O Nono Coração ( Deváté Srdce) 1979

Um humilde estudante chamado Martin aceita uma misteriosa missão para descobrir a causa da estranha doença da Princesa Adriana. Ao aventurar-se cada vez mais fundo num mundo da alquimia, engano e magia negra, descobre que a princesa está presa num plano sinistro do feiticeiro Aldobrandini, que procura a juventude eterna através de um elixir feito com os corações de nove homens inocentes. Sem saber que pode ser a última vítima, Martin corre contra o tempo para quebrar o feitiço e salvar toda a gente.

Entre as jóias do rico espólio de filmes de contos de fadas checoslovacos, encontram-se duas obras elegantes do realizador Juraj Herz, marcadas por uma preferência por histórias clássicas de terror: "Panna a netvor" e "Deváté srdce", feitos de seguida. Os dois filmes, com fotografia de Jiří Macháně e música do compositor Petr Hapka, partilharam o mesmo orçamento e utilizaram parcialmente os mesmos cenários. Vladimír Labský criou os cenários no estúdio de cinema Barrandov; no mesmo ano, estes cenários foram também utilizados nas filmagens de outros dois filmes, Tajemství Ocelového města (1978) e Kočičí princ (1978). 

A história, que gira em torno da sensação do horror, narra a saga de um estudante errante que tem de proteger uma bela princesa enfeitiçada por um feiticeiro malvado que ambiciona a vida eterna. Trata-se de um filme visualmente cativante, que nos envolve com a sua atmosfera envolvente e com as grandes interpretações de Ondřej Pavelka e Julie Jurištová. Juraj Kukura destaca-se também no papel do mago Aldobrandini.

Link

Imdb

A Bela e a Fera (Panna a Netvor) 1978

Julie é filha de um comerciante falido, sendo a única entre as irmãs, que opta por salvar a vida do seu pai, indo até a um castelo num bosque amaldiçoado, onde conhece um estranho ser. A princípio ele quer matá-la, mas a beleza da jovem impede-o disso. Embora proibida de vê-lo, ela começa a amá-lo, tornando-se este amor, a única forma de resgatá-lo da sua maldição.

Publicado em 1756 pelo francês Jeanne-Marie Leprince de Beaumont, "La Belle et la Bête" era uma história, ela própria, uma versão reescrita e abreviada de um livro escrito anteriormente por Gabrielle-Suzanne Barbot de Villeneuve, e viria a tornar-se num dos contos de fadas mais famosos de todos os tempos. A história de uma bela mulher da classe trabalhadora chamada Belle, com o mais amável e puro coração de todas as suas irmãs, que se apaixona por uma besta, e eventualmente o transforma num príncipe bonito. Teve numerosas adaptações para o teatro e para o cinema, com as mais famosas para o cinema a ficarem a de Jean Cocteau realizada em 1946 e a da Disney em 1991.

Esta versão, do checo Juraj Herz, realizador de "Cremator", uma comédia negra sobre o nazismo e o holocausto, está longe de ser uma versão conhecida, mas, é, provavelmente, um dos mais belos filmes de sempre retirados dos contos de fadas. A versão de Cocteau era uma alegoria sobre a ocupação e libertação da França, mas aqui filmava-se na Checoslováquia, e encontrava-se vestígios de simbolismo político, pertencentes à sombra do Comunismo, que era o sistema político vigente em grande parte da Europa do Leste, naquela altura.     

O filme de Juraj já tinha quatro anos quando chegou ao Fantasporto, e tinha brilhado no Festival de Sitges em 1979 onde ganhou o prémio de Melhor Realizador. Mas como nesta altura, sobretudo aos filmes fantásticos europeus, era difícil serem exibidos, foi repescado para esta primeira edição do Fantasporto. Aliás, grande parte dos filmes desta primeira edição do Fantasporto foram repescados de outros anos. "Panna a Netvor" não passou por despercebido, e ganhou uma Menção Especial no Festival.

Link
Imdb

A Noite da Metamorfose (Izbavitelj) 1976

Um pobre escritor descobre que uma espécie de ratos se uniu para substituir os seres humanos por duplos da sua espécie, numa história que faz lembrar a peça de Eugene Ionesco, Rhinoceros, ou a conspiração oculta das plantas em The Invasion of the Body Snatchers.

A história desta película é baseada num livro do escritor soviético Alexander Greene.Obra-prima do cinema Jugoslavo. Existe uma atmosfera de medo e paranóia na sociedade onde ninguém consegue saber quem é humano e quem é o homem-rato permanentemente substituindo um humano.A conspiração de ratos sedentos de poder chega a todas as partes da sociedade para que realmente não se possa confiar em ninguém. O actor Ivica Vidovic faz um óptimo trabalho como Ivan Gajski – um escritor faminto (Vidovic desempenhou muitas vezes artistas incompreendidos) que procura um lugar para dormir no prédio abandonado do banco central e, de seguida, descobre tudo sobre os planos dos ratos e começa a agir contra eles. “Izbavitelj” é, obviamente, influenciado pelo “Invasion of the Body Snatchers”, mas na realidade parece-se mais com “They Live”, de John Carpenter. A diferença é que “They Live” é uma crítica mordaz ao consumismo e “Izbavitelj” é uma crítica ao totalitarismo.

A grande particularidade desde filme, quase desconhecido, é que ganhou a primeira edição do Fantasporto, em 1982, e logo num ano que tinha adversários de peso, como “Arrebato”, de Iván Zulueta ou “Eraserhead” de David Lynch.É muito difícil de ser visto.

Esta versão foi gravada de um canal de televisão, e tem legendas em inglês.

Link
Imdb

The Maiden’s Tune (Devicanska Svirka) 1973

Um viajante é atraído pelo canto de uma sereia para um castelo sinistro. Quando um rapaz o adverte para se manter longe dali, é atropelado por uma carruagem que transporta a enigmática senhora da mansão. Ela implora a ajuda do viajante e leva-o para o seu castelo, onde o envolve num pas de deux sobrenatural e psicossexual que o conduz ao horripilante segredo da Canção da Donzela. 

Apesar das interpretações não serem das melhores, este filme não deixa de ser excelente como obra de atmosfera gótica. A fotografia, a iluminação, os cenários despojados e o uso marcante de sombras (que remetem para os filmes da era do cinema mudo) contribuem para criar uma atmosfera genuinamente assustadora. A música e o som são utilizados com em conjunto para criar um efeito sinistro, e até a baixa qualidade da cópia que temos parece intensificar o ambiente. É especialmente bom rever Olivera Katarina, mais conhecida por interpretar a protagonista feminina no semi-famoso filme de tortura de bruxas "Mark of the Devil" (1970). 

Realizado pelo sérvio Djordje Kadijevic que na década de setenta realizou uma série interessante de filmes de terror para televisão, incluindo o filme anterior deste ciclo.

Link

Imdb

The She-Butterfly (Leptirica) 1973

Um jovem deseja casar com a bela filha de um proprietário, que se recusa a permitir o casamento. Para provar o seu valor, o jovem torna-se moleiro num moinho local infestado de vampiros. 

 Embora não seja normalmente considerada um berço do terror folclórico cinematográfico, a antiga Jugoslávia produziu uma produção excecional em 1973 com Leptirica, uma fascinante variação sobre as convenções do género vampírico. Uma história sobrenatural de época, filmada na Sérvia e realizada por Đorđe Kadijević, foi originalmente concebida para a televisão, mas desde então foi redescoberta nos cinemas, recebendo destaque internacional no género. Baseado num romance eslavo de 1880, é uma história de amor sinistra sobre o empobrecido Strahinja (Božović) e o seu romance proibido com a bela Radojka (Nikolić), cujo pai proíbe a união. 

 Com um monstro memorável (visto claramente apenas no final) e uma banda sonora perturbadora com toques corais, Leptirica é um conto de monstros curto e doce que parece um conto de fadas particularmente macabro a ganhar vida no cinema. Kadijevic demonstra um talento natural para este tipo de material rural,. De facto, consta que este filme traumatizou muitos jovens impressionáveis ​​quando foi exibido pela primeira vez, principalmente devido ao final intenso que vai muito além do que seria de esperar de um telefilme da Europa de Leste. Desde então, tornou-se um clássico de culto secreto, amplamente distribuído durante anos nos circuitos piratas, mas agora muito mais fácil de encontrar e apreciar em perfeitas condições.

Link

Imdb

O Diabo (Diabel) 1972

Filme anteriormente banido na Polónia, a segunda longa metragem de Andrej Zulawski é passada durante a sangrenta invasão prussiana da Polónia, onde uma figura satânica vestida de preto

(Wojciech Pszoniak) liberta Jakub (Leszek Teleszynski), preso por conspiração por assassinar o rei, em troca de uma lista dos colegas de Jakub conspiradores. Viajando por uma paisagem de neve, fogo, infernal e devastada pela guerra, com uma freira refém, e essa figura diabólica a reboque, Jakub encontra a sua família, amigos, e entes queridos ou mortos ou loucos.

Um épico de cerca de duas horas cheio de sexo, sangue e histeria, este filme é um Zulawski "vintage". As interpretações exageradas não são tão exageradas como a incorporação de estados emocionais. Disfarçado como um filme de época sobre a invasão prussiana, os críticos perceberam que na verdade era um comentário político de Zulawski sobre a Polónia em que o realizador tinha crescido. Consequentemente, o filme foi banido durante mais de 17 anos no seu país natal, tendo estrado finalmente já nos anos 80.

Visto hoje, é óbvio que Zulawski está a tentar criar um retrato de um mundo que está a enlouquecer, visto através dos olhos de um homem que encontra horror e degradação em todos os lugares por onde passa. O estranho leva Jakub numa visita guiada à devastação que se tornou a sua vida, e pede a Jakub que nela mergulhe e lhe dê algo em troca. É obvio, também pelo título do filme, que o estranho é um demónio metafórico que segue no ombro de Jakub.

Link

Legenda
Imdb

Morgiana (Morgiana) 1972

Quando o pai rico morre, as suas filhas Viktoria e Klára herdam a sua fortuna. A malvada Viktoria herda um pequeno castelo e todos os seus pertences, incluindo joias, enquanto a ingénua Klára herda a maior parte dos seus bens. Viktoria planeia envenenar a irmã com um líquido indetetável para ficar com a fortuna. Klára sente-se mal e o seu médico não consegue diagnosticar o problema, enquanto Viktoria conhece um chantagista.

Embora baseado num romance de 1929 do escritor russo Alexander Grin, há mais do que um toque de Poe em Morgiana, desde o papel desempenhado pelo gato até à forma como a culpa do crime assombra o seu perpetrador. O facto de ser um filme de época ajuda, mas exatamente qual o período ou mesmo local permanece uma incerteza enigmática, um canto da zona rural da Checoslováquia preso algures entre o passado e o presente, onde velas adornam divisões com luzes elétricas a funcionar, enquanto o estilo de vestir e a maquilhagem do elenco feminino sugerem que todas estão a fazer audições para papéis num dos biopics históricos mais extravagantes de Ken Russell. 

O realizador Juraj Herz mantém a atmosfera onírica e ilusória do romance. Captar este ambiente surreal era extremamente importante, pois Herz foi obrigado a excluir do seu argumento (escrito em parceria com Vladimír Bor) um ponto crucial do enredo dramático: o facto de as duas personagens principais serem, na verdade, a mesma pessoa. Permanece um mistério o motivo pelo qual o Estado considerou um filme que explorasse o tema da perturbação dissociativa de identidade perigosa e transgressora. Mas uma consequência fundamental desta interferência foi a decisão de Herz de dar prioridade ao estilo e à estética em detrimento da narrativa.

Link

Imdb

Lokis: A Manuscript of Professor Wittembach (Lokis. Rekopis Profesora Wittembacha) 1970

Um pastor que estuda os costumes lituanos hospeda-se na casa de um nobre para consultar os livros raros da sua biblioteca. Descobre que a mãe do nobre é louca e que, segundo a lenda, terá enlouquecido depois de ter sido atacada por um urso, e que o seu filho seria fruto dessa união, tornando-se um lobisomem. Será apenas uma lenda...?

Uma versão singular da já conhecida história do "homem que se transforma em besta", Lokis (Lokis. Rękopis profesora Wittembacha) é baseada na novela homónima do escritor francês Prosper Mérimée, que, por sua vez, inspirou, ainda que indiretamente, o filme de terror erótico "La Bête", de Walerian Borowkzyk, cinco anos depois. Com uma fotografia primorosa e uma produção decente no geral, o realizador Janusz Majewski esforça-se ao máximo para conduzir a sua narrativa para longe da clareza. Neste processo, os elementos de terror são negligenciados do início ao fim.

Mais um filme de sugestão do que de terror explícito, Lokis tem uma forte vibe da AIP em alguns momentos, com o seu pântano ameaçador, segredos de família obscuros, cocheiros supersticiosos, velas coloridas e uma mansão imponente. Claro que os aspetos de bestialidade implícita acrescentam uma camada de perversidade muito pouco americana, sobre a qual o filme consegue manter uma certa ambiguidade até ao final. Tal como muitos filmes de terror polacos, também pode ser interpretado como uma comédia de costumes sombria sobre a negação e a repressão inerentes à nobreza, aqui levadas a um extremo sobrenatural que se vai revelando gradualmente.

Link

Imdb

Madre Joana dos Anjos (Matka Joanna od Aniolów) 1961

Passado no século XVII. Um convento numa pequena cidade está a ser visitado por altos oficiais católicos que tentam exorcizar a freira supostamente possuída por demónios. Um sacerdote foi queimado por se ter deixado tentar pelas freiras, principalmente a Madre Superiora que traz a histeria colectiva ao grupo. Entretanto chega ao local um jovem sacerdote que vem ajudar no exorcismo. O seu primeiro encontro com a líder do Convento, a Madre Joana dos Anjos, deixa-lhe marcas, e demonstra que não vai ser uma trabalho fácil...

Baseado em acontecimentos reais reportados em Loudon, França, "Madre Joana dos Anjos" funciona como uma sequela histórica ao filme de Ken Russell sobre o mesmo assunto, "The Devils", contudo feito 10 anos antes. A igreja desencadeou uma investigação ao padre anterior de Loudon, o padre Urbain Grandier, e suspeitou que ele dormia com as freiras. O convento inteiro, sob um notável feitiço de possessão, também o acusou de bruxaria, acabando por ser queimado na fogueira.

O filme precede "The Exorcist", de William Friedkin, em dois temas, tanto na virgen inocente transformada em objecto do demónio, como no seu tratamento a assuntos relacionados com demónios. Contudo, Jerzy Kawalerowicz, um estudante da Escola de Cinema Polaca, utiliza muito bem a frenética Lucyna Winnicka, interpretando de forma quase sobrenatural, como uma rebelde contra as tendências realistas do passado cinematográfico do seu país. O país estava sob o regime comunista, e os filmes eram feitos sob estritas directrizes, para poderem ser exibidos na União Soviética.

"Madre Joana dos Anjos" é um filme pesado, visualmente vigoroso, e profundamente perturbador da fé, da repressão e do fanatismo. Trouxe problemas inultrapassáveis para o realizador, que teve problemas com a igreja durante muitos anos. Exibido em Cannes em 1961, ganhou o prémio especial do júri. É o filme mais famoso do realizador internacionalmente.

Link
Imdb

Ådalen '31 (Ådalen '31) 1969

Durante uma greve, os fura-greves são transportados para Lunde, onde são agredidos pelos grevistas. Os militares são enviados. A 14 de maio de 1931, dá-se um confronto entre manifestantes e militares, que abrem fogo, resultando cinco mortos e cinco feridos.

Widerberg combina as qualidades visuais de Elvira Madigan com o tratamento mais explícito das ligações entre o indivíduo e a comunidade em Raven’s End. Ådalen 31 (1969) narra um momento crucial na história moderna da Suécia, que levou ao estabelecimento do Estado socialista democrático, que perdurou mais ou menos ininterruptamente desde 1932. Numa zona rural do país, em 1931, os trabalhadores entraram em greve contra as serrações, a principal fonte de emprego da região. À medida que a greve se prolongava, as tensões aumentaram entre os grevistas e os proprietários, e eventualmente foram contratados fura-greves, desencadeando violência. Num dia de Maio, enquanto os trabalhadores marchavam em protesto contra as tentativas de quebrar a greve, os militares abriram fogo, matando uns e ferindo outros, um acontecimento chocante que acabou por conduzir à queda do governo e à eleição do Partido Social Democrata.

Widerberg conta esta história através da perspectiva de duas famílias – os Andersson e os Björklund, os primeiros trabalhadores, os últimos patrões – e utiliza-as para retratar como as divisões são complicadas por causa das complicadas relações sociais. Harald Andersson (Roland Hedlund) tenta evitar os extremos, acreditando que o diálogo e o compromisso são um melhor caminho para resolver as diferenças do que o confronto; Olof Björklund (Olof Bergström) questiona se ele e os outros patrões não se sairiam melhor pagando melhor aos seus funcionários, embora não rompa com a posição dos seus colegas empresários.

Nomeado para o Óscar de Melhor Filme em Língua Estrangeira, e vencedor do Grande Prémio do Júri no festival de Cannes.

Link

Imdb

Elvira Madigan (Elvira Madigan) 1967

No final do século XIX, um oficial do exército sueco foge com uma equilibrista. Depois de um breve período de felicidade, durante o qual o isolamento e o perigo da situação se tornam cada vez mais iminentes, fazem um pacto de suicídio. É a tragédia romântica por excelência, uma admissão de derrota e um gesto de desafio.

À primeira vista, o filme entrega-se aos clichés visuais de um romance novelesco – todo aquele sol, os piqueniques tranquilos em prados floridos, os olhares indulgentes daqueles que, sem ainda conhecerem a história completa, apenas veem o amor jovem em plena floração. A câmara detém-se no rosto de Elvira, com a sua luminosidade e abertura, o puro prazer de estar viva e sentir estas emoções calorosas, e em Sixten, tão encantado que abandonou tudo para ficar com ela.

Mas, gradualmente, começam a surgir fissuras sob esta superfície brilhante, e torna-se cada vez mais claro que o idílio emocional que partilham é insustentável, o que, na verdade, é uma ilusão que só pode levar à destruição mútua. É aqui que as preocupações anteriores de Widerberg voltam ao foco: este casal romântico, por mais forte que seja o seu laço emocional, não pode existir fora da sociedade; mesmo os amantes precisam de uma comunidade para viver. O romance não pode sobreviver num vácuo social. Isolados, sem dinheiro, procurando alimentos na floresta, o amor azeda e o ressentimento começa a instalar-se.

“Elvira Madigan” é um filme incrivelmente belo. Quase todos os fotogramas poderiam ser considerados pinturas, e, no entanto, o filme é vibrante e cinematográfico, não se limitando a fotografias de imagens bonitas.

Legendas em inglês.

Link

Imdb

Raven´s End (Kvarteret Korpen) 1963

Um aspirante a escritor (Thommy Berggren) enfrenta a vida numa pequena cidade sueca com o seu pai alcoólico (Keve Hjelm), a mãe trabalhadora (Emy Storm) e a sua namorada (Christina Framback), enquanto sonha com o sucesso na grande cidade.

Winterberg, depois de "The Baby Carriage", realizou outro filme sobre o quotidiano, Kvarteret Korpen (Raven’s End, 1963), estreado apenas nove meses depois do seu filme anterior, e que se passava na cidade natal do realizador, Malmo, durante os Jogos Olímpicos de Berlim de 1936, cujo progresso acompanhamos em transmissões radiofónicas ao longo do filme. Anders, o protagonista, é filho de uma família operária que vive num bloco de apartamentos com vista para um terreno baldio e desolado, o que confere ao prédio e aos outros bairros o ambiente de celas que rodeiam um pátio de uma prisão.

Widerberg cria uma sensação de comunidade com relações que variam entre calorosas, solidárias e espinhosas, como se vê na história de Anders, que aspira ser escritor. As escolhas pessoais de Anders são ofuscadas, e premeiam a sua narrativa, com forças históricas maiores do que a Grande Depressão, e a ascenção do Nazismo na Alemanha. Cada escolha individual existe dentro de um contexto de forças históricas, cada vida é uma luta para encontrar significado e propósito contra essas forças.

Foi nomeado ao Óscar de Melhor Filme em Língua Estrangeira, e tem legendas em inglês.

Link

Imdb 

The Baby´s Carriage (Barnvagnen) 1963

A longa metragem de estreia de Bo Widerberg transpira a frescura da juventude. Partido da sua critica cinematográfica que clamava por um cinema sueco socialmente relevante o critico que se tornou realizador oferece um retrato vivido de uma jovem operária (Inger Taube) que procura a sua independência ao lidar com uma gravidez inesperada, aprender duras lições com dois homens muito diferentes, e deixar para trás a única casa que alguma vez conheceu.

Embuído de um naturalismo documental o filme tem uma estrutura fluída, que evita pôr enfase dramática em momentos individuais, permitindo que eventos e personagens surjam e assumam importância como fariam no fluxo normal da vida. Com o apoio da fotografia monocromática, fria e bela, do também realizador Jan Troell, Widerberg dá um primeiro passo ousado na sua missão de criar um cinema envolvente. 

Legendas em inglês

Link

Legendas

Imdb

Born to Kill (Born to Kill) 1947

 

Helen (Clair Trevor) acaba de se divorciar  em Reno, e regressa à pensão onde está hospedada para acertar contas. A dona da pensão conversa animadamente com uma das inquilinas, Laury, que lhe fala do seu novo namorado. O segundo, já agora...Nessa noite, Helen vai a um casino onde um dos apostadores lhe chama a atenção. Ela não sabe que ele é Sam Wilde (Lawrence Tierney), o outro namorado de Laury, que num ataque de ciúmes a assassina e ao outro homem, e é Helen quem encontra os corpos. No entanto, ela não chama a polícia...

Muito antes de "Reservoir Dogs" (1992) ou interpretar o pai de Elaine em "Seinfeld", Lawrence Tiernay era um dos mais duros do cinema noir, e nunca foi tão duro ou cruel como neste "Born to Kill". A sua interpretação no papel principal de "Dillinger" (1945) tornaram-no na primeira escolha para papéis que precisavam de uma brutalidade implacável. Com uma voz rouca e traços marcantes, era uma boa escolha para o lado mais sombrio do Noir, e poucos conseguem ser tão sombrios como este "Born to Kill". 

O filme é baseado em "Deadlier than the Male" o primeiro livro de James Edward Gunn, escrito no âmbito de uma aula de literatura, e aproveitaria o seu sucesso para seguir uma carreira como argumentista, em obras como "The Young Philadelphians" (1959). A realização é de Robert Wise.

Legendas em inglês.

Link

Imdb

A Escada de Caracol (The Spiral Staircase) 1946

 Uma pequena cidade de New England é assolada por uma série de assassinatos cujas vitimas apresentam alguma deficiência física, e tudo indica que uma criada surda-muda (Dorothy McGuire) seja a próxima vitima do assassino.

Robert Siodmak, acabado de saír do seu trabalho na Universal, infunde no filme a elegância sinistra do Expressionismo Alemão. A sua câmara desliza pela casa dos Warren, provocando-nos vislumbres de vistas através de espelhos e corrimões, como se fossemos um observador invisível. O frame mais icónico do filme é, sem dúvida, o seu grande plano do olho do assassino e o seu reflexo na escadaria que dá nome ao filme.

Adaptado do romance "Some Must Watch" de Ethel Lina White, é uma das joias da coroa da tradição das "old dark house". Além de Dorothy McGuire conta com um elenco interessante, com George Brent, Ethel Barrymore, Rhonda Fleming, e Elsa Lanchester.

Legendas em inglês.

Link

Imdb

Noite na Alma (Experiment Perilous) 1944

Jacques Tourneur facilmente circula da série B para a série A, como está explícito neste "Experiment Perilous". O argumentista Warren Duff localiza este elegante melodrama de mistério no romance de Margaret Carpenter de 1943, mas aparentemente é mais inspirado nos thrillers psicológicos como Gaslight, Laura e Rebecca. 

Uma mistura de emoções, psicologia e patologia. Em 1903, o doutor Huntington Bailey (George Brent) encontra uma senhora idosa e amigável no comboio. Ela diz-lhe que vai visitar o irmão (Paul Lukas) e a sua linda e jovem esposa (Hedy Lamarr). Em Nova York, Huntington ouve dizer que a sua companheira do comboio morreu repentinamente. Conhece o casal Lamarr-Lukas, e fica desconfiado do tratamento de Lukas para com a esposa, e sua tentativa de fazê-la passar por louca. Uma confusão nos sacos revela o diário da senhora falecida, que confirma as dúvidas de Brent. Ele tenta salvar Lamarr, por quem agora está apaixonado. 

Lançado no mesmo ano que "Gaslight" de George Cukor (1944), este melodrama da era vitoriana realizado por Jacques Tourneur está igualmente preocupado com as ramificações mortais da desconfiança conjugal e a manipulação psicológica. A sua sequência de abertura, a ter lugar num comboio, é uma reminiscência de "The Lady Vanishes" (1938), de Hitchcock, como George Brent a encontrar e fazer amizade com uma misteriosa mulher mais velha (Olive Blakeney), que lhe oferece a sua "marca especial de chá". Blakeney está excelente na sua breve aparição, mas o seu personagem é morto, a fim de pôr em movimento a cadeia de eventos que acabará por levar a paixão de Brent com a linda cunhada de Blakeney, uma mulher igualmente misteriosa. 

Foi nomeado para um Óscar, de "Best Art Direction-Interior Decoration, Black-and-White".

Link

Legendas em inglês

Imdb

Não Matei (Stranger on the Third Floor) 1940

Mike Ward (John McGuire) é um repórter que testemunha os momentos finais de um assassinato e decide testemunhar contra o homem que ele acredita ser o assassino. Logo depois depara-se com um estranho e sinistro (Peter Lorre) a rondar o seu prédio, e começa a questionar: será que de certeza que o homem que ele indicou era realmente o assassino? De seguida, um segundo homem aparece morto. Mike está agora convencido que ajudou na condenação do homem errado.

Muitos historiadores do film Noir fazem remontar as suas origens  à era do cinema mudo, e ao seu florescimento durante a guerra, mas a maioria concorda que o primeiro verdadeiro "film noir" americano surgiu na modesta produção de um ambicioso thriller de baixo orçamento, de 1940. Antes do mundo implacável dos detetives privados suspeitos, das mulheres triçoeiras, e da selva urbana noturna onde acordos e traições eram orquestrados com consequências normalmente fatais, havia este "Não Matei",um thriller que apesar das suas limitações orçamentais leva o espectador numa espiral de paranoia justificada. 

Realizado por Boris Ingster, um realizador da Letónia que se estreia atrás das camaras e que ao mesmo tempo era um dos primeiros expatriados da Europa causado pelo inicio da Segunda Guerra Mundial. O antagonista é Peter Lorre, que já tínhamos visto muito bem como assassino em "M" de Fritz Lang, e que aqui também fazia uma das suas primeiras participações no cinema americano.

Legendas em inglês

Link

Imdb

Contrato Para Matar (The Killers) 1964

“Os Assassinos” (The Killers), de 1964, é a terceira adaptação do conto de Ernest Hemingway. As outras duas foram as de Robert Siodmak, de 1946 – um clássico noir -, e a segunda um curta metragem de Andrei Tarkovsky (em co-direção com Alexander Gordon e Marika Beiku), de 1957, mas nenhum deles se iguala a essa versão dirigida por Don Siegel. Como se sabe, o filme foi produzido originalmente para a televisao, mas por causa de sua brutalidade foi exibido nos cinemas.

Se o conto de Hemingway, e consequentemente as suas adaptações cinematográficas, mostra dois assassinos que vão a um restaurante rural para eliminar um homem marcado. Don Siegel subverte muda completamente o ponto da história, mostrando Charlie Strom (Lee Marvin) e Lee (Clu Gulager) como os dois assassinos contratados para eliminar Johnny North (John Cassavetes) que, ao ficar frente a frente com o seu destino, o aceita. A sua passividade diante da morte, aceitando-a sem implorar, choca a dupla. Os dois, após investigar o motivo de tanta submissão, descobrem que Johnny North estava envolvido com Sheila Farr (Angie Dickinson), namorada de Jack Browling (Ronald Reagan). 

Don Siegel fez um trabalho e tanto com seu elenco. Conhecido por sua direção de atores econômica e eficiente, ele arranca performances memoráveis de Dickinson e Reagan. Ela, uma femme fatale na mais pura acepção do termo; ele, na performance de sua vida, a sua ultima atuação antes de se dedicar à política. “Os Assassinos” é um filme que se sustenta pelo olhar, seja na cena de abertura em que o rosto do personagem de Lee Marvin aparece refletido nas lentes dos óculos escuros de Clu Gulager, assim como os olhos de John Cassavetes que não saem da cabeça de seus executores. 

Don Siegel é um realizador que fez muito a minha cabeça como cinéfilo em formação: títulos como “Meu Nome é Coogan” (Coogan’s Bluff), de 1968; “Os Abutres Têm Fome” (Two Mules For Sister Sara), de 1970; “Perseguidor Implacável” (Dirty Harry), de 1971; e “O Homem Que Burlou A Máfia” (Charley Varrick), de 1975, da mesma forma que este “The Killers” formaram o meu gosto estético por filmes que Rogério Durst, crítico de cinema do jornal O Globo, nos anos noventa, alcunhou de Cine-Machão. Filmes secos, diretos, crus. Todos os títulos acima citados foram vistos na televisão, em madrugadas passadas em claro esperando a próxima atração do Coruja Colorida. 

* Texto da autoria do Alexandre Mourão. 

Link
Imdb

Ao Sul (Ao Sul) 1995

"Ao Sul" é a história de um homem (Henrique/Antonino Solmer) que regressa da Holanda a Portugal, depois de muitos anos de ausência, o coração dividido entre insatisfatórios amores abandonados, a vontade de retorno ao Alentejo natal como bálsamo para uma vida que percebemos ter sido gasta em coisas sem importância. Agarrar o tempo e a raiz - eis o seu projecto. A realidade que vem encontrar é-lhe, todavia, hostil. Em Lisboa, a memória de ocorrências na Guerra colonial reacende conflitos esquecidos; o Alentejo, incapaz de se reconverter a uma agricultura concorrencial, recebendo-o como um traidor que vem trabalhar para uma grande empresa holandesa. Um sopro de desespero atravessa "Ao Sul" como uma adaga suspensa sobre o pescoço de todos nós. Em Portugal abafa-se.

Fernando Matos Silva filma esta respiração sufocante, fazendo-se cruzar no filme uma miríade de personagens. Primeira constatação: a maior parte dessas personagens existe, quer dizer, tem, mesmo se a sua passagem é curta, densidade humana, peso, justificação dramática. Mérito, já agora, também dos actores. Não falo de Antonino Solmer, que desde já tem aqui o melhor desempenho da sua carreira cinematográfica,  mas dos outros, dos que pouco espaço e pouco tempo têm para nos convencer, como José Manuel Mendes, Luísa Cruz, Miguel Guilherme ou Manuel Cavaco: brevíssimas interpretações, perfeito entendimento. E se também há personagens frágeis (caso do avô louco, interpretado por Canto e Castro, ou de Liberato/João Cabral), isso se deverá mais a problemas do argumento que a inabilidade dos intérpretes. É que Fernando Matos Silva (que teve Maria Isabel Barreno como co-argumentista) não resistiu à tentação dos símbolos, a uma sobrecarga de elementos que desviassem a leitira do filme para lugares mais vastos, introduzindo, aqui e ali, desequilíbrios incomodativos, porque tornando óbvio o que melhor seria ir perdurando subterraneamente. Aliás, "Ao Sul" teria ganho muito com algum incremento de contenção.

Estamos em presença de um filme que gere precariamente os equilíbrios. Constatação que não deve iludir-nos o essencial. A força de uma narrativa que trás dentro de si uma convicção e uma força humana que nenhuns desequilíbrios anulam. A dor no rosto de Luísa Cruz, a luz do espaço alentejano, o homem que corre a medir o espaço de uma casa, seu novo território, uma cena de amor físico que cheira à mais funda solidão, são coisas destas que nos fazem guardar um filme e saber o que quer dizer pensar cinema. Coisas que estão em "Ao Sul", feito por um cineasta que sabe o que fala.

Texto no Expresso de 2-9-1995

Link
Imdb

Adeus, Até ao Meu Regresso (Adeus, Até ao Meu Regresso) 1974

A guerra colonial na Guiné. Alguns casos significativos entre as variadas experiências que afectaram milhares de soldados portugueses que ali combateram. As Mensagens de Natal para as famílias na Metrópole. Histórias que rondam o patético, a ironia, o absurdo, ou pontuadas pelo pitoresco sentimental, a amargura, o irreparável sofrimento. Filme para televisão, Adeus até ao Meu Regresso é um dos testemunhos da viragem no interior da RTP que o 25 de Abril provocou. Parafraseando, no título, a frase feita com que inúmeros soldados portugueses davam as suas "mensagens de Natal" (na televisão) durante o período da guerra colonial, Adeus até ao Meu Regresso faz-se e estreia-se precisamente quando, pela primeira vez, a guerra dava lugar à paz e os soldados regressavam enfim: em Dezembro de 1974.Através do testemunho de soldados que haviam vivido a guerra na Guiné (a primeira colónia portuguesa a obter a independência após o 25 de Abril), António Pedro Vasconcelos dá-nos a dimensão de um conflito armado mas sobretudo o que dele restava na consciência do povo. Da revolta à resignaçâo, dos traumas às dúvidas, das afirmações às interrogações. Documento agarrado ao vivo, em cima da dor e do regresso, este filme é bem o retrato da retaguarda e da memória da guerra colonial, o único que, curiosamente, o cinema português ousou fazer.

Mega
Imdb