O Sargento da Força Um (The Big Red One) 1980

Em 1980, depois de 30 anos a dirigir filmes, Samuel Fuller fez aquela que esperava a ser sua obra-prima, com base nas suas próprias experiências na II Guerra Mundial, com a unidade , o "big red one". A versão de Fuller era um épico de quase quatro horas de duração. Certamente que teria sido o culminar de toda a sua obra, e de facto foi a sua obra-prima - mas só foi reconhecida alguns anos mais tarde. Não foi logo na altura porque o estúdio cortou-o para 2 horas, com narração adicionada, e uma nova banda sonora que Fuller não aprovava. Como está agora , The Big Red One é uma das muitas obras-primas do realizador, entre os seus muitos e baratos filmes de série B, como The Steel Helmet, Pickup on South Street , Shock Corridor , ou The Naked Kiss .Teria sido fantástico ver Fuller nomeado ao Óscar por este filme, mas a triste verdade é que não era um grande momento para os filmes da Segunda Guerra Mundial na bilheteria. Os filmes do Vietname, Apocalypse Now, The Deer Hunter, e Coming Home tinham tudo sido recentemente lançados, e os da Segunda Guerra Mundial pareciam já ter sido ultrapassados. Mas The Big Red One é um filme de guerra tão bom, ou melhor, do que aqueles, e ainda melhor em alguns aspectos. É provavelmente melhor do que Platoon ou Full Metal Jacket, da segunda vaga de filmes do Vietname na década de 80. The Big Red One recebeu algumas críticas respeitáveis ​​e alguns resultados na bilheteria, e desapareceu, assim como a maioria dos outros filmes de Fuller.

Lee Marvin interpreta um sargento sem nome, que tinha sobrevivido à Primeira Guerra Mundial. O filme abre com um prólogo em que Marvin mata um soldado inimigo antes de descobrir que a guerra já tinha terminado há quatro horas. Tecnicamente, ele agora é um assassino. Marvin carrega esse peso no seu grande rosto de granito ao longo de todo o filme. The Big Red One é o pelotão de Marvin, que contém quatro soldados que parecem sobreviver a todos os tipos de horror, não importa o quanto bizarro sejam, e uma série interminável de jovens recrutas que morrem antes que possamos saber os seus nomes. Mark Hamill (no mesmo ano em que fez O Império Contra-Ataca) é Griff, um cartoonista e um covarde que quase sempre parece que vai fugir, mas não o faz.The Big Red One é composta por muitas pequenas histórias desligadas, excepto pelos personagens e o cenário. A equipa sobrevive a uma emboscada alemão, liberta um grupo de idosos e mulheres italianas da escravidão pelos alemães, invade um manicómio (um retrocesso para Shock Corridor), e entrega um bébé dentro de um tanque alemão. Estas são histórias lúcidas e frescas. A memória de Fuller não desapareceu de todo ao longo de 40 anos, não há nenhum sentimentalismo, nenhuma mensagem, nenhuma justificação. É apenas um relato em primeira mão, sobre os horrores e as maravilhas da guerra. O filme termina com uma situação semelhante à do início, e sabemos que os países vão voltar à guerra, e quase nada irá mudar. Nada, excepto as pessoas que serviram na guerra. Pode acontecer como nas linhas finais do primeiro filme de guerra de Fuller, The Steel Helmet, em que o realizador proclama, No End to This Story. The Big Red One é atravessado por uma onda emocional honesta, porque consegue ser cinema em estado puro. Ele também pode ser sentido como um filme maldito, porque é o registro de alguém que sobreviveu. 

Fuller falou sobre restaurar a sua versão original, mas morreu em 1997 sem o conseguir fazer. O crítico de cinema Richard Schickel supervisionou a reconstrução que leva o filme até 158 minutos, e revela uma riqueza que faltava na versão anterior, suspeita-se que a versão de 270 minutos foi um corte brusco mesmo. O restaurado "The Big Red One" é mais capaz de sugerir a extensão e a duração da guerra, as distâncias percorridas, e torna-o num dos melhores filmes de guerra de todos os tempos. A versão aqui apresentada neste post, é a restaurada.

"The Big Red One" concorreu para a Palma de Ouro.

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Fim do Ciclo Fuller

Chegamos assim ao final do Ciclo Samuel Fuller. Um dos poucos ciclos que realizei por aqui, a integrar toda a obra de um realizador. Dos mais conhecidos, como "Cão Branco", ou "O Sargento da Força Um", aos mais raros, como "Shark", "Les Voleurs de la Nuit" ou "Street of No Return", passou por aqui toda a carreira oficial de Fuller no mundo do Cinema. De fora ficaram todas as obras do realizador feitas para televisão. 
Espero que tenham gostado, este fim de semana vem aí novo ciclo. 
Deixo-vos com mais um documentário intitulado A Travelling is a Moral Affair, realizado já nos últimos anos da carreira do realizador. Sem legendas.

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Rua Sem Regresso (Street of no Return) 1989

A história vem de um romance de David Goodis, que também serviu de base para os filmes de François Truffaut "Shoot the Piano Player", e "Dark Passage" de Delmer Daves. Keith Carradine interpreta um cantor pop que se envolve com a mulher errada e vê a garganta ser cortada por um gangster. Depois de um período nebuloso passado nas ruas, esgueirando-se através de motins raciais para encontrar algumas gotas de álcool deixadas para trás em garrafas partidas, finalmente encontra uma maneira de se vingar.

Depois do desastre de estúdio que foi "Cão Branco", Fuller voltou-se na direção de projectos europeus, depois de "Les Voleurs de la Nuit" foi este sempre estranho "Street of No Return", uma mistura alucinante de filme noir e kitsch dos anos 80, baseado num romance de David Goodis (Shoot the Piano Player). Filmado inteiramente em Portugal com um elenco internacional verdadeiramente peculiar, este foi o último filme de Fuller (não incluindo alguns trabalhos feitos para a televisão Europeia) e oferece uma resolução extraordinariamente esperançosa e optimista para uma das carreiras mais heterodoxas do cinema.

Ostentando um leque colorido de actores de apoio, incluindo Bill Duke (escalado como um policia, como de costume) e a sempre agradável Andréa Ferréol (A Zed and Two Noughts), este filme de Fuller nunca foi lançado nos Estados Unidos e manteve-se como uma espécie de nota de rodapé ímpar na sua carreira, raramente visto para além de fitas piratas nebulosas. Carradine tem um desempenho sólido e intrigante tendo em conta que não usa duplos nas sequências em que canta. Ele e Vargas fazem as cenas de amor com uma ferocidade típica dos filmes americanos, e o aspecto da vingança é tratado com uma calma muito romântica. As limitações do baixo orçamento são evidentes,e talvez por isso o filme não tenha tido mais visibilidade.
Entre as personalidades portuguesas que se encontram no filme, temos Sérgio Godinho, Filpe Ferrer, entre outros.
Legendado em espanhol.

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Thieves After Dark (Les Voleurs de la Nuit) 1984

"Les Voleurs de la Nuit" é sem dúvida o mais raro dos filmes de Samuel Fuller, mas, infelizmente, também é dos piores. Supostamente é uma homenagem à Nouvelle Vague francesa, mas em vez de exalar o individual, e o espírito jovem dos filmes franceses da Nouvelle Vague, apenas se sai como um filme dos anos 80 com pouco sal.
O próprio Samuel Fuller também não parece muito orgulhoso deste trabalho. Na sua autobiografia não menciona mais do que um par de passagens, e de cada vez que fala dele, é sempre num tom negativo. Não deve ser uma coincidência que o capítulo onde Sam Fuller discute o filme é também aquele em que explica o título do livro, A Third Face. A terceira face é a face de uma pessoa no seu interior, a que não se vê e é conhecida apenas pela própria pessoa. Diz-nos que não podemos mentir para a terceira face, e logo depois começa a falar deste filme. Talvez Fuller soubesse que este não seria bem um filme dele, mas não teve coragem de vir a público dizer isso.
O filme fala-nos sobre Isabel e François, um jovem casal apaixonado e desempregado. Eles conhecem-se no centro de emprego, desanimados sobre a frustração com a corrupção, e a burocracia lenta. O romance é rápido e furioso, tão intenso que mesmo quando a Isabel é oferecido um bom trabalho, ela rejeita-o para ficar com François. Esta é uma das muitas más decisões feitas por este casal, que vivem as suas vidas com base nas emoções fortes que estão sentindo no momento. Eles movem-se sem qualquer pingo de lógica, cavando um buraco cada vez maior na tentativa de "resolver" a crise de emprego. 
O realizador francês da Nouvelle Vague Claude Chabrol, aparece num papel bizarro como um voyeur, e é uma das muitas in-jokes/referencias à fascinação de Fuller pela cultura europeia. O elenco também contava com Bobby di Cicco, que já tinha entrado em "The Big Red One", e Stéphane Audran. O filme é estruturado como um "chase movie" e uma matriz provisória de fantasia que o torna no oposto a um thriller realista. Foi exibido no Festival de Berlim de 1984.
Filme bastante raro, sem legendas.

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Cão Branco (White Dog) 1982

O reprimido filme "White Dog", de Samuel Fuller, é totalmente louco, por falta de uma descrição mais articulada. Parte "Cujo", parte dissecação do racismo nos Estados Unidos, parte B-movie exploitation de suspense, a lenda deste estranho filme híbrido tornou-se mais interessante do que o próprio filme. 
Fuller, realizador genial de "Shock Corridor" e "The Naked Kiss", volta aos seus dias esparsos, de baixo orçamento, com "White Dog", trazendo um masculino conto moral. A lenda do "cão branco", como dita pelo vagamente sinistro, completamente histérico, treinador de animais Carruthers (Burl Ives), indica que estamos a lidar com mais do que apenas um eufemismo para o racismo: é uma vida, uma besta que respira. Na vida real, este tipo de formação de animal de ataque tinha sido contratado (por vários grupos racistas, como os proprietários de plantações ou a KKK) para rastrear e matar os escravos fugitivos, ou então, simplesmente, todas as pessoas de cor.
Fuller, que lutara na Europa durante a Segunda Guerra Mundial (levando para casa uma Purple Heart por esforços heróicos, entre outras medalhas), usa a sua experiência de campo para lidar com cães de ataque treinados pelos nazis para infundir o seu próprio filme com uma dose primal bastante credível de ameaça e terror. Um homem a degradar o seu melhor amigo com um ódio tão agressivo parece antinatural. 
O argumento tenso foi escrito por Fuller e Curtis Hanson, o realizador de  "LA Confidential", em conjunto (os dois partilhavam um relacionamento de mentor e pupilo de acordo com os extras do dvd do filme). Desenvolvido a partir de uma novela do famoso autor francês Romain Gary (aka Mr. Jean Seberg - uma activista dos direitos civis e uma actriz famosa), o material era pomposo e cheio de matéria prima para trabalhar, como era habitual nas obras de Fuller. Era também era uma obra suja de sangue, e violenta. A escolha de Fuller para dirigir o filme, mesmo que não fosse a primeira escolha, em retrospectiva, faz muito sentido, dada a sua obra económica e o status de um auteur subvalorizado. 
"White Dog" é acerca da génese do racismo na América desde que os escravos foram emancipados, e um cão branco foi treinado para matar os negros e, inversamente, reprogramado para ir atrás dos caucasianos. O filme também é sobre uma actriz mimada chamada Julie (Kristy McNichol), que salva o animal das ruas, para ser reprogramado por um homem negro. Aparentemente, o autor não gostou de envolvimento da sua esposa com os Panteras Negras na vida real, e usou esta novela para atacar e diminuir o seu envolvimento com o movimento e da própria indústria, como a personagem da "actriz" a ser totalmente insípida.

De um modo geral, é um filme com boa aparência, com um monte de boas idéias para um tempo de duração de 90 minutos eficientes, mas "Cão Branco" não é um top-tier de Fuller, em qualquer sentido, mas a sua simplicidade e natureza provocativa tornam-no atraente . O filme só foi lançado em seis cinemas na estreia, e depois, apenas passado algum tempo, teve exibição em França. Demorou dez anos para obter um lançamento em Nova York, e isso apenas aconteceu em festivais de cinema.

A mítica luta para encontrar uma audiência faz parte do fascínio geral do filme, e ele levanta a questão, se este filme tivesse sido feito por outra pessoa que não o amado Fuller, ainda seria considerada tão importante? White Dog é essencialmente um b-movie de arte - algo que o próprio Fuller era mestre. Aqui, os personagens não são realmente tão importantes como a mensagem, apesar de Winfield, como o treinador e Ives, serem incríveis conseguindo superar até o próprio argumento.

Acabaria por ser o último filme de Fuller nos Estados Unidos, abandonado e escorraçado pela indústria americana que não conseguiu compreender tamanha afrontação. Fuller ainda fez mais 2 filmes na Europa, bastante menores, terminando a filmar em Lisboa, com "Streets of no Return". 

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O Sargento da Força Um (The Big Red One) 1980

Em 1980, depois de 30 anos a dirigir filmes, Samuel Fuller fez aquela que esperava a ser sua obra-prima, com base nas suas próprias experiências na II Guerra Mundial, com a unidade , o "big red one". A versão de Fuller era um épico de quase quatro horas de duração. Certamente que teria sido o culminar de toda a sua obra, e de facto foi a sua obra-prima - mas só foi reconhecida alguns anos mais tarde. Não foi logo na altura porque o estúdio cortou-o para 2 horas, com narração adicionada, e uma nova banda sonora que Fuller não aprovava. Como está agora , The Big Red One é uma das muitas obras-primas do realizador, entre os seus muitos e baratos filmes de série B, como The Steel Helmet, Pickup on South Street , Shock Corridor , ou The Naked Kiss .Teria sido fantástico ver Fuller nomeado ao Óscar por este filme, mas a triste verdade é que não era um grande momento para os filmes da Segunda Guerra Mundial na bilheteria. Os filmes do Vietname, Apocalypse Now, The Deer Hunter, e Coming Home tinham tudo sido recentemente lançados, e os da Segunda Guerra Mundial pareciam já ter sido ultrapassados. Mas The Big Red One é um filme de guerra tão bom, ou melhor, do que aqueles, e ainda melhor em alguns aspectos. É provavelmente melhor do que Platoon ou Full Metal Jacket, da segunda vaga de filmes do Vietname na década de 80. The Big Red One recebeu algumas críticas respeitáveis ​​e alguns resultados na bilheteria, e desapareceu, assim como a maioria dos outros filmes de Fuller.

Lee Marvin interpreta um sargento sem nome, que tinha sobrevivido à Primeira Guerra Mundial. O filme abre com um prólogo em que Marvin mata um soldado inimigo antes de descobrir que a guerra já tinha terminado há quatro horas. Tecnicamente, ele agora é um assassino. Marvin carrega esse peso no seu grande rosto de granito ao longo de todo o filme. The Big Red One é o pelotão de Marvin, que contém quatro soldados que parecem sobreviver a todos os tipos de horror, não importa o quanto bizarro sejam, e uma série interminável de jovens recrutas que morrem antes que possamos saber os seus nomes. Mark Hamill (no mesmo ano em que fez O Império Contra-Ataca) é Griff, um cartoonista e um covarde que quase sempre parece que vai fugir, mas não o faz.The Big Red One é composta por muitas pequenas histórias desligadas, excepto pelos personagens e o cenário. A equipa sobrevive a uma emboscada alemão, liberta um grupo de idosos e mulheres italianas da escravidão pelos alemães, invade um manicómio (um retrocesso para Shock Corridor), e entrega um bébé dentro de um tanque alemão. Estas são histórias lúcidas e frescas. A memória de Fuller não desapareceu de todo ao longo de 40 anos, não há nenhum sentimentalismo, nenhuma mensagem, nenhuma justificação. É apenas um relato em primeira mão, sobre os horrores e as maravilhas da guerra. 

O filme termina com uma situação semelhante à do início, e sabemos que os países vão voltar à guerra, e quase nada irá mudar. Nada, excepto as pessoas que serviram na guerra. Pode acontecer como nas linhas finais do primeiro filme de guerra de Fuller, The Steel Helmet, em que o realizador proclama, No End to This Story. The Big Red One é atravessado por uma onda emocional honesta, porque consegue ser cinema em estado puro. Ele também pode ser sentido como um filme maldito, porque é o registro de alguém que sobreviveu.

Fuller falou sobre restaurar a sua versão original, mas morreu em 1997 sem o conseguir fazer. O crítico de cinema Richard Schickel supervisionou a reconstrução que leva o filme até 158 minutos, e revela uma riqueza que faltava na versão anterior, suspeita-se que a versão de 270 minutos foi um corte brusco mesmo. O restaurado "The Big Red One" é mais capaz de sugerir a extensão e a duração da guerra, as distâncias percorridas, e torna-o num dos melhores filmes de guerra de todos os tempos. A versão aqui apresentada neste post, é a restaurada.

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The Deadly Trackers (The Deadly Trackers) 1973

Depois de The Wild Bunch ter ultrapassado alguns limites em termos de violência, especialmente dentro do género western, seguiu-se uma série de westerns semelhantes: Billy Two Hats , Chato's Land, The Hunting Party , The Revengers e The Last Hard Men estavam entre os principais candidatos. "The Deadly Trackers"
também estaria em qualquer lista de westerns brutais de vinçança dos anos 70, o filme foi originalmente planeado como uma obra de Samuel Fuller, mas foi completado por Barry Shear depois de Fuller sair do projeto. O estúdio permitiu a Fuller gastar mais de 1 milhão de dólares em filmagens até que foi demitido por causa das "diferenças artísticas" com o egocêntrico protagonista do filme, Richard Harris, que simplesmente não aceitou receber ordens deste realizador. O estúdio então desfez-se da maioria das filmagens, contratando Shear para substituir Fuller, e começar tudo de novo.
O xerife irlandês Sean Kilpatrick (Richard Harris) cuida da pequena cidade do Texas de Santa Rosa, e faz questão de resolver os crimes e capturar os criminosos sem recorrer à violência. Na verdade, enunca na vida disparou uma arma de raiva , mas de alguma forma promoveu a lei total, a ordem e o respeito entre os habitantes da cidade. Os seus métodos são testados até ao limite quando o fora-da-lei Frank Brand ( Rod Taylor, numa interpretação surpreendentemente sádica) e o seu bando roubam o banco local. Durante a tentativa de fuga, os bandidos, inadvertidamente, matam a própria esposa e o filho de Kilpatrick. Devastado, Kilpatrick deixa para trás a sua atitude anti-armas e anti-violência e persegue os assassinos. A perseguição leva-o até ao México, onde ele não tem nenhuma autoridade oficial e é visto como pouco mais do que um próprio bandido. 
Não é propriamente um filme de Fuller, mas por ter sido ele a iniciar o projeto, resolvi inclui-lo neste ciclo. 

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Shark! (Shark!) 1969

Samuel Fuller ficou furioso quando viu o que os produtores tinham feito ao seu "pequeno filme de aventuras", que foi originalmente tinha sido intitulado Caine. Tentou que o seu nome fosse removido, mas sem sucesso. O que resta é realmente uma confusão, mas tem alguns traços, aqui e ali, do talento e da visão de Fuller. 
Burt Reynolds interpreta - num dos seus primeiros papéis no cinema depois de uma carreira na televisão - como Caine, um traficante de armas que se encontra preso e sem dinheiro numa pequena e seca cidade sudanesa (Fuller filmou no México). Lá, ele conhece o Prof. Dan Mallare (Barry Sullivan) e a sua filha Anna (Silvia Pinal), que tem o hábito de acender cigarros e fixá-los na boca dos homens. Dan e Anna preparam-se para mergulhar em águas infestadas de tubarões para chegar ao local do naufrágio de um navio afundado. Contratam Caine, porque ele parece "dispensável", embora as suas motivações pareçam mudar de cena para cena.
Depois de uma pausa de cinco anos em que trabalhou para a televisão, Fuller assinou contrato com uma co-produção mexicana para escrever e realizador um filme rodado no México, mas passado na costa sudanesa. Na sua autobiografia A Third Face, Fuller fala nas fabulosas refeições na villa do co-produtor mexicano, conhecendo o realizador espanhol Luis Buñuel e podendo trabalhar com um elenco interessante, que incluia a estrela de Buñuel, Silvia Pinal. Burt Reynolds já tinha participado num western Spaghetti interessante (Navajo Joe), e participou em alguns filmes de acção americanos, mas o seu grande salto seria "Deliverance", três anos depois. Fuller encontrou a produção mexicana lamentavelmente desorganizada,e não admira todos os problemas que ele viria a ter durante a produção.
Shark! é um filme nascido da ganância de um estúdio de produção. O seu título original (e muito mais apropriado) seria Caine, o nome da personagem principal. A adulteração do filme não ficou pelo nome. Havia uma certa quantidade de infâmia em volta do filme, na altura do seu lançamento. Um dos duplos morreu a filmar uma cena com um tubarão supostamente sedado, e a produtora insensatamente (mas não surpreendentemente) usou isso para promover o filme. Fuller, que já tinha chegado às vias de fato com a produtora ao longo do filme, viu isto como a gota d'água e quis saír. Shark! foi colocado nas mãos do produtor, que começou a remontá-lo e, posteriormente, estragar o filme. Quando viu a montagem final Fuller renegou-o, alegando que o seu trabalho estava irreconhecível. foi então que ele pediu que o seu nome fosse retirado dos créditos, o que foi recusado recusaram.
Filme sem legendas.

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Uma Luz no Submundo (The Naked Kiss) 1964

Uma cena que é absolutamente inesquecível, é aquela em que uma prostituta bate brutalmente num homem, onde Fuller se atira de câmera na mão, filmando na primeira pessoa, que nos obriga a alternar violentamente entre as perspectivas do agressor e da vítima. Num segundo estamos a bater, no próximo, estamos a ser espancados. Ao choque e à desorientação do efeito da violência é dado um choque adicional quando o homem derruba acidentalmente a peruca da prostituta, revelando uma cabeça rapada. A razão pela qual a cabeça é rapada não será revelada até quase ao final do filme, e o motivo paira sobre tudo o que acontece depois disso, funcionando como uma espécie de símbolo do tema central do filme.
A prostituta, cujo nome é Kelly (Constance Towers), tira 75 dólares que o homem lhe deve, rejusta a peruca, e sai para fora do apartamento. Vamos encontrá-la dois anos depois, quando ela sai de um autocarro na pequena, e aparentemente benigna cidade de Grantville. Neste altura, ela tem toda a intenção de continuar o seu negócio, com a primeira tarde romântica a ser passada com Griff (Anthony Eisley), chefe da polícia da cidade. Ele é a primeira lição de hipocrisia do filme.
A mulher, traumatizada por uma experiência no passado chamada "The Naked Kiss", finalmente, encontra trabalho como enfermeira num hospital para crianças deficientes, experiência que lhe permite encontrar um lado sensível no carinho e na paciência de seus pequenos pacientes. Aparentemente, Kelly vai encontrar a felicidade em Grant, o seu noivo e sócio de Griff, mas ela será testemunha de um evento chocante que vai ameaçar esta felicidade e até mesmo a sua saúde mental.  
The Naked Kiss era um, de dois filmes (sendo o outro Shock Corridor) que Fuller produziu de forma independente para Leon Fromkess. Fuller vinha a fazer filmes desde o final dos anos 1940, e tinha trabalhado, tanto a nível de um estúdio grande, fazendo quatro filmes para Daryl F. Zanuck na 20th Century Fox entre 1951 e 1955, e trabalhando de forma independente com a sua própria companhia de produção, onde ele fez outros seis filmes 1957-1961. No entanto, independentemente de onde trabalhava, ou para quem, Fuller sempre foi um artista ferozmente independente, fundindo as suas experiências pessoais e os assunto sensacionalistas e sempre infundindo a mistura com uma sensação inebriante de observação social e crítica política. Já tinha sido investigado pelo FBI e considerado um traidor em potencial pelo seu ponto de vista crítico da Guerra da Coreia em The Steel Helmet (1951) e ao próprio serviço em Pickup on South Street (1953), mas isso não era o suficiente para pará-lo, e muito menos impedi-lo.
Como Shock Corridor, que apresentava um jornalista empenhado em resolver um crime numa instituição mental, mas é inevitavelmente levado à loucura pelo microcosmo de insanidade americana, The Naked Kiss usa outro assunto tabloide sensacionalista para sondar o mais negro dos receios do país. A idéia de uma pequena cidade aparentemente inocente esconder segredos sombrios já não era uma coisa nova, mas há algo particularmente provocante na maneira como Fuller explora este assunto. Vemos tudo através dos olhos forasteiros de Kelly (ela está em todas as cenas do filme), que em cada canto, uma nova descoberta. Ela é uma mulher do mundo, que sabe como lidar com cada situação, e por isso é que esta situação é ainda mais perturbadora do que o que ela encontra em Grantville.

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O Corredor do Silêncio (Shock Corridor) 1963

Fuller, que tinha sido um gerador de filmes de "série B" confiáveis e controversos durante a década e meia anterior, estava a chegar ao fim da fase mais produtiva da sua carreira, quando tirou o pó de uma história que tinha pensado para Fritz Lang anos antes, e decidiu fazê-la ele mesmo. Dentro do território de Fuller, era o tipo de idéia que ele provavelmente teria tido se voltasse aos seus dias de jornalista de manchetes, quando perseguia notícias na pré-guerra em Nova Iorque: um repórter de publicidade, louco, ansioso por desvendar o caso de um assassinato ocorrido num manicómio, que finge ser louco a fim de conseguir entrar no asilo e começar a investigar.
O jornalista é Johnny Barrett (Peter Breck), um homem que já desde a adolescência sonha em ser repórter na grande cidade. Não importa o quanto a sua namorada dançarina, Cathy (Constance Towers), proteste contra a idéia, Johnny tem os olhos fixos no Pulitzer e não consegue pensar noutra coisa senão ganhá-lo. É assim que ele quer denunciar um assassinato não solucionado num hospital mental em que espera que a história lhe daria o Prémio Pulitzer. Enquanto o seu editor Swanson (Bill Zuckert) está relutante em deixá-lo fazer isso, deixa Barrett ir em frente, alegando que este tem uma relação incestuosa com a irmã. Cathy relutantemente finge ser sua irmã, e assim ele consegue entrar no hospital psiquiátrico. Tentando fazer amizade com três testemunhas: Stuart (James Best), um afro-americano chamado Trent (Hari Rhodes), e um ex-médico chamado Boden (Gene Evans), Barrett tenta obter respostas, e com o tempo no hospital a passar vai chegando cada vez mais perto da verdade, mas a sua sanidade começa a desmoronar-se... 
Inicialmente concebido como uma exposição dos horrores do sistema de saúde mental, Shock Corridor rapidamente se transforma numa outra coisa. O que Fuller acaba por apanhar é a psicopatia violenta de uma sociedade onde a xenofobia, o racismo e a paranóia da Guerra Fria foram literalmente digerindo a nação. Fuller encarna estas questões nos três doentes mentais que Johnny sabe que testemunharam o assassinato do paciente, cada um deles carrega uma ferida ou culpa.
Shock Corridor funciona como um dos grandes contos de moralidade americanos da época da Guerra Fria, digno de inclusão como um dos melhores episódios de Twilight Zone. Assim como Rod Serling sabia que só seria capaz de enfrentar os grandes temas do dia (o racismo, a xenofobia, a loucura da corrida ao armamento), apenas colocando-os num contexto de ficção científica, também Fuller só poderia colocar estes problemas sob o disfarce de uma novela pulp de exploitation.

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Bravos até ao Fim (Merrill's Marauders) 1962

Será Merrill’s Marauders um filme mal feito porque não é totalmente envolvente e divertido, ou será o filme perfeito porque lentamente drena os espectadores da sua energia e entusiasmo, colocando-os perfeitamente na pele e na mente dos soldados de infantaria? O filme é um ótimo exemplo das guerras na linha de frente, mas não é uma obra fácil de se assistir. Fuller não estava interessado em entretenimento, estava interessado na verdade, e foi isso que conseguiu.
Merrill’s Marauders abre com um noticiário sobre a selva da Birmânia. O narrador informa-nos das grandes lutas na região durante a Segunda Guerra Mundial, chegando ao fato de que um grande grupo de soldados norte-americanos foram enviados para tomar novamente a Birmânia, a fim de parar o exército japonês de chegar à Índia e se juntar aos alemãe. A história por trás do filme é verdadeira, mas não é próxima e querida ao coração de Fuller. Trouxeram-no para o projeto, e aceitou com a esperança de que seria capaz de fazer um The Big Red One, um filme que ele vinha a tentar fazer, e que só faria quase 20 anos mais tarde.
O resultado final, pode não ser dos melhores trabalhos de Fuller, mas capta a luta incessante do soldado de infantaria excepcionalmente bem. O patriotismo e o heroísmo machista que tipifica um bom número de filmes de guerra clássicos está em grande parte desaparecido. Com fome, cansados os homens marcham pelo pântano, aflitos com tifo e malária. Eles não sabem que dia da semana estão, e quando se deparam com algumas raparigas, os homens só têm energia suficiente para notar a sua presença. A certa altura, quando atingem uma área onde devem receber mantimentos, Merrill manda os homens famintos seguirem em frente porque o inimigo pode ter sido desperto pelos pára-quedas.
O grupo é grande e Fuller não se concentra demais em nenhum deles. A uma dupla de personagens é dada mais tempo no ecrã, mas estas personagens acabam por não ser importantes. Conforme o tempo passa e eles ficam cada vez mais cansados, as suas personalidades são ainda mais despojadas.

Merrill’s Marauders pode ser um filme menor na carreira de Fuller, mas tem um olhar angustiante sobre a guerra do realizador, feito com habilidade e um olhar para a verdade. Também é um filme um pouco ousado por retratar a Segunda Guerra Mundial de uma forma antipatriótica.

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Marcados para a Morte (Underworld U.S.A.) 1961

Samuel Fuller trabalhou Underworld USA (1961) como uma espécie de filme anti-gangster, a sua lógica era que, se o herói era um solitário, então, por defeito, não poderia ser um gangster. Quando jovem, Tolly Devlin viu o seu pai ser assassinado por quatro bandidos e identifica um deles. Mas antes que possa obter a vingança, descobre que o assassino foi para a cadeia por toda a vida. Tolly consegue enfiar-se na cadeia e passa anos tentando chegar a ele e, finalmente, faz, e também recebe os nomes dos outros três homens. Libertado décadas depois (e interpretado por Cliff Robertson), descobre que os seus três restantes alvos tornaram-se senhores do crime poderosos e não será fácil de lhes chegar.
"Underworld USA" não é um simples conto de vingança. É muito mais complexo, e a devoção de Tolly para a sua causa é a força motriz do filme. Está disposto a fazer de tudo para continuar a sua missão, mas o que o distingue como um personagem é a capacidade para manipular as pessoas a ajudá-lo.Tolly é um personagem fascinante, maravilhosamente trazido à vida por Cliff Robertson no seu primeiro papel de protagonista. Robertson terminou a carreira interpretando o Tio Ben nos filmes do Homem-Aranha de Sam Raimi, provando mais uma vez que os instintos de Fuller eram afiados para escolher grandes atores desconhecidos em vez de estrelas de primeiro plano.
O uso da Véspera de Ano Novo, e sua tradicional canção Auld Lang Syne, acrescentaram profundidade para a narrativa crua. A véspera de Ano Novo é um momento de renovação, quando alguns optam por fazer decisões para mudar a suas vidas e transformar a ficha limpa de um ano novo em algo positivo. A Tolly são oferecidos estes momentos de mudança ao longo do filme, mas cabe a ele escolher o caminho na vida. Estas escolhas informam o curso do filme, e, finalmente, a cena final, que nos traz de volta um círculo completo. Fuller não escreveu uma história em que as pessoas pudessem necessariamente torcer - que é provavelmente por isso que o atirou para o esquecimento - mas faz um filme muito mais excitante intelectualmente. 
É a obra mais próxima em espírito dos filmes da Nouvelle Vague francesa, do que tudo o que estava acontecer em Hollywood naquela época. 
 Sem legendas.

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