Os Dominadores (She Wore a Yellow Ribbon) 1949

É difícil imaginar uma homenagem melhor, mais emocionante e sincera sobre o espírito militar do que este filme de John Ford. É uma carta de amor para os militares, especialmente para os homens da fronteira da Cavalaria dos EUA, a partir de um realizador que sempre foi fascinado pela vida militar. Ford adora a rotina e as cerimónias do exército, adora as saudações e a linguagem formal, ama a rigidez das formações e dos vínculos afetivos que se formam entre os homens. Acima de tudo, porém, ele ama o olhar das coisas: os azuis brilhantes e dourados dos uniformes, que nunca parecem desvanecer-se, não importa o quão sujo e empoeirado fiquem, a bandeira padrão vermelha e branca erguida por cima das fileiras, o brilho do sol fora da prata polida de uma espada ou uma corneta. Há poesia real na representação de Ford desses homens, um olhar para a beleza da vida militar que está quase inteiramente divorciada dos factos do combate militar e do derramamento de sangue. Esta é uma visão idealizada dos militares, em que quase ninguém sofre tanto com uma ferida, apenas um cavaleiro morre na tela durante o filme todo, e é uma ocorrência frequente para as tropas a surgirem a partir de uma feroz batalha violenta apenas para se anunciarem, "sem vítimas".
Ford quase parece preferir os militares quando estão em repouso e em paz, em vez de estarem no meio de uma batalha. As sequências mais amorosamente fotografadas - e há muitas, num filme onde praticamente todos os outros quadros são inspiradores - são cenas simples da cavalaria através de um vale sinuoso, sob uma rocha gigantesca, ou sequências onde os comandantes inspecionam uma linha de tropas na parte da manhã. Quando a trama se volta para os inevitáveis ​​conflitos com os índios, eles parecem quase superficiais em comparação, ainda que emocionantes e dramáticos. É como se a Ford soubesse que tinha que incluí-los, mas o fez apenas por causa dessa obrigação. Certamente não é por acaso que a narrativa do filme refere-se a travar uma guerra, em vez de lutar contra uma. Este é basicamente um filme sobre o desejo de um exército em tempo de paz, que para Ford seria certamente o exército ideal: de seguida, pode-se admirar todos os botões brilhantes e linhas apertadas de homens sem a possibilidade de derramamento de sangue e violência para interromper a cerimónia.
O filme anterior de Ford sobre a cavalaria, Fort Apache, reconheceu as duras consequências do serviço militares, aceitar o lado mais sombrio da disciplina militar e a possibilidade de que vão, os comandantes egoístas, poder desperdiçar inutilmente a vida dos jovens cegamente obedientes. Não há nenhum vestígio de um segundo significado ou algo parecido aqui, num filme onde a obediência e o respeito aos mais velhos são as mais elevadas virtudes que um homem pode possuir. Este filme é sobre o profundo e inabalável amor do realizador ao militar, e aos homens que servem o exército. Na verdade, há pouco espaço suficiente no filme para qualquer outra coisa. É um filme quase inteiramente desprovido de drama real, embora haja uma abundância de conflitos menores, para sugerir que o drama possa estar em algum lugar no horizonte. O filme é centrado na cavalaria, no oficial Nathan Brittles (John Wayne), um homem à beira de entrar numa aposentadoria forçada, o exército decidiu que ele é muito velho e entrou em renúncia por ele. Com ele tristemente contando os dias para a reforma, juntamente com o seu jovial sargento irlandês Quincannon (Victor McLaglen), é-lhe atribuída uma última missão: escoltar a esposa e a sobrinha do seu oficial superior para longe do forte enquanto procurava e perseguia pequenas patrulhas Cheyenne, que andassem pela àrea.
Brittles conduz os seus homens através de um território perigoso para a estação das diligências onde deveriam deixar as mulheres. Ao longo do caminho, tem que manter a paz entre os tenentes CohiII (John Agar) e Pennell (Harry Carey Jr.), que brigam pelo amor de Olivia (Joanne Dru), uma das mulheres que estão escoltando. Ford não está interessado em acender muito drama aqui. Ele deita apenas faíscas suficientes para manter as coisas interessantes, para iniciar a oportunidade de um estudo de personagem dos tenentes opostos: CohiII é teimoso e por vezes sarcástico, mas basicamente decente; Pennell é um jovem rico e mimado, que impulsivamente planeia sair da cavalaria. O filme é muito mais sobre o estado de espírito do que sobre a narrativa, e o enredo basicamente resume-se à linha de cavalaria sair do forte, cortar vários ataques rápidos indígenas, e, de seguida, regressar para o mesmo sitio. É um filme totalmente e intencionalmente circular, e talvez seja por isso que as mesmas formações rochosas impressionantes do Monument Valley se mantêm recorrentes, mesmo quando as acções são, obviamente, significavas de estar a ocorrer em locais muito distantes.  
Esta cenário não é, então, uma descrição precisa de uma fronteira, mas um pastiche evidentemente artificial de imagens arquetípicas dos westerns, com locais escolhidos não por fidelidade geográfica ou lógica, mas pela sua grande e imponente aparência. É um filme cheio das avassaladoras vistas, quadros divididos igualmente entre as grandes extensões de rocha castanha, e verdes campos com o azul pálido do céu. Dentro destas belíssimas fotos de paisagens, passam as linhas de cavalaria, uma fila de pequenos pontos azuis esboçado através da rocha castanha-avermelhada. Se há uma coisa que Ford definitivamente não está a tentar apanhar, é o realismo, talvez porque qualquer evocação realista deste meio seria estragar a poesia e a beleza com muito mais sangue. O único vermelho que ele se interessa aqui é do brilho do pôr do sol. 

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Forte Apache (Fort Apache) 1948

O título de John Ford "Fort Apache" promete uma aventura divertida de indios e cowboys, com muitas emoções. O filme faz, eventualmente, cumprir esta promessa, até certo ponto, mas não é a preocupação central de Ford. Ele está muito mais interessado nas rotinas da vida militar, o fluxo diário e o fluxo da vida num pequeno forte no limite da fronteira, e as psicologias dos homens e mulheres que povoam este lugar. De facto, durante a primeira hora do filme, não se encontra um índio ou um tiroteio, apenas o novo comandante do forte, Owen Thursday (Henry Fonda), que chega com a filha (Shirley Temple), e se instala na nova vida no Forte Apache. Thursday é um homem ambicioso que sente como se lhe tivesse sido dada pouca atenção para a sua nova missão, e está profundamente descontente, mas determinado a transformar este infortúnio numa nova chance para o maior avanço na sua carreira.
O que ele encontra quando chega ao forte, no entanto, não é muito promissor. Os homens no forte degeneraram em disciplina militar, sob o comando folgado, da camaradagem de Sam Collingwood (George O'Brien). Eles não são maus soldados, e muitos deles são experientes oficiais de ex-confederações, mas não conseguem atender os padrões mais exigentes de Thursday, do protocolo militar tradicional. Ford passa uma quantidade enorme de tempo desenvolvendo cuidadosamente os habitantes do forte, criando um grande elenco de personagens memoráveis que acrescentam vida e vitalidade para o retrato do filme sobre a vida militar. Além de Collingwood, há Michael O'Rourke (Ward Bond), que vem de uma subcultura irlandesa distinta, dentro do forte, que bebem quantidades prodigiosas de alcool, mas que não deixam de ser diferenciados e desenvolvidos de outras maneiras para que não se tornem meros estereótipos. O'Rourke é acompanhado no forte pelo seu filho (John Agar), um recém-graduado de West Point que, assim, supera o seu próprio pai orgulhoso, e que se apaixona imediatamente pela filha de Thursday.
Mas a presença principal no forte é a do Capitão York (John Wayne), um soldado eminentemente capaz com um conhecimento íntimo (e profundo respeito para) a cultura e as táticas dos seus inimigos Apaches. Desta forma, ele é exactamente o oposto de Thursday, que sabe pouco sobre os índios e se preocupa ainda menos com eles, a não ser como um bilhete para a sua própria glória. A rivalidade entre Fonda e Wayne é o dilema central tácito do filme, embora Ford rodeie este conflito central com uma grande variedade de subtramas e momentos de personagens. O filme move-se, não como uma narrativa linear simples, mas aos bocados, pulando entre os muitos moradores do forte e a variedade de histórias contidas nas suas paredes. Este grande elenco, forma a base para o senso da rica textura de Fort Apache, do lugar e da caracterização. Ford gasta uma hora com estas pessoas, simplesmente seguindo as rotinas diárias do forte, antes mesmo de haver o mínimo indício de conflito externo, que entra no filme através de um ataque de índios a um posto de telégrafo fora do forte. Mesmo depois deste ponto, Ford mantém o foco do filme directamente em assuntos mais mundanos dentro do forte, com apenas uma escaramuça breve e mal-mostrada com os apaches antes da batalha final, no final do filme. É este foco no caráter e na vida doméstica, ao invés da acção, que faz Fort Apache ser um filme tão profundamente gratificante.  
O filme também é interessante pela forma como lida com a representação tradicional das guerras americanas contra os habitantes nativos do continente. Ford tem sido frequentemente criticado pelas suas descrições dos nativos americanos nos westerns, e é inegavelmente verdade que os apaches não são caracterizados ou desenvolvidos, tanto como os brancos no forte. Este é um filme completamente, e disse assumidamente, a partir do ponto de vista branco, entregando-se a polarização do costume dos índios como primitivos "nobres" ou selvagens ferozes. E, no entanto, apesar dessas limitações inerentes à perspectiva de Ford, o filme quase não apresenta uma visão totalmente negativa dos Apaches, e de facto deixa claro que os nativos americanos eram explorados, manipulados e sistematicamente enganados pelos "heróis" brancos do Ocidente. Ford também não consegue resolver a tensão considerável entre a mitificação da cultura militar americana e as ordens nojentas, suicidas, e mesquinhas, muitas vezes transmitidas pelos escalões superiores. Glorifica o soldado médio, personificado aqui especialmente por Wayne, mas não lhe dá os rigores e as necessidades da disciplina militar, mesmo quando os procedimentos militares levam às mais grosseiras traições da confiança e da moralidade comum. 
O filme é assim uma apresentação altamente ambígua dos mitos do Oeste americano, e Ford parece amar esses mitos e ao mesmo tempo, aprofundar os seus contos mais escuros. Fort Apache está profundamente enraizado na América da auto-mitologia do seu passado, e Ford é capaz de explorar esta mitologia, com subtileza, do tipo de visão que só pode nascer de um verdadeiro amor para o assunto em mãos.
E claro, o filme foi todo ele rodado à volta do Monument Valley.

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A Paixão dos Fortes (My Darling Clementine) 1946

Em 1946, quando este filme foi liberado, Wyatt Earp ainda não era o personagem lendário que se tornou nos anos seguintes. Inúmeros filmes foram centrados no duelo do OK Corral, para não mencionar uma série de televisão de longa duração, mas o impulso para tudo isto foi este filme clássico de John Ford. 
O clã Earp, o ex-marshall Wyatt (Henry Fonda), Virgil (Tim Holt), Morgan (Ward Bond) e James (Don Garner) conduzem uma manada de gado para a Califórnia, quando param perto de Tombstone. Em pouco tempo, os Clantons, liderados por Walter Brennan, roubam o gado e matam o jovem James, que leva Wyatt a se voluntariar como marshall da cidade sem lei e para conseguir a vingança. O jogador e cirurgião Doc Holliday (Victor Mature) chega à cidade e forma uma amizade inquieta com Wyatt, que está em perigo de ser destruída quando a velha chama de Holliday, Clementine Carter (Cathy Downs) chega à cidade e ganha o interesse de Wyatt. Mas os Clantons ainda procuram sangue, o que só pode significar um confronto no OK Corral.
Fonda no seu habitual papel calmo, para interpretar um mais modesto Wyatt Earp do que nos tornamos habituados a ver no ecrã. Como ele o interpreta aqui, Earp anda mais preocupado em obter um bom barbear do que andar envolvido em brigas. Victor Mature parece bonito demais para Doc Holliday e não usa a parte de pistoleiro tão bem como o faz Fonda. Há um interlúdio estranho, onde ele começa a recitar Hamlet que é o ponto alto da sua interpretação. Walter Brennan, o Old Man Clanton, que estamos habituados a ver em papeis de bom em westerns de Ford e Hawks, rouba o show com uma maldade vil, enquanto que Ward Bond, também um dos actores de Ford, é divertido na sua pequena personagem. A personagem-título de Cathy Down não tem muita graça, ao ponto de ser uma nulidade; enquanto a rival romântica Chihuahua (Linda Darnell) é muito mais interessante, e é óbvio que Holliday iria encontrar uma melhor companhia.
Apesar de ter algumas cenas obrigatórias no Monument Valley, este filme não se parece nada com um típico western do realizador. Muito pouco tempo de acção é passado fora de portas, levando a um ar bastante claustrofóbico que parece de alguma forma inadequado e fora de escala com outros Westerns de Ford. A intimidade induzida por esta definição faz cimentar o foco para as relações interpessoais, em vez da acção prevista. Ao contrário das adaptações posteriores, o tiroteio clímax aqui dura apenas cerca de 30 segundos, tal como no verdadeiro tiroteio. Mas Ford realmente conhecia Wyatt Earp, de quem tinha sido amigo, e alardeava que teria ouvido a história do próprio Wyatt Earp. Anos depois teria admitido que nem tudo era a verdade, ao dizer algo como "Se a lenda for melhor que a realidade, filme-se a lenda", tema de um dos seus últimos grandes westerns, The Man Who Shot Liberty Valance, de 1962.

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Cavalgada Heróica (Stagecoach) 1939

Stagecoach foi o primeiro filme a reunir o realizador John Ford a três ícones do cinema, o western, o actor que viria a ser a sua estrela mais emblemática, John Wayne, e a personagem invisível presente numa série de filmes de Ford, o Monument Valley. Ford e Wayne já tinham feito Westerns antes deste filme, é claro, mas a sua colaboração aqui despertou algo ousado e incomum que iria dar nova vida ao género e ajudar a moldá-lo para as próximas duas décadas, a Idade de Ouro do Western de Hollywood. Parece que algo novo e especial está a acontecer a partir do momento em que Ford introduz Wayne como o bandido preso injustamente, apelidado de Ringo Kid. Um shot interrompe o excesso de velocidade de uma diligência, e um zoom freneticamente de um shot longo de Wayne passa para um close do seu rosto apertado, o fantasma de uma dança sorrindo com os seus lábios, a aba do chapéu curva cinzelada. Parece que Ford sabia, desde o momento em que apresentou a sua estrela, o quão fortemente esta imagem iria ressoar: a entrada de Wayne no filme é electrizante, a chegada de ambos, o bandido infame e a próxima nova estrela.
Apesar de toda esta ênfase, Ringo Kid é apenas um dos nove passageiros que acaba de entrar a bordo da carruagem, todos indo na mesma direcção, enfrentando um território perigoso atormentado pela guerra dos Apaches, por razões muito diferentes. O xerife Curly (George Bancroft) pretende impedir Ringo de provocar um banho de sangue no final da viagem, onde ele enfrentará os três homens que mataram o pai e o irmão de Ringo, e que o estão esperando. A prostituta Dallas (Claire Trevor) o embriagado médico Boone (Thomas Mitchell) estão a ser perseguidos pelos cidadãos mais "respeitáveis​​" da cidade, alguns dos quais na verdade não são tão respeitáveis como gostariam que os outros pensassem. O jogador Hatfield (John Carradine) projecta uma imagem cavalheiresca, mas só poderia ser um assassino covarde, enquanto o pomposo Gatewood (Berton Churchill) foge da cidade com o dinheiro da folha de pagamento roubado. Há também a doente Lucy (Louise Platt), tentando alcançar o marido na cavalaria, o nervoso vendedor de whisky Peacock (Donald Meek), cuja carga é uma tentação para Doc Boone, e o cochista Buck (Andy Devine), que não consegue parar de reclamar sobre a sua esposa mexicana.
Este grupo heterogéneo é composto por vários tipos de personagens, e o subtexto sobre a classe social e a respeitabilidade são tão amplamente jogados como o humor: os outros passageiros são irritados pelas brigas de Peacock e Doc Boone, até que percebem que ambos têm muito a oferecer na sua generosidade e compaixão. Apenas Ringo, ele próprio um pária como um ex-presidiário e um bandido procurado, pouco se importa com esta casta, e insiste em se referir a Lucy e Dallas como "senhoras", o que, naturalmente, faz ganhar a gratidão de Dallas. Os cenários do filme e os personagens são standards, representações familiares do Velho Oeste, gravados na pedra dura da paisagem: as grandes extensões de terra dura empoeirada, as mesas e pilares rochosos salientes do Monument Valley. Ford desenha com traços largos, a elaboração de imagens icónicas da viagem da diligência pelo país aberto, levantando um rastro de poeira atrás dela. O filme tem um tratamento especial desta paisagem westerniana, que servem como um contraste com o interior mais claustrofóbico da diligência, onde as composições de Ford são necessariamente simples no espaço apertado.
Ao longo do filme, a ameaça do ataques dos índios - e o confronto inevitável aguardando Ringo no fim da linha - paira sobre a jornada da diligência, mas é principalmente uma tensão de construção lenta até ao clímax. As coisas estão relativamente calmas na maior parte do passeio, pelo menos fora da carruagem. Os argumentos entre os passageiros, em grande parte motivados pela divisão de classes e vários deslizes percebidos, são quase tão interessantes como a beleza pictórica dos arredores. Há energia e poesia em alguns shots exteriores de Ford - uma imagem sombria da silhueta de um Ringo atrás de Dallas na escuridão, os incontáveis ​​shots do cocheiro acelerando através das planícies - mesmo quando nada mais está realmente a acontecer dentro da carruagem. E, claro, o final do filme é emocionante, com o ataque Apache a fornecer uma desculpa perfeita para alguns movimentos fantasiosos, como saltos de um cavalo para outro. Todo o filme trabalhava para este showcase de acção explosiva, e não se pode perder o entusiasmo de Ford, quando, no último minuto, os soldados da cavalaria chegam para salvar o dia: um tal cliché onde Ford investe com tal vitalidade e que é difícil resistir . A sequência toda é divertida e acelerada, e configura o tiroteio final, de Ringo com os três irmãos que mataram a sua família e o mandaram para a cadeia injustamente. 
Como um dos marcos definitivos do género, a influência e a importância de Stagecoach é difícil de evitar. Mas está longe de ser um filme sisudo, uma relíquia ultrapassada do seu tempo, apesar da sua linguagem e os dispositivos narrativos terem sido filtrados através da história do seu género, desde então.

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Directed By John Ford (Directed By John Ford) 1971

Em 1971, o jovem realizador Peter Bogdanovich, que fez parte da geração de realizadores que também nos deu Spielberg, Scorsese, Brian De Palma, Francis Ford Coppola, e muitos outros, lançou um filme intitulado "Directed by John Ford." Narrado pelo seu amigo, Orson Welles, o filme tinha uma série de entrevistas com actores que trabalharam com o realizador, assim como o próprio Ford. Entre os actores entrevistados contavam-se James Stewart, John Wayne e Henry Fonda. Enquanto a entrevista de Bogdanovich com o próprio Ford é menos informativa (ele nunca tem muito a dizer), mas dá um alívio cómico não intencional e um vislumbre revelador da notoriamente "difícil" personalidade de Ford.  
A versão original deste documentário estava disponível para exibição desde o seu lançamento, em 1971, mas já na década dos 2000's, Bogdanovich, que recebeu fundos do produtor amigo Frank Marshall, começou a re-editar o filme, e trazer novas entrevistas com contemporâneos como Scorsese, Spielberg, Eastwood, Walter Hill, e Harry Carry Jr. (um dos actores preferidos Ford). Estes novos olhares ao grande cineasta são intercalados com imagens originais de entrevistas com John Wayne (actor preferido de Ford), Henry Fonda, James Stewart, e a narração original do Welles, bem como imagens irónicas e comentários do próprio Ford.
A entrevista original a Ford foi feita com o Monument Valley como fundo, e este documentário ajuda a compreender um pouco os filmes que veremos a seguir. 

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John Ford e o Monument Valley

Monument Valley - um parque Navajo localizado ao longo da fronteira entre o Utah e o Arizona - é caracterizado pelos seus planaltos vermelho-ferrugem, arcos de arenito, e morros perfeitamente esculpidos. É uma paisagem tão inspiradora e memorável que já apareceu em inúmeros programas de TV, comerciais e filmes de Hollywood - especialmente Westerns.
O realizador John Ford apaixonou-se pelo Monument Valley à mais de 70 anos, filmando o seu famoso filme "Stagecoach", aqui, em 1939. O filme, interpretado por John Wayne, seria o primeiro de muitos que apresentam o Monument Valley como paisagem natural - e Ford viria a filmar mais oito Westerns aqui.
As histórias divergem sobre o primeiro contato de Ford com a paisagem que figura proeminente em nove dos seus filmes, mas a preferida era esta:
Em 1937, Harry Goulding, agarrando-se a um modo de fazer render o seu posto de troca, viajou até Hollywood com um punhado de fotos da paisagem em volta, desenrolou um saco de dormir nos escritórios de um estúdio de Hollywood, e esperou. John Ford, que estava para fazer um western, gostou da majestade escarpada do local, e para a alegria de Goulding, moveu uma equipa de produção para Monument Valley, três dias depois. 
Essa equipa chegou para filmar Stagecoach (1939), o filme que consumou o casamento cinematográfico de John Ford e John Wayne. Como o bandido Ringo Kid, Wayne junta-se a um grupo heterogénio de arquétipos do western - a prostituta desonrado, o médico alcoólico, o jogador confederado, o caixeiro viajante, a mulher respeitável com uma misteriosa doença - todos fazendo uma jornada incerta por todo o país indiano. País indiano que era o Monument Valley.
Ford ainda tentava descobrir a melhor forma de filmar neste novo ambiente. Concedido o filme, era praticamente impossível não encontrar uma sequência de tirar o fôlego. As projeções conhecidas da paisagem tornar-se-iam icónicas logo na sua estreia. Embora grande parte da grandeza se perca no plano, Stagecoach ainda tem muito a recomendar cinematograficamente.
O encanto de Ford por este local viria a trazê-lo de volta em mais oito filmes, entre os quais "Forte Apache", "My Darling Clementine", ou "The Searchers", o melhor western do realizador.
Neste pequeno ciclo, iremos ver todos os nove filmes de Ford no Monument Valley, e ainda o documentário de Peter Bogdanovich sobre a carreira de Ford, que também foi aqui filmado.
Até amanhã.

O que aí vêm...

Estamos quase de regresso. Enquanto os links continuam a ser actualizados, fiquem a saber da programação para as próximas semanas.

16 Agosto: John Ford e o Monument Valley





23 Agosto: Edward Dmytryk




6 Setembro:  Mike Leigh



13 Setembro: A Nova Vaga do Cinema Iraniano

Venus in Furs (Paroxismus) 1968

Em Istambul, um trompetista de jazz puxa o corpo assassinado de uma jovem mulher do mar. Ele lembra-se dela quando a viu na festa de um playboy milionário e depois viu-a ser agredida e violada pelo anfitrião e duas outras pessoas. Confuso, Jimmy, o músico, parte para o Rio, onde encontra a companhia da solidária Rita, uma cantora que o convida a viver com ela e o ajuda a recuperar o equilíbrio e a capacidade musical. De repente, entra na sala uma mulher que se parece com Wanda, a vítima da praia. Jimmy segue-a, não se importando se ela está viva ou morta. O que estará a acontecer?
Vênus in Furs de Jess Franco - muitas vezes apontado como a maior obra do autor espanhol -  inclina-se mais para a avant-garde, mas, principalmente, evita a armadilha do surrealismo. Impregnado com uma atmosfera de decadência lânguida, definida por uma batida jazzy, que começava a ser normal nos filmes do realizador, é uma história de fantasmas erótica, de obsessão e vingança que, nos seus melhores momentos é estranhamente convincente e hipnótica. Nada é realmente explicado neste filme, mas o seu feitiço sonhador é potente o suficiente para fazer com que este facto tenha pouca importância. Tal como acontece ao jazz de improviso, só temos que nos render ao clima e seguir com ele.
Venus in Furs (AKA Paroxismus) é uma peça muito bem conseguida, tanto estilisticamente como tecnicamente, um filme de arte com elementos de horror cujo erotismo é provocativo sem se tornar vulgar. Imagem e som são uma parte integrante muito importante - os compositores Manfred Mann e Mike Hugg capturam perfeitamente o espírito e o tom de sonho erótico de Franco. Mesmo que estejam longe do Leone de "Aconteceu no Oeste", as imagens do filme e a música estão perfeitamente sincronizadas que poderíamos pensar que a banda sonora foi composta de antemão e a parte visual foi feita especificamente para acompanhá-la. 
Venus in Furs é um dos favoritos pessoais de Jess Franco, de entre a sua lista colossal de filmes selvagens. Apesar do seu título em Inglês ser amplamente conhecido, apenas partilha o título e o nome da anti-heroína Wanda com a obra de Leopold von Sacher-Masoch, o infame fundador da literatura masoquista. Na verdade, o filme de Franco foi inspirado por uma conversa que Franco teve com o trompetista de jazz Chet Baker sobre os costumes da contracultura, e foi, nos seus primeiros rascunhos, um drama romântico interracial. Este aspecto ainda está presente na narrativa, mas o pouco entusiasmo dos produtores fez com que Franco reescrevesse a história para voltar ao tema que obsessivamente retratava nesta fase da sua carreira: a femme fatale sepulcral consuminda pelos seus tormentos e amantes. 
Legendado em português.

Critica do theresomethingouthere aqui.

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Ponto da situação

Bem, a situação neste momento é a seguinte:

Os seguintes ciclos já foram actualizados com links do Mega:

- Fim do Mundo
- Joseph Losey
- Terror Anos 40
- Shohei Imamura
- Comédias da Ealing
- Expressionismo Alemão
- Estradas sem fim dos Anos 70
- John Cassavetes

Todos estes ciclos já têm links a funcionar do Mega. No resto do blog ainda há muitos links do Putlocker a funcionar, mas vai ser uma questão de tempo até serem apagados.
Durante o resto desta semana e a próxima vou continuar a actualizar os ciclos para trás, e depois a partir daí, continuarei com o blog. Faltarão então ainda alguns filmes para actualizar, mas isso continuarei ao mesmo tempo de continuar o blog.
Em breve voltará tudo ao normal.
Obrigado pela vossa compreensão.

Succubus (Necronomicon - Geträumte Sünden) 1967

Os filmes de Jess Franco são de um determinado gosto, especialmente aqueles do seu período mais psicadélico no final da década de 1960. Foi durante este período que lhe foi dada uma maior liberdade criativa pelos seus produtores, algo que nem todos concordaram em ser uma coisa boa. Mas para aqueles que apreciam Franco, os seus filmes têm uma estranha sensualidade e uma ousadia que muitas vezes pende para o surreal. 
A trama é um pouco sobre o lado enigmático da vida, mas o essencial é que temos Lorna (a modelo parisiense Janine Reynaud), estrela num clube nocturno de Lisboa que combina sexo e snuff para espectadores decadentes, e onde ela tem uma relação romântica um pouco tensa com o promotor Bill Mulway (Jack Taylor). Entre frequentar festas bizarras e ter sonhos ainda mais estranhos, um homem misterioso, Pierce (Michel Lemoine, o marido de Reynaud na altura) é o libertador do demónio interior de Lorna, fazendo dela um objecto sexual insaciável com sede de sangue.
A história é bastante frágil, como o era em tantas outros filmes de Franco, mas o que realmente o torna uma obra tão importante no cinema da década de 1960, é a sensação de estarmos num sonho acordado, que é realizado durante todo o tempo do filme. Há duas sequências de sonho longos que dominam o filme, repleto de símbolos tanto auto-evidentes (comboios) como misteriosos (um vendedor ambulante de harpas em segunda mão). Estes sonhos permitem ao subconsciente de Franco algumas inclusões peculiares como um pianista (Daniel Branco), a tocar a partir de um livro de matemática. O psiquiatra de Lorna (o produtor Adrian Hoven) aparece tanto nos sonhos como no mundo real, e sua conduta é igualmente desconcertante em ambos. O mundo dos sonhos espalha-se pelo mundo real de várias maneiras, especialmente porque a psique de Lorna começa a trabalhar. Quando ela seduz uma mulher loira (Nathalie Nort) e a leva para o seu castelo barroco, as imagens da jovem acariciando Lorna oscilam entre a loira e um manequim. Lorna parece estar a dissociar-se, fazendo com que o assassinato da jovem seja mais aceitável para ela.
Reynaud é fantástica no papel central, projetando uma sexualidade determinada e séria, em parte graças à sua peruca vermelha ultrajante e maquilhagem dos olhos que embaraçariam Cleópatra. Jack Taylor, na primeira de muitas colaborações com Franco, interpreta muito bem o amante que tem os seus próprios segredos. A versão original de Franco foi cortada para um lançamento americano com cerca de oito minutos a serem perdidos no processo. É um filme-chave no catálogo de Franco, com inúmeros aspectos a reaparecerem no seu trabalho, como o espetáculo sádico de Vampyros Lesbos, o nome da personagem Lorna, que irá ser reciclada inúmeras vezes, e como a atração pelo sadismo e pelo lesbianismo.
Com uma fantástica banda-sonora jazz de Friedrich Gulda e Jerry Van Rooyen e uma fotografia luminosa de Jorge Herrero e Franz Lederle, Succubus mantém um ambiente de sonho do início ao fim. Embora se possa criticar o filme por ser muito vago ou emocionalmente distante, vendo-o, no entanto, deve apagar quaisquer dúvidas quanto ao talento de Franco como cineasta. Não há uma sequência de má qualidade em todo o filme, e se ele não tem o impacto emocional enorme de Venus in Furs, eleva-se muito acima da sua filmografia como um filme de grande habilidade técnica e enorme imaginação.
Audio em alemão, legendas em inglês.


Critica do theresomethingouthere aqui.

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