Rock Hudson's Home Movies (Rock Hudson's Home Movies) 1992

Eric Farr fala para a câmara como se falasse pelas palavras de Rock Hudson, de um diário póstumo. Com clips de mais de 30 filmes de Hudson a ilustrarem as formas como a sua orientação sexual era exibida na tela. Primeiro vemos relações ténues e não resolvidas com mulheres, depois clipes de Rock Hudson com homens, viajando e circulando. Em seguida vemos o eros pedagógico: Hudson com homens mais velhos. Vemos Rock com o seu "sidekick", muitas vezes o actor Tony Randall, e examinamos em profundidade as comédias de embaraços e insinuações sexuais, filmes em que o actor por vezes interpreta duas personagens: o "macho Rock" e o "homo Rock". 

O realizador Mark Rappaport conduz uma análise revisionista da carreira cinematográfica do famoso actor de Hollywood, com os filmes de Hudson a serem revistos com o conhecimento tardio de que ele era gay, e que acabaria por morrer com Sida. É um filme-ensaio constituido quase inteiramente por pedaços de filmes de Hudson, gravados com vídeos, muitas vezes da TV, dando-lhe uma aparência crua e saturada. Isto tira-lhe o foco da estética, dirigindo-o quase inteiramente para o diálogo, as situações, e o significado escondido subjacente à personagem de Hudson na tela. O filme é fascinante, provocativo, divertido, e muitas vezes equivocado, porque Rappaport procura ler o subtexto gay em, aparentemente, tudo o que Hudson fez para a grande tela.

Legendas em inglês.

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Deanimated (Deanimated) 2002

"Martin Arnold sujeita um clássico do cinema de terror americano de 1941 a uma cirurgia cinematográfica radical. Os actores desaparecem graças à tecnologia digital, fazendo com que o espaço cinemático se transforme no verdadeiro actor principal e fornecendo uma nova interpretação precisa e absurdamente cómica. Arnold pega no filme original “The Invisible Ghost”, no qual uma esposa “hipnotiza” o marido como parte de um plano assassino, e transforma-o em “Deanimated” – um estudo sobre a crescente desintegração dos filmes de actor. No final, o olho da câmara vagueia sobre os sets desprovidos de vida humana onde as luzes parecem ter sido apagadas, literalmente. Em “Deanimated”, a morte transforma-se na fúria do desaparecimento o que testemunha uma “insustentável transição para além da existência” (Georges Bataille). A loucura está inscrita nos rostos. O êxtase da supressão, a aniquilação do ser, a reificação do inorgânico, o olhar que busca, que já não encontra qualquer tipo de reconhecimento – estas são as fases que preparam a transição para uma rigidez catatónica (Thomas Miessgang). “Deanimated” embarca no despovoamento radical do ecrã e do auditório. Enquanto os filmes mais antigos de Arnold lidavam com o momento de sobre-ênfase através da repetição do sempre-semelhante, o tema central do filme “Deanimated” é a ideia de desaparecimento. Este velho tema, que nos é familiar dos filmes de crime e de terror, é aqui intensificado e reforçado: protagonistas essenciais do enredo são apagados do filme através de “composição digital”, as bocas dos casais que conversam são apresentadas fechadas, a banda sonora orquestrada amplifica-se para dar mais ênfase dramática aos não-acontecimentos. O que permanece são apenas vestígios de acontecimentos, provas circunstanciais escassas de situações cujas origens não são explicadas: pó que rodopia, o som de disparos, o horror reflectido no rosto de uma mulher que se afasta do vazio." Curtas de Vila do Conde.

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Film ist a Girl & a Gun (Film ist a Girl & a Gun) 2009

Filme na série de "found footage", "A Girl and a Gun" abre com uma grande sequência de Annie Oakley a mostrar a sua habilidade na frente das câmaras. Depois disso o filme afasta-se da idéia de "girl and a gun" para imagens de criação, sexo e destruição, juntando citações de filósofos gregos às imagens de uma forma bastante livre. A maioria das cenas vem dos primeiros tempos do cinema, dos primeiros 45 anos, e algumas sequências são memoráveis, principalmente as cenas dos filmes pornográficos mudos, que lembram o excelente compêndio "The Good Old Naughty Days".As ligações entre os pedaços de filmagens são por vezes disparatadas, mas o realizador Gustav Deutsch nunca constrói o filme com algum sentido narrativo. 

Gustav Deutsch realiza assim um filme bizarro e complexo que provavelmente exigirá mais do que uma visualização, para se entender o que ele está a dizer sobre a humanidade e a natureza, além de outros temas recorrentes ao longo do filme. Grande parte do filme parece uma obra de arte que deve ser estudada, analisada e discutida cena por cena numa escola de cinema. 

O realizador nasceu em 1952, em Viena, Áustria. Desenhista, músico, arquitecto, videomaker, os seus filmes têm um carácter experimental e investigativo. Em 1982 iniciou a sua carreira no cinema com a curta "Asuma", mas a sua estreia nas longas deu-se em 1998 com um documentário chamado "Film ist.". 

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Star Spangled to Death (Star Spangled to Death) 2004

Se em "Tom, Tom, the Piper’s Son" Ken Jacobs desconstruiu um velho filme mudo para a frente e para trás, separando e recontextualizando de todas as formas possíveis, em "Star Spangled to Death" vamos encontrá-lo de novo a trabalhar com "found footage", apresentando uma variedade de fontes que ofuscam a verdade, destacando a hipocrisia e distraindo-nos dos nossos verdadeiros problemas. Desenhos animados, discursos de Nixon, bobines "educativas" mostrando filmes... tudo junto para criar uma enorme carga de ruído. Por vezes contém interjeições cómicas, com som ou legendadas, ou um breve clip para criar um contraste ou alegoria. Outras vezes estes pedaços são-nos mostrados intactos, e tendem a ser mais problemáticos. Para um filme não-narrativo com uma duração tão prolongada (mais de 6 horas), é surpreendentemente atraente, mas alguns dos componentes testam a paciência do espectador, indo parar a meia hora, ou mais com poucas interrupções. Aqui, o filme funciona mais como uma colagem do que uma montagem, mas para ser justo, estes segmentos tornam o material mais interessante, por vezes repugnante, por vezes divertido, por vezes ambos. 

Os alvos de Jacobs são muitos: racismo, exploração, capitalismo, ganância, Nixon, Rockefeller, Islão, Israel, religião, a Guerra do Iraque, e, principalmente, a administração de Bush. Por vezes as suas abordagens são complexas, as suas promessas sobre Israel reconhecem os verdadeiros problemas que estavam a tentar resolver, e os verdadeiros problemas que a administração de Bush criou. Na luta contra o racismo são incluídos uns desenhos animados extremamente horríveis: “Uncle Tom and Little Eva,” mas também inclui clips de Oscar Micheaux e Al Jolson. Jacobs está ciente de que Micheaux foi um dos primeiros cineastas negros, e de que Jolson estava longe de ser um racista.

Não é um filme para toda a gente. O seu conteúdo enfurece contra a passividade e a complacência entre o público, mas é indispensável para os amantes do cinema vanguardista, e para quem quiser compreender os ensaios audiovisuais.

Parte 1
Parte 2
Parte 3
Parte 4
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Tom, Tom, the Piper's Son (Tom, Tom, the Piper's Son) 1969

"Tom, Tom, the Piper’s Son" de Ken Jacobs, é uma remontagem seminal de uma curta de 1905, com o mesmo título, que transforma o que era essencialmente uma cena de perseguição prolongada apresentando uma multidão cómica de aldeões numa meditação sobre a forma como vemos os filmes. Certamente que o filme reforça a noção tão profetizada de que um dos objectivos do cinema de vanguarda é treinar o espectador para ver ver cinema, e o próprio mundo, com outros olhos. Depois de nos fornecer a curta no seu formato original Jacobs re-expõe o filme ao público continuamente, mostrando uma miríade de detalhes que seriam impossíveis de se notar em apenas uma visualização, andando para trás e para a frente, fazendo zooms, para chamar a atenção do espectador. A partir destes close-ups vai-se criando uma perspectiva alternativa sobre os eventos da curta, mostrando que a linguagem cinematográfica não é tão linear como parece.

A abordagem de Jacobs tem o curioso efeito de simultaneamente abstrair e detalhar o conteúdo do filme que assistimos. Como espectadores, ficamos  a par dos detalhes que nos escaparam na nossa visão inicial, cuja memória coloca um número surpreendente de elementos no contexto. 

Ken Jacobs é um pintor expressionista abstracto de Nova Iorque, que se arriscou pelo mundo do cinema experimental, com uma carreira que já dura desde os anos cinquenta até aos dias de hoje.

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Cliente Morto Não Paga a Conta (Dead Men Don't Wear Plaid) 1982

Juliet Forrest (Rachel Ward) está convencida de que a morte reportada do seu pai, num acidente de carro na montanha, não foi um acidente. O pai era um famoso cientista de queijos, que trabalhava numa receita secreta. Para provar que aconteceu um crime, ela contrata os serviços do detective privado Rigby Reardon (Steve Martin). Este encontra um pedaço de papel com uma lista de pessoas intitulado "os amigos e inimigos de Carlota". Ao procurar respostas vai esbarrar com homens e mulheres perigosos, que eram as marcas dos filmes de detectives clássicos dos anos 40 e 50. 

O realizador Carl Reiner (que escreveu o argumento com George Gipe e Steve Martin) faz uma autêntica homenagem ao film noir, e dá a este filme um toque muito especial, integrando na acção clips de 18 filmes dos anos 40 e 50. Um exemplo, Humphrey Bogart, como Marlowe, aparece como o assistente arruinado de Reardon, incluindo cenas reais de filmes como In a Lonely Place, Dark Passage, ou The Big Sleep. Ao longo do filme, e por trás dos ombros das nossas personagens, vão aparecendo actores como Alan Ladd, Ray Milland, Burt Lancaster, Barbara Stanwyck, Cary Grant, Ava Gardner, Ingrid Bergman, James Cagney, e Bette Davis, que parecem interpretar ao lado dos protagonistas de hoje em dia.

"Dead Men Don't Wear Plaid" funciona melhor para quem conhece de raíz o movimento do film noir. Steve Martin tem um desempenho de alto nível, Rachel Ward era uma estrela em ascenção, na sua terceira longa metragem, e dá ampla evidência da sua beleza e talento. A montagem de Bud Molin e a fotografia de Martin Chapman também merecem elogios pelo seu esforço hercúleo em misturar pedaços de filmes antigos, com filmagens novas. 

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The Thoughts That Once We Had (The Thoughts That Once We Had) 2015

Descrito num texto de abertura como "história pessoal do cinema, parcialmente inspirada por Gilles Deleuze", ”The Thoughts That Once We Had" é uma rica exploração de conceitos-chave centrais para a influente teorização histórica dos dois volumes do filósofo francês. Um filme de found-footage composto inteiramente de clips de filmes não identificados, muitas vezes reconhecíveis, e de legendagens concisas escritas por Andersen, "The Thoughts That Once We Had" saltam associativamente, como Deleuze, através de um vasto território, que vai desde Griffith a Godard, usando dinamicamente imagens cinematográficas não para serem explicadas, mas para incorporar as ideias Deleuzianas em toda a sua rica ambiguidade e nuances. Andersen surpreendentemente evita a sua voiceover, que já era assinatura.

Alguns dos momentos mais poderosos em "The Thoughts That Once We Had" são declarações pessoais que aparecem legendadas e que rompem com temas claramente Deleuzianos, o mais impressionante para dar ressonância emocional a imagens de guerra e destruição, Coreia do Norte e Hiroshima, com Andersen a certa altura, a interrogar e expandir o universo de "Hiroshima Mon Amour". São momentos que pedem ao espectador que reconsidere as tragédias históricas da era do cinema com "imagens em movimento", em todos os sentidos do termo. Como Deleuze, a cinefilia infecciosa de Andersen é um amor pelo cinema - uma vida no cinema - e está fundamentada numa compreensão ética e filosófica do filme que descreve uma trajectória clara em todos os seus principais filmes.

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The Tony Longo Trilogy (The Tony Longo Trilogy) 2014

Quem é Tony Longo? Um ator que apesar de limitado a pequenas aparições em filmes é um axioma do cinema de ação de Hollywood: o gigante mudo que é guarda costas do mau da fita mas que tem um coração demasiado bondoso. Composto por três partes, "Hey Asshole!", "Adam Kesher" e "You Fucking Dickhead!", a trilogia de Tony Longo mostra-nos todas as cenas mais carismáticas do ator: "The Takeover" (Troy Cook, 1995), "Living in Peril" (Jack Ersgard, 1997) e "Mulholland Dr." (David Lynch, 2001). Tony Longo não é um ator famoso ou facilmente reconhecível e Thom Andersen ironiza com esse facto dando um rosto ao nome que nos é desconhecido. (Sérgio Gomes) 

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Los Angeles Plays Itself (Los Angeles Plays Itself) 2003

Uma pérola do cinema do inicio do século XXI, a obra prima de Thom Andersen, "Los Angeles Plays Itself" é um épico do cinema de ensaio e um filme propositadamente sinuoso, que destila uma uma história polémica pelo seu extenso levantamento crítico do uso e abuso da mítica Cidade dos Anjos por uma impressionante gama de filmes blockbusters de Hollywood, filmes de género de baixo orçamento, filmes independentes, experimentais, e até mesmo pornográficos. 

A rigorosa montagem de Anderson, cena após cena, para a real e imaginária Los Angeles é ajudada por regressos frequentas às "cena do crime" de exteriores, graças ás filmagens contemporâneas de  Deborah Stratman. O ritmo do filme vem dos comentários hábeis e mordazes de Andersen (falados pelo cineasta Encke King), que permanece~m sempre imperiosos na sua cuidadosa revelação das maiores forças históricas, culturais e ideológicas que tornam a cidade cinematográfica tão vivida.

No entanto, mais do que uma correcção ao senso do lugar e da história do cinema, "Los Angeles Plays Itself" poderosamente usa contra-exemplos raros como "The Exiles" (1961), de Kent MacKenzie ou "Bless Their Little Hearts" (1984), de Billy Woodbury, argumentando que as indignidades e falsos mitos tão frequentemente impostos a Los Angeles pelo cinema, são expressões directas da verdadeira injustiça sofrida por tantos dos seus deslocados, desprotegidos, ou habitantes silenciosos. Com "Los Angeles Plays Itself" Anderson definiu uma concepcção distinta da análise cinematográfica, e alcançou um status de culto duradouro, confirmado pela grande emoção e aclamação que teve depois do seu re-lançamento, em 2014, mais de 10 anos depois da sua estreia em Toronto.

Filme sem legendas.

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Red Hollywood (Red Hollywood) 1996

Thom Andersen junta-se ao teórico de cinema, cineasta experimental e colega da Ohio State University Noël Burch, para elaborar uma história revisionista meticulosamente poderosa sobre artistas comunistas a trabalharem em Hollywood durante o auge da era do Estúdio. O filme "Red Hollywood" foi inspirado por um artigo escrito por Andersen uma década antes, para desafiar preconceitos calcificados sobre aqueles artistas que foram injustamente acusados e colocados na lista negra de Hollywood por causa da sua simpatia com a esquerda, e que ainda sofreu a indiferença geral de estudiosos e historiadores pelos seus trabalhos pioneiros.

Apesar de apresentar extensas e fascinantes entrevistas com os membros do lendário Hollywood Ten, incluindo grandes reviravoltas por um ainda muito desafiante Abraham Polonsky, "Red Hollywood" consegue fincar os seus pontos e as suas opiniões pessoais, separando cuidadosamente cenas temáticas organizadas a partir de mais de cinquenta pedaços, com uma ressonância (narrada pelo colega de Andersen da CalArts e realizador Billy Woodbury), discutindo e dissecando os seus significados latentes, deixando claro que esses artistas dedicados viam o cinema como uma ferramenta vital nas batalhas ideológicas e reais que se deram durante os anos da Grande Depressão através do "Red Scare". As dimensões políticas do cinema de Hollywood raramente foram examinadas com tanta precisão e paixão.

Filme sem legendas. 

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Trilogia Cinemascope (Cinemascope Trilogy) 1997-2001

L’Arrivée (1997-8), Outer Space (1999) e Dream Work (2001) formam esta série de filmes chamada de "trilogia CinemaScope", realizada por Peter Tscherkassky. Nos três casos, são filmes de found footage, que utilizam um material estrangeiro, imagens "encontradas". Para L’Arrivée, foram retirados alguns planos de Mayerling (dir. Terence Young, Inglaterra, 1969) e os outros dois episódios retiram imagens do thriller The Entity (dir. Sidney J. Furie, EUA, 1983).

O elemento formal que liga a trilogia é uma técnica à mão e frame a frame para a película por revelar. Através deste processo, somos capazes, literalmente, de perceber o mecanismo central através do qual os sonhos produzem significados, o "trabalho dos sonhos," como observou Sigmund Freud: descontextualização [Verschiebung] e a condensação [Verdichtung]. A nova interpretação do material original tem lugar através da sua "deslocação" do contexto original e a sua posterior "condensação" por via de múltiplas exposições.

O filme de found footage tem uma longa tradição no cinema de vanguarda, tradição essa que começa nos anos 20 com os filmes de Joseph Cornell e Len Lye. A trilogia CinemaScope distingue-se pela transformação específica à qual submetemos o material de partida durante a realização desses filmes. 

 L’Arrivée (1997-8)
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Outer Space (1999)
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Dream Work (2001)
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Três Curtas

Rose Hobart (Rose Hobart) 1936

"Rose Hobart", é uma montagem de 19 minutos retirada do filme de 1931 da Universal Pictures, "East of Borneo", e de outros filmes, que parece um estudo sobre o movimento que retrata as ondulações da água depois de uma grande pedra ser atirada a uma lagoa. Nas raras ocasiões em que é exibido o filme mudo, acompanha-o uma gravação de "Holiday in Brazil" (1957), do compositor brasileiro Nestor Amaral, que contribui com algumas canções não autorizadas para "The Gang’s All Here" (1943), com a sua compatriota brasileira Carmem Miranda. O realizador Joseph Cornell viria a projectar o filme a uma velocidade mais lenta através de um filtro azul, embora anos mais tarde usasse um filtro côr de rosa.

Joseph Cornell era um pioneiro que trabalhou e influenciou com cineastas da vanguarda como Stan Brakhage e Rudy Burckhardt."Rose Hobart" é o seu filme mais conhecido.

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Alone. Life Wastes Andy Hardy (Alone. Life Wastes Andy Hardy) 1998

Mickey Rooney e Judy Garland são clonados num musical experimental. O ponto de partida é uma série de cenas dos dias em que ambos eram adolescentes dos dias da série de musicais familiares de Busby Berkeley. Estes são colocados numa nova ordem, e perante os nossos olhos andam para trás e para a frente num adágio suave. 

Durando apenas 15 minutos, e consistindo inteiramente de pedaços de filmes retirados das comédias de adolescentes de Andy Hardy, "Alone. Life Wastes Andy Hardy", de Martin Arnold é uma pequena obra-prima, uma curta experimental que desconstrói o cinema narrativo separando as cenas dos filmes de Hollywood frame a frame, repetindo cenas chaves em movimentos tão lentos que revelam subtextos ocultos criando novos significados para momentos anteriormente inócuos.

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The Film of Her (The Film of Her) 1997

"The Film of Her" baseia-se na história do funcionário da Biblioteca do Congresso que guardou um cofre de bobines, documentando os primeiros dias do cinema, do incinerador. Um magnifico tributo à origem das formas de arte, esta curta de 12 minutos é atravessada pela memória deste homem, que fixou na sua mente desde a infância a imagem de uma mulher que viu num filme pornográfico dos primeiros tempos. "The film of Her" é o que leva o funcionário a salvar os filmes, essa memória colectiva, e também serve como ponto focal para os pensamentos de Bill Morrison sobre a experiência pessoal e o acontecimento histórico.

Bill Morrison criou uma filmografia de mais de trinta trabalhos que foram apresentados em cinemas museus e galerias pelo mundo inteiro. Fazendo uso de imagens de arquivo raras, muitas vezes danificadas pelo passar do tempo, Morrison explora o poder do filme como um meio que evoca a memória e dá origem a um senso de mitologia colectiva.

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Phantom Power (Phantom Power) 2016

"Este filme de Pierre Léon é uma belíssima, inclassificável, obra, que evoca um trabalho sobre a memória e a biografia, mas também o cinema. A Viennale apresentou-o como um trabalho composto em intervalos irregulares, oscilante “entre filme de família experimental e mise en scène teatral, material de arquivo e montagens documentais”, “uma série poética de fragmentos cinematográficos”, com música popular russa, canções de Ingrid Caven, a encenação de pequenas cenas, uma montagem de excertos de filmes de Fritz Lang, motivada pelos muitos e muito importantes planos de mãos nos seus filmes" Cinemateca

Pierre Léon é realizador, encenador, actor, tradutor, músico e crítico.Nascido em 1959 em Moscovo, onde o pai era correspondente do L’Humanité, Léon passou boa parte da juventude na Rússia, não sendo de espantar a presença regular, nos seus filmes, da Rússia e de elementos da cultura russa – #Octobre" ou "L’Adolescent", que é, como "L’Idiot", uma adaptação de Dostoievski. Em Paris fez-se “cinéfilo”, crítico de cinema (pertence ao conselho de redacção da Trafic, escrevendo assiduamente na revista), actor (por exemplo em filmes de Jean-Claude Biette, de quem foi colaborador regular) e realizador, alternando ficções “clássicas” (Chekhov, para além de Dostoievski) e outras menos ortodoxas, frequentemente num registo “familiar” (e videográfico), em torno de um núcleo constante de amigos e colaboradores (como o irmão Vladimir, também cineasta. 

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Decasia (Decasia) 2002

"Decasia" é o que pode ser chamado de um trabalho de arquivo, reunindo imagens a preto e branco em nitrato de vários filmes antigos, como se para garantir que essas imagens esquecidas permanecessem vivas por muitas gerações - principalmente porque o filme fisicamente se tem deteriorado, tornando este documento de decadência em filme, uma obra em toda a sua beleza e esplendor.

Bill Morrison que dirigiu, produziu e montou, toma como ponto de partida as fascinantes abstracções que o dano produziu, em vez das imagens que estão dentro do filme, e constrói-se a partir daqui. A partir deste ponto de vista, é a deterioração que forma a narrativa, como se fosse uma forma estranha não muito diferente de "The Blob" ou o monstro de "The Forbiden Planet", que aterroriza excertos de filmes mudos e filmagens documentais.

Muitas das imagens que o realizador Bill Morrison escolheu, não são apenas decadentes mas também retratam variações no processo de decadência, imagens de pedras a serem erodidas pelas ondas, distorções de uma casa a arder, e uma mulher a ser bronzeada sob luzes. Além disso, muitas das figuras que povoam estas imagens estão agora confinadas aos anais do anonimato. "Decasia" liga cuidadosamente a sua mensagem ao seu meio, mostrando a mesma fragilidade e transitoriedade tanto do esforço humano como do material fotográfico concebido para comemorá-lo. "Decasia" não é apenas uma festa psicadélica para os olhos, mas também uma lembrança cinematográfica demonstrando que nada perdura e tudo existe em fluxo.

Não esquecer que "Decasia" é uma referência a "Fantasia", com o título a dar uma sugestão de onde o realizador quer chegar.

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O Ensaio Audiovisual

"No dia em que poderá dispor de um certo material cinematográfico como se dispõe de citações em literatura, nesse dia, o projecto de Godard poderá efectivamente ser realizado, e eu desejo isso com todo o meu coração."

Jean Mitry em 1979 a propósito do, ainda por “redigir”, Histoire(s) du cinéma de Jean-Luc Godard

"O futuro da reflexão, crítica e académica, sobre o cinema passará inevitavelmente pela criação de uma caneta-câmara que permita uma escrita realizada directamente sobre as imagens. Godard, que nunca deixou de se assumir como um crítico de cinema, dizia que as imagens eram complementos de ideias. Ora, o ensaio audiovisual propõe despertar essas ideias na pele das próprias imagens. Roland Barthes referia a actividade da crítica como um embate com a insuficiência, ou os limites, da linguagem. Filomena Molder afirma que a obra contém em si as condições da sua própria criticabilidade.

O que este ciclo propõe é fornecer as ferramentas para se construir ou desconstruir um edifício, bloco a bloco, no contacto directo com os materiais dessa construção ou desconstrução. Ao cinema o que é do cinema? Em 1979, Jean Mitry antevia no projecto louco de Godard, de fazer um filme não sobre mas que contivesse a sua visão particular da história do cinema, a possibilidade de formação de um cinema que ensinasse cinema. Através do ensaio audiovisual, promete-se, assim, a concretização de uma crítica imanente tal como a formulou Benjamin na sua colecção de citações ou montagem paracinematográfica que é O Livro das Passagens. Se outrora citar directamente a imagem de um filme era um problema técnico e epistémico demasiado problemático para ser encarado, hoje as novas tecnologias impõem um pensamento não tanto sobre as imagens, mas já “entre elas”, “com elas”. Uma nova metodologia ou, mais, uma nova epistemologia afirma-se, já que com o acesso a um conhecimento (um argumento, uma tese, uma ideia ou um conjunto de ideias) revelado em si, estaremos no limiar da pura crítica: “a pura crítica por citações”, escreveu Benjamin com desencanto e ansiando a mudança, “permanece ainda inteiramente por elaborar”.

O My Two Thousand Movies foi convidado para realizar este ciclo em conjunto com o Curso Livre O Ensaio Audiovisual e a Escrita sobre Cinema, da Faculdade de Ciências Sociais e Humanas, da Universidade Nova de Lisboa, e pretende ser uma espécie de guia mediático para o ciclo, apresentando os filmes essenciais para este curso. Percorreremos os antepassados do ensaio audiovisual, num caminho que nos levará a conhecer alguns realizadores vanguardistas, como Joseph Cornell, Ken Jacobs, Martin Arnold, Peter Tscherkassky, Gustav Deutsch, Bill Morrison, entre outros.

Fiquem atentos, e poderão começar a ver os filmes já a partir de amanhã.