele é muito velho e entrou em renúncia por ele. Com ele tristemente contando os dias para a reforma, juntamente com o seu jovial sargento irlandês Quincannon (Victor McLaglen), é-lhe atribuída uma última missão: escoltar a esposa e a sobrinha do seu oficial superior para longe do forte enquanto procurava e perseguia pequenas patrulhas Cheyenne, que andassem pela àrea.
Brittles conduz os seus homens através de um território perigoso para a estação das diligências onde deveriam deixar as mulheres. Ao longo do caminho, tem que manter a paz entre os tenentes CohiII (John Agar) e Pennell (Harry Carey Jr.), que brigam pelo amor de Olivia (Joanne Dru), uma das mulheres que estão escoltando. Ford não está interessado em acender muito drama aqui. Ele deita apenas faíscas suficientes para manter as coisas interessantes, para iniciar a oportunidade de um estudo de personagem dos tenentes opostos: CohiII é teimoso e por vezes sarcástico, mas basicamente decente; Pennell é um jovem rico e mimado, que impulsivamente planeia sair da cavalaria. O filme é muito mais sobre o estado de espírito do que sobre a narrativa, e o enredo basicamente resume-se à linha de cavalaria sair do forte, cortar vários ataques rápidos indígenas, e, de seguida, regressar para o mesmo sitio. É um filme totalmente e intencionalmente circular, e talvez seja por isso que as mesmas formações rochosas impressionantes do Monument Valley se mantêm recorrentes, mesmo quando as acções são, obviamente, significavas de estar a ocorrer em locais muito distantes.  
Esta cenário não é, então, uma descrição precisa de uma fronteira, mas um pastiche evidentemente artificial de imagens arquetípicas dos westerns, com locais escolhidos não por fidelidade geográfica ou lógica, mas pela sua grande e imponente aparência. É um filme cheio das avassaladoras vistas, quadros divididos igualmente entre as grandes extensões de rocha castanha, e verdes campos com o azul pálido do céu. Dentro destas belíssimas fotos de paisagens, passam as linhas de cavalaria, uma fila de pequenos pontos azuis esboçado através da rocha castanha-avermelhada. Se há uma coisa que Ford definitivamente não está a tentar apanhar, é o realismo, talvez porque qualquer evocação realista deste meio seria estragar a poesia e a beleza com muito mais sangue. O único vermelho que ele se interessa aqui é do brilho do pôr do sol. 

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Forte Apache (Fort Apache) 1948

O título de John Ford "Fort Apache" promete uma aventura divertida de indios e cowboys, com muitas emoções. O filme faz, eventualmente, cumprir esta promessa, até certo ponto, mas não é a preocupação central de Ford. Ele está muito mais interessado nas rotinas da vida militar, o fluxo diário e o fluxo da vida num pequeno forte no limite da fronteira, e as psicologias dos homens e mulheres que povoam este lugar. De facto, durante a primeira hora do filme, não se encontra um índio ou um tiroteio, apenas o novo comandante do forte, Owen Thursday (Henry Fonda), que chega com a filha (Shirley Temple), e se instala na nova vida no Forte Apache. Thursday é um homem ambicioso que sente como se lhe tivesse sido dada pouca atenção para a sua nova missão, e está profundamente descontente, mas determinado a transformar este infortúnio numa nova chance para o maior avanço na sua carreira.
O que ele encontra quando chega ao forte, no entanto, não é muito promissor. Os homens no forte degeneraram em disciplina militar, sob o comando folgado, da camaradagem de Sam Collingwood (George O'Brien). Eles não são maus soldados, e muitos deles são experientes oficiais de ex-confederações, mas não conseguem atender os padrões mais exigentes de Thursday, do protocolo militar tradicional. Ford passa uma quantidade enorme de tempo desenvolvendo cuidadosamente os habitantes do forte, criando um grande elenco de personagens memoráveis que acrescentam vida e vitalidade para o retrato do filme sobre a vida militar. Além de Collingwood, há Michael O'Rourke (Ward Bond), que vem de uma subcultura irlandesa distinta, dentro do forte, que bebem quantidades prodigiosas de alcool, mas que não deixam de ser diferenciados e desenvolvidos de outras maneiras para que não se tornem meros estereótipos. O'Rourke é acompanhado no forte pelo seu filho (John Agar), um recém-graduado de West Point que, assim, supera o seu próprio pai orgulhoso, e que se apaixona imediatamente pela filha de Thursday.
Mas a presença principal no forte é a do Capitão York (John Wayne), um soldado eminentemente capaz com um conhecimento íntimo (e profundo respeito para) a cultura e as táticas dos seus inimigos Apaches. Desta forma, ele é exactamente o oposto de Thursday, que sabe pouco sobre os índios e se preocupa ainda menos com eles, a não ser como um bilhete para a sua própria glória. A rivalidade entre Fonda e Wayne é o dilema central tácito do filme, embora Ford rodeie este conflito central com uma grande variedade de subtramas e momentos de personagens. O filme move-se, não como uma narrativa linear simples, mas aos bocados, pulando entre os muitos moradores do forte e a variedade de histórias contidas nas suas paredes. Este grande elenco, forma a base para o senso da rica textura de Fort Apache, do lugar e da caracterização. Ford gasta uma hora com estas pessoas, simplesmente seguindo as rotinas diárias do forte, antes mesmo de haver o mínimo indício de conflito externo, que entra no filme através de um ataque de índios a um posto de telégrafo fora do forte. Mesmo depois deste ponto, Ford mantém o foco do filme directamente em assuntos mais mundanos dentro do forte, com apenas uma escaramuça breve e mal-mostrada com os apaches antes da batalha final, no final do filme. É este foco no caráter e na vida doméstica, ao invés da acção, que faz Fort Apache ser um filme tão profundamente gratificante.  
O filme também é interessante pela forma como lida com a representação tradicional das guerras americanas contra os habitantes nativos do continente. Ford tem sido frequentemente criticado pelas suas descrições dos nativos americanos nos westerns, e é inegavelmente verdade que os apaches não são caracterizados ou desenvolvidos, tanto como os brancos no forte. Este é um filme completamente, e disse assumidamente, a partir do ponto de vista branco, entregando-se a polarização do costume dos índios como primitivos "nobres" ou selvagens ferozes. E, no entanto, apesar dessas limitações inerentes à perspectiva de Ford, o filme quase não apresenta uma visão totalmente negativa dos Apaches, e de facto deixa claro que os nativos americanos eram explorados, manipulados e sistematicamente enganados pelos "heróis" brancos do Ocidente. Ford também não consegue resolver a tensão considerável entre a mitificação da cultura militar americana e as ordens nojentas, suicidas, e mesquinhas, muitas vezes transmitidas pelos escalões superiores. Glorifica o soldado médio, personificado aqui especialmente por Wayne, mas não lhe dá os rigores e as necessidades da disciplina militar, mesmo quando os procedimentos militares levam às mais grosseiras traições da confiança e da moralidade comum. 
O filme é assim uma apresentação altamente ambígua dos mitos do Oeste americano, e Ford parece amar esses mitos e ao mesmo tempo, aprofundar os seus contos mais escuros. Fort Apache está profundamente enraizado na América da auto-mitologia do seu passado, e Ford é capaz de explorar esta mitologia, com subtileza, do tipo de visão que só pode nascer de um verdadeiro amor para o assunto em mãos.
E claro, o filme foi todo ele rodado à volta do Monument Valley.

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A Paixão dos Fortes (My Darling Clementine) 1946

Em 1946, quando este filme foi liberado, Wyatt Earp ainda não era o personagem lendário que se tornou nos anos seguintes. Inúmeros filmes foram centrados no duelo do OK Corral, para não mencionar uma série de televisão de longa duração, mas o impulso para tudo isto foi este filme clássico de John Ford. 
O clã Earp, o ex-marshall Wyatt (Henry Fonda), Virgil (Tim Holt), Morgan (Ward Bond) e James (Don Garner) conduzem uma manada de gado para a Califórnia, quando param perto de Tombstone. Em pouco tempo, os Clantons, liderados por Walter Brennan, roubam o gado e matam o jovem James, que leva Wyatt a se voluntariar como marshall da cidade sem lei e para conseguir a vingança. O jogador e cirurgião Doc Holliday (Victor Mature) chega à cidade e forma uma amizade inquieta com Wyatt, que está em perigo de ser destruída quando a velha chama de Holliday, Clementine Carter (Cathy Downs) chega à cidade e ganha o interesse de Wyatt. Mas os Clantons ainda procuram sangue, o que só pode significar um confronto no OK Corral.
Fonda no seu habitual papel calmo, para interpretar um mais modesto Wyatt Earp do que nos tornamos habituados a ver no ecrã. Como ele o interpreta aqui, Earp anda mais preocupado em obter um bom barbear do que andar envolvido em brigas. Victor Mature parece bonito demais para Doc Holliday e não usa a parte de pistoleiro tão bem como o faz Fonda. Há um interlúdio estranho, onde ele começa a recitar Hamlet que é o ponto alto da sua interpretação. Walter Brennan, o Old Man Clanton, que estamos habituados a ver em papeis de bom em westerns de Ford e Hawks, rouba o show com uma maldade vil, enquanto que Ward Bond, também um dos actores de Ford, é divertido na sua pequena personagem. A personagem-título de Cathy Down não tem muita graça, ao ponto de ser uma nulidade; enquanto a rival romântica Chihuahua (Linda Darnell) é muito mais interessante, e é óbvio que Holliday iria encontrar uma melhor companhia.
Apesar de ter algumas cenas obrigatórias no Monument Valley, este filme não se parece nada com um típico western do realizador. Muito pouco tempo de acção é passado fora de portas, levando a um ar bastante claustrofóbico que parece de alguma forma inadequado e fora de escala com outros Westerns de Ford. A intimidade induzida por esta definição faz cimentar o foco para as relações interpessoais, em vez da acção prevista. Ao contrário das adaptações posteriores, o tiroteio clímax aqui dura apenas cerca de 30 segundos, tal como no verdadeiro tiroteio. Mas Ford realmente conhecia Wyatt Earp, de quem tinha sido amigo, e alardeava que teria ouvido a história do próprio Wyatt Earp. Anos depois teria admitido que nem tudo era a verdade, ao dizer algo como "Se a lenda for melhor que a realidade, filme-se a lenda", tema de um dos seus últimos grandes westerns, The Man Who Shot Liberty Valance, de 1962.

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Cavalgada Heróica (Stagecoach) 1939

Stagecoach foi o primeiro filme a reunir o realizador John Ford a três ícones do cinema, o western, o actor que viria a ser a sua estrela mais emblemática, John Wayne, e a personagem invisível presente numa série de filmes de Ford, o Monument Valley. Ford e Wayne já tinham feito Westerns antes deste filme, é claro, mas a sua colaboração aqui despertou algo ousado e incomum que iria dar nova vida ao género e ajudar a moldá-lo para as próximas duas décadas, a Idade de Ouro do Western de Hollywood. Parece que algo novo e especial está a acontecer a partir do momento em que Ford introduz Wayne como o bandido preso injustamente, apelidado de Ringo Kid. Um shot interrompe o excesso de velocidade de uma diligência, e um zoom freneticamente de um shot longo de Wayne passa para um close do seu rosto apertado, o fantasma de uma dança sorrindo com os seus lábios, a aba do chapéu curva cinzelada. Parece que Ford sabia, desde o momento em que apresentou a sua estrela, o quão fortemente esta imagem iria ressoar: a entrada de Wayne no filme é electrizante, a chegada de ambos, o bandido infame e a próxima nova estrela.
Apesar de toda esta ênfase, Ringo Kid é apenas um dos nove passageiros que acaba de entrar a bordo da carruagem, todos indo na mesma direcção, enfrentando um território perigoso atormentado pela guerra dos Apaches, por razões muito diferentes. O xerife Curly (George Bancroft) pretende impedir Ringo de provocar um banho de sangue no final da viagem, onde ele enfrentará os três homens que mataram o pai e o irmão de Ringo, e que o estão esperando. A prostituta Dallas (Claire Trevor) o embriagado médico Boone (Thomas Mitchell) estão a ser perseguidos pelos cidadãos mais "respeitáveis​​" da cidade, alguns dos quais na verdade não são tão respeitáveis como gostariam que os outros pensassem. O jogador Hatfield (John Carradine) projecta uma imagem cavalheiresca, mas só poderia ser um assassino covarde, enquanto o pomposo Gatewood (Berton Churchill) foge da cidade com o dinheiro da folha de pagamento roubado. Há também a doente Lucy (Louise Platt), tentando alcançar o marido na cavalaria, o nervoso vendedor de whisky Peacock (Donald Meek), cuja carga é uma tentação para Doc Boone, e o cochista Buck (Andy Devine), que não consegue parar de reclamar sobre a sua esposa mexicana.
Este grupo heterogéneo é composto por vários tipos de personagens, e o subtexto sobre a classe social e a respeitabilidade são tão amplamente jogados como o humor: os outros passageiros são irritados pelas brigas de Peacock e Doc Boone, até que percebem que ambos têm muito a oferecer na sua generosidade e compaixão. Apenas Ringo, ele próprio um pária como um ex-presidiário e um bandido procurado, pouco se importa com esta casta, e insiste em se referir a Lucy e Dallas como "senhoras", o que, naturalmente, faz ganhar a gratidão de Dallas. Os cenários do filme e os personagens são standards, representações familiares do Velho Oeste, gravados na pedra dura da paisagem: as grandes extensões de terra dura empoeirada, as mesas e pilares rochosos salientes do Monument Valley. Ford desenha com traços largos, a elaboração de imagens icónicas da viagem da diligência pelo país aberto, levantando um rastro de poeira atrás dela. O filme tem um tratamento especial desta paisagem westerniana, que servem como um contraste com o interior mais claustrofóbico da diligência, onde as composições de Ford são necessariamente simples no espaço apertado.
Ao longo do filme, a ameaça do ataques dos índios - e o confronto inevitável aguardando Ringo no fim da linha - paira sobre a jornada da diligência, mas é principalmente uma tensão de construção lenta até ao clímax. As coisas estão relativamente calmas na maior parte do passeio, pelo menos fora da carruagem. Os argumentos entre os passageiros, em grande parte motivados pela divisão de classes e vários deslizes percebidos, são quase tão interessantes como a beleza pictórica dos arredores. Há energia e poesia em alguns shots exteriores de Ford - uma imagem sombria da silhueta de um Ringo atrás de Dallas na escuridão, os incontáveis ​​shots do cocheiro acelerando através das planícies - mesmo quando nada mais está realmente a acontecer dentro da carruagem. E, claro, o final do filme é emocionante, com o ataque Apache a fornecer uma desculpa perfeita para alguns movimentos fantasiosos, como saltos de um cavalo para outro. Todo o filme trabalhava para este showcase de acção explosiva, e não se pode perder o entusiasmo de Ford, quando, no último minuto, os soldados da cavalaria chegam para salvar o dia: um tal cliché onde Ford investe com tal vitalidade e que é difícil resistir . A sequência toda é divertida e acelerada, e configura o tiroteio final, de Ringo com os três irmãos que mataram a sua família e o mandaram para a cadeia injustamente. 
Como um dos marcos definitivos do género, a influência e a importância de Stagecoach é difícil de evitar. Mas está longe de ser um filme sisudo, uma relíquia ultrapassada do seu tempo, apesar da sua linguagem e os dispositivos narrativos terem sido filtrados através da história do seu género, desde então.

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