Alley Cat (Dora-heita) 2000

Samurai Koheita Mochizuki, que tem o apelido de Dora-Heita, que significa "alley cat", ou "playboy", é um novo magistrado numa pequena cidade, que finge ser alcoólico, mas na verdade foi enviado para limpar esta cidade corrupta e sem lei. A sua tarefa é complicada pela chegada inesperada de uma mulher...

Com a indústria cinematográfica japonesa à beira de um colapso entre 1969/70, quatro dos seus realizadores mais importantes, Akira Kurosawa, Masaki Kobayashi, Keisuke Kinoshita, e Kon Ichikawa, formaram uma produtora a que chamaram de "Club of the Four Knights" (Yonki no kai). Esperavam que esta produtora amplamente financiada ajudasse a revitalizar o cinema do seu país, mas o seu primeiro filme, Dodes'ka-den (1970), de Akira Kurosawa foi um fracasso financeiro, e a produtora entrou em colapso, com cada um deles a seguir depois por caminhos diferentes.

Um dos projectos desta equipa que nunca passou do papel, seria este "Dora-Heita", dirigido por Kon Ichikawa muitos anos depois, numa altura em que os outros realizadores já tinham falecido. Ichikawa tinha então 84 anos, e o argumento do filme seria creditado a si, e aos outros três realizadores, porque supostamente eles iriam realizar o filme em conjunto, embora seja difícil de imaginar o que poderia sair dali.

Com um herói guerreiro moralmente ambíguo, o argumento aproxima-se mais a "Yojimbo" e "Sanjuro" de Kurosawa, e tal como estes também foi baseado num livro de Shugoro Yamamoto, embora cinematograficamente o filme não tivesse nada a ver com os filmes de Kurosawa, A desconstrução geral do mito samurai e todos os aspectos cerimoniais e hierárquicos são extremamente bem sucedidos, e o elenco de apoio é brilhante, com actores associados a um ou mais dos argumentistas. Este é o último filme deste ciclo. 

Legendas em inglês.

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47 Ronin (Shijûshichinin no Shikaku) 1994

No Japão de 1701, Asano,  o daimyo de Ako, agrediu Kira (Rie Miyazawa) um oficial do Shogunate, no castelo de Edo, crime pelo qual foi condenado a cometer suicídio. No ano seguinte, um dos antigos guardiões de Asano, Kuranosuke Oishi (Ken Takakura), reúne um grupo de outros seguidores do seu senhor e com eles conspira para se vingar de Kira, a quem ele considera responsável pela morte de Asano. 

Desde o início até ao fim, dificilmente há um momento do filme que não seja cativante. Organizando cuidadosamente os seus cenários e as suas personagens, coreografando perfeitamente os movimentos destes últimos, e filmando cada imagem encantadora com tremenda habilidade, Ichikawa criou uma bela visão para a historia do cinema. Praticamente todos os instantes de cada cena apresentam ao espectador um quadro impressionante, quer ele enquadre um bando de samurais que conspiram à noite com silhuetas de árvores, ou mostre o líder desses homens diante da entrada de uma casa sob um galho de uma árvores carregado com flores de cerejeira. ou simplesmente apresente dois personagens sentados em silêncio numa sala austera, tudo é pura poesia cinematográfica.

Realizado em 1994, é uma das muitas versões desta famosa história, e é basicamente uma reformulação do cinema de samurais de final dos anos sessenta, período no qual Ichikawa foi muito activo. O protagonista é Ken Takakura, que tinha protagonizado cinco anos antes um filme de Ridley Scott, "Black Rain".

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Princess from the Moon (Taketori Monogatari) 1987

Quando uma misteriosa luz aparece no céu, um casal pobre investiga e encontra uma pequena cápsula perto do túmulo da sua filha. A cápsula abre-se para revelar um bébé que se parece muito com a filha. Decidem adoptá-la e ela cresce tornando-se uma jovem de excepcional beleza, incapaz de decidir qual dos seus muitos pretendentes realmente a ama. Quando ela toma uma decisão final descobre onde estão as suas origens, e não é na Terra... 

Toshirô Mifune e Ayako Wakao, dois já veteranos do cinema japonês são o casal central deste filme de fantasia, baseado numa história tradicional japonesa que não é muito familiar para o público ocidental. A mesma história deu origem a um outro filme produzido pelos estúdios Ghibli intitulado "The Tale of the Princess Kaguya", lançado em 2013, mas a esta primeira versão, produzida pelos estúdios Toho, foi dada à história uma reviravolta ficcional mais cientifica.  

Foi estreado com o 55º aniversário do Estúdio Toho. Ichikawa observou que queria fazer esse filme há muitos anos, e a sua intenção era fazer um filme de pura diversão. Foi selecionado como filme de abertura para o Festival de Cinema de Tóquio, onde não foi bem recebido pelos críticos. Os estúdios promoveram o filme fortemente, e tiveram o segundo maior retorno nesse ano. 

Legendas em inglês.

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The Makioka Sisters (Sasameyuki) 1983

Baseado num livro popular de Junichiro Tanizaki, esta adaptação japonesa realizada por Kon Ichikawa, centra-se na história de quatro filhas de uma família da classe alta de Osaka, herdeiras de uma grande fortuna. As duas irmãs mais velhas, Tsuruko e Sachiko, são casadas, e sentem-se obrigadas a encontrar pretendentes adequados para as duas irmãs mais novas, a tímida Yukikio, e impedir que Taeko, a mais independente, envergonhe a família casando com alguém de uma classe mais baixa.

"The Makioka Sisters" é uma soap opera à grande moda japonesa, com a apresentação da rivalidade entre irmãos (neste caso, irmãs"), disputas domésticas, escândalos, e o refluxo da tradição sob o ataque do modernismo. O filme oferece ainda aos ocidentais um vislumbre revelador dos conflitos de classes e algumas repercussões cómicas do sistema japonês e da selecção de parceiros para as mulheres jovens.

O tom sereno é sintomático do facto de que o filme não é sobre o fim de uma era, mas sobre o começo de uma. A acção passa-se em 1938, perto do início da era Showa, no Japão, um período tempestuoso que terminou em 1989 com a morte de Hirohito, e inclui eventos traumáticos importantes como a guerra sino-japonesa, a Segunda Guerra Mundial e a ocupação Aliada do Japão. Nesse contexto é importante observar que Ichikawa optou por tratar o melodrama pré-guerra não como um preludio ingénuo para tempos mais sombrios pela frente, mas como um período brilhante de mudança iminente. 

Legendas em inglês.

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The Devil´s Island (Gokumon-to) 1976

1946. Um detective pitoresco investiga os assassinatos de três irmãs numa pequena ilha japonesa. Lá ele encontrará uma comunidade fechada e suspeita de forasteiros, na qual acontecem uma série de assassinatos planeados a sangue frio, e que estão para além da razão.

Kon Ichikawa a revisitar o nundo de Kosuke Kindaichi neste "The Devil´s Island". Era a terceira de cinco vezes que o faria, mas será o último filme da série que veremos neste ciclo. "The Devil´s Island" seria adaptado de uma forma confusa do segundo livro da série de Kindaichi, e passa-se alguns anos antes da adaptação anterior de Ichikawa, "The Devil´s Ballad". O facto de ambos os filmes se chamarem "The Devil´s" é pura coincidência. 

Como nas duas adaptações anteriores de Kindaichi, Ichikawa mantém o cenário imeadiato no pós-guerra, embora desta vez a guerra seja anterior e de fundo, pois a nossa história passa-se em solo profano, uma ilha pirata que já foi o lar dos criminosos mais hediondos exilados do Japão. Como se pode supor, a história não está longe dos livros de Agatha Christie, e vale a pena pela curiosidade, e por também ter feito um enorme êxito nos cinemas japoneses da altura.

Legendas em inglês.

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The Devil's Ballad (Akuma no Temari-uta) 1977

Kôsuke Kindaichi é um detective privado um tanto peculiar que está de visita a uma cidade isolada. Lá ele conhece um detective, e juntos começam a investigar um crime não resolvido com vinte anos, e, de repente, uma nova vaga de crimes começa a acontecer. Kindaichi deve descobrir o que aconteceu no passado, para saber quem é o assassino.

Kon Ichikawa regressa a Kôsuke Kindaichi o popular personagem de Seishi Yokomizo, depois do enorme sucesso do filme do ano anterior, "The Inugami Family". Kindaichi foi a estrela de 77 histórias diferentes e dezenas de adaptações cinematográficas, um detective inteligente mas humilde, uma vez mais interpretado por Kôji Ishizaka, em mais uma óptima representação. 

Assemelha-se ao filme anterior em muitos aspectos. Muito confuso no início, envolvendo uma maldição antiga, uma música folclórica, antigas rivalidades familiares e duplas identidades. Depois de 40 minutos começa-se a cristalizar uma história envolvente, onde Ichikawa emprega alguns truques estilísticos e uma montagem abrupta, onde mantém os espectadores interessados dando à história alguns solavancos inesperados. Tal como no filme anterior, nem tudo é o que parece.

No que diz respeito aos filmes de mistério era uma obra muito à frente do seu tempo. A quantidade de factos e nomes que se deve processar nos primeiros 40 minutos é avassaladora, portanto a atenção aos detalhes é um pré-requisito muito importante. 

Legendas em inglês.

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The Inugami Family (Inugami-ke no Ichizoku) 1976

O chefe da rica família Inugami morre, e deixa para trás um último desejo que vai desapontar quase toda a gente. O único beneficiário é uma jovem que não faz parte da família, mas há um problema: ela tem que se casar com um dos três netos do velho, e se não o fizer a herança será dividida entre os parentes mais próximos. Naturalmente, as pessoas começam a brigar, e algumas começam a ser mortas. É então que o nosso protagonista, o detective Kindaichi, entra em cena, só que toda a gente mente, e ninguém é o que diz ser...

Ao contrário de muitos dos seus contemporâneos, Kon Ichikawa foi capaz de continuar a trabalhar durante os turbulentos anos 70 e 80, porque estava pronto a assumir projectos puramente comerciais. O sucesso fenomenal e extremamente inesperado de "The Inugami Family" colocou-o numa posição privilegiada durante uns bons anos, durante os quais ele realizou mais quatro filmes interpretados por Kôji Ishizaka no papel do detective Kôsuke Kindaichi, personagem dos livros de Seishi Yokomizo, com cada filme a ser um sucesso comercial, em parte graças à grande estratégica de marketing de Haruki Kadokawa, o produtor, que se iniciava nas lides cinematográficas com o primeiro filme da série. 

Um filme que é reminiscente dos trabalhos de Agatha Christie, mas mesmo que "The Unugami Family" seja sem dúvida parte do género de "detective", também há muito mais do que isso. O filme possui ainda elementos notáveis de terror, drama familiar, e até comentário social, mas o argumento inteligente à parte, é a realização de Ichikawa que o eleva acima dos outros do género, com a parte visual, principalmente, a ser deslumbrante.

Legendas em inglês.

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The Wanderers (Matatabi) 1973

Seguimos a vida de três amigos no degrau mais baixo da ordem social da Yakuza (muitas pessoas confundem este filme como sendo sobre 3 Ronin, mas definitivamente esse não é o caso, e fica claro na narração de abertura). Os três protagonistas são de facto toseinins, camponeses errantes que abandonaram a família e o lar por uma vida de aventuras e pequenos crimes, viajando entre as casas da Yakuza em busca de abrigo, trabalho e comida. O filme centra-se na vida de Genta, um jovem em conflito entre o desejo (da família e do amor) e a obrigação (para com o código da Yakuza).

"The Wanderers" pretende ridicularizar qualquer código, uma vez que códigos rígidos frequentemente comprometem a nossa própria moralidade e humanidade. A única personagem que realmente é mostrada a rejeitar um código é a jovem, Okumi, que foge do seu "dono" para ficar com Genta. Ela rejeita firmemente o papel que lhe é dado pelas regras da sociedade para fazer o que é certo, não só para si própria, mas também para os seus três amigos.

O filme foi lançado numa época em que o Japão buscava valores para orientar a sua juventude, e o código Yakuza era muito usado e oferecido como modelo nos filmes daquele período. O ponto principal de Ichikawa era de ridicularizar esses valores, mostrando a Yakuza como um bando de andarilhos de mente pobre, covardes indignos que seguem regras sem nunca as questionar. O ponto de vista de Ichikawa é esclarecido ao longo do filme, sem usar grande ênfase.

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As Olimpíadas de Tóquio (Tôkyô Orinpikku) 1965

"As Olimpíadas de Tóquio" (Tokyo Orimpikku) é um documentário profundamente humanista de Kon Ichikawa sobre os Jogos Olímpicos de 1964, em Tóquio, no Japão, que esteve quase para não ser feito. Inicialmente rejeitado pelo Comité Olímpico Japonês por ser artístico demais, que procurava um documentário mais noticioso num estilo mais tradicional, focado nos vencedores de medalhas japoneses e na recém modernizada cidade de Tóquio, o documentário de Ichikawa acabou por se ver envolvido numa encruzilhada que se centrava num dos grandes paradoxos do cinema documental: o realizador está ali simplesmente para gravar, ou para interpretar?

Felizmente, a obra-prima de Ichikawa sobreviveu à provação que parecia um pouco ridícula, dada a natureza magnífica do filme. Não convencional, sim. Mas é essa natureza não convencional de Ichikawa que vem da sensibilidade única do realizador como cineasta japonês do pós-guerra, que torna o filme tão memorável e único. Todas as Olimpíadas encomendam um filme oficial, e a maioria deles são reportagens intercambiáveis sobre quem ganhou o quê. Poucos destes documentários chegam às Olimpíadas e comemoram não só o objectivo real dos jogos, reunir pessoas de todas as nacionalidades e etnias em competições de boa vontade, mas também mostram a humanidade dos competidores. As câmaras de Ichikawa procuram e elucidam não apenas atletas de grande talento, mas também as dolorosas dimensões humanas da competição, o que significa que o filme se foca nos perdedores com a mesma frequência que dos vencedores.

Visualmente o filme é uma maravilha das técnicas cinematográficas, muitas das quais eram inovadoras na altura naquilo que era aceitável para um documentário desportivo. Nunca satisfeito em apenas capturar o evento em filme, Ichikawa procurou transmitir mais minuciosamente a experiência das Olimpíadas. Por exemplo, ele emprega a câmara lenta durante as corridas, para que possamos ver todos os músculos dos atletas, a tensão nos seus rostos, o desejo nos seus olhos. Para fazer a transição para a ginástica ele dá-nos uma imagem abstrata de uma única ginasta contra um fundo preto, usando câmara lenta e múltiplas exposições para destacar ainda mais a beleza dos movimentos físicos.

Mas, de certa forma, o Comité Olimpíco Japonês estava absolutamente certo em rejeitar "Tokyo Orimpikku". Enquanto que eles queriam um documentário rigoroso e objectivo sobre o que aconteceu naqueles 17 dias em Tóquio, Ichikawa deu-lhes um poema visual e pessoal sobre a natureza humana. Quem ganhou com isso? Todos nós.

Legendas em inglês.

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An Actor's Revenge (Yukinojô Henge) 1963

Kon Ichikawa a homenagear o grande Kabuki onnagata Kasuo Hasegawa, que comemorava aqui a sua 300ª aparição no cinema, com um papel especialmente concebido para ele. Kabuki é um dos estilos clássicos de teatro no Japão, que era conhecido por não usar mulheres nos papéis femininos, mas sim actores masculinos altamente treinados, chamados de "onnagata", e que por vezes eram mais convincentes do que muitas mulheres.

Nesta história, passada em 1836, Yukinojo (Kasuo Hasegawa) é um "onnagata" a viajar para Edo vestido de mulher. Na viagem reconhece três comerciantes implacáveis que arruinaram o negócio do pais, levando-os ao suicídio. Empenhado em vingar a morte dos pais, segue-os, e com a ajuda de um misterioso bandido chamado Yamitaro (interpretado pelo mesmo Hasegawa), irá tentar cumprir a promessa, mesmo que isso signifique a destruição da filha de um dos comerciantes, que se apaixona por ele.

Kon Ichikawa foi designado para realizar este filme, um remake de um outro de 1935 também com Hasegawa como protagonista, como punição pelos fracassos comerciais dos seus filmes mais recentes. Ainda assim acabou por se tornar num dos filmes mais marcantes do realizador. O filme começa e acaba num teatro, reservando o seu conto de vingança com performances, e colocando o público num lugar confortável para nos lembrar que tudo aquilo é entretenimento, e assim deve ser desfrutado. Com reviravoltas lúdicas e visuais audaciosos, é um filme a não perder.

Legendado em português.

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Alone on the Pacific (Taiheiyô Hitoribotchi) 1963

Kenichi Horie está determinado a desafiar a sua família e as leis da natureza atravessando do Pacífico para a América num pequeno veleiro. Apesar de ter feito um planeamento muito cuidadoso, muitos eventos imprevistos irão testar a sua determinação.

Em 1962, quando o jovem Horie Kenichi completou a primeira viagem marítima pelo Oceano Pacífico, entre Osaka e São Francisco, uma viagem feita num barco sem motor, e com pouca experiência em navegação, as reacções no seu país de origem foram de rejeição, e até vergonha. No Japão da época, as crenças colectivas eram de que nenhum indivíduo deveria perturbar a harmonia de todos, e ao entrar secretamente em tal viagem, sem obter permissão oficial, as acções de Horie eram vistas não como heroicas, mas como acções de um maluco. Era uma conquista vista de um modo diferente por ambas as sociedades, nos Estados Unidos a acção de Horie foi amplamente divulgada e muito celebrada, embora ele tenha sido inicialmente preso por não ter passaporte, mas foi rapidamente libertado e recebeu um visto para um período de 30 dias.

No regresso ao país de origem Horie escreveu um livro sobre a sua aventura marítima, que foi prontamente adaptada para o cinema pelo casal Kon Ichikawa e a argumentista Natto Wada, sua esposa. O filme acabou por conquistar o público de uma forma de que o evento original não o fez, talvez pela forma como o filme é contado, num formato mais associado à aventura e à ficção, com um papel central entregue ao actor Yûjirû Ishihara, um actor que tinha tendência a interpretar psersonagens que perseguiam os seu sonhos, desafiando as regras e a aprovação da sociedade, algo que estava bem identificado com o personagem centrar deste filme.

A maior parte do filme é ocupado pela jornada em si, cuja história de um homem num barco é interrompida por flashbacks de Horie e os preparativos para a viagem, e as conversas com os membros da sua família sobre as suas intenções. Cinematograficamente a natureza épica da viagem é contada com muita eficácia, principalmente com um óptimo trabalho de fotografia da autoria de Yoshihiro Yamazaki.

Seria nomeado para o Globo de Ouro de Melhor filme estrangeiro de 1964, além de ter feito parte da Seleção oficial de Cannes desse mesmo ano. 

Legendas em inglês.

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Being Two Isn´t Easy (Watashi wa Nisai) 1962

Gorô e Chiyo são marido e esposa, com um filho recém nascido chamado Tarô passam pelos altos e baixos de uma vida familiar a viverem num moderno apartamento nos subúrbios de Tóquio.  A sua história é contada nos primeiros dois anos de vida de Tarô, e muitos dos seus problemas resultam do facto de Gorô e Chiyo estarem inseguros como pais, principalmente por causa das suas diferentes perspetivas da sua vida futura como pais. Ouvimos a perspetiva de Tarô, através da sua voz interior, e também a vemos através dos olhos dos seus pais.

Muitos anos antes da série de filmes "Look Who´s Talking", Kon Ichikawa já tinha um bébé narrador, menos sarcástico, a relatar as frustrações da criação dos filhos pelos seus pais. O bébé é ouvido frequentemente, mas de forma alguma fornece a narração continua.

Filme simples e doce sobre os primeiros anos de vida de uma criança. Por vezes faz rir (principalmente nas narrações da criança), e por vezes é provocante, mas é um óptimo retrato do que era a vida de ser pai, principalmente durante a década de sessenta.

Legendas em inglês.

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Ten Dark Women (Kuroi Jûnin no Onna) 1961

Kaze é um produtor de televisão casado, que tem várias namoradas ao mesmo tempo, para além da sua esposa. Elas reúnem-se todas com o objectivo de conspirar contra ele e matá-lo, no entanto, cada uma delas pretende secretamente salvá-lo no último momento, e garantir ser ela a única mulher da sua vida. Escusado será dizer que, quando chega a hora do crime acontecer, as coisas ficam realmente complicadas.

Kon Ichikawa, comentarista dos seus tempos, volta o seu olhar irónico para o sexismo inerente da década de sessenta, com uma farsa sobre um marido mulherengo de repente confrontado com a decepção das suas amantes, que de repente se uniram só com um objectivo em mente - a sua morte. Com argumento de Natto Wadda, esposa do realizador e sua colaboradora frequente, até se retirar em 1965, "Ten Dark Women" é uma comédia absurda e tímida sobre 10 mulheres que amam tanto um homem que até o querem ver morto, ou, pelo menos, não com as outras.

Nos anos sessenta o termo "comédia negra" tornou-se popular nos cinemas americanos, e é por aqui que este filme se qualificaria. Mas, aqui, ao remover o factor raiva ou vingança da história, também é removido todo o melodrama, e o filme também não funciona como uma comédia. Ninguém age da forma que é esperado, dado a configuração da trama. Sendo um pouco diferente da orientação cinematográfica de Ichikawa, é também um filme bastante interessante. 

Legendas em inglês.

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Her Brother (Ototo) 1960

Passado em 1926, quando a tradição japonesa era muito mais forte, este drama de Kon Ichikawa analisa o funcionamento interno de uma família japonesa padrão, principalmente a relação entre uma irmã e um irmão.

"Ototo" é principalmente uma fatia da vida japonesa que se concentra nos valores e tradições familiares. O cuidado incondicional e o amor pela ovelha negra da família que causou problemas até ao fim, embora não sem frustrações nem sentimentos negativos, é muito impressionante.

O filme tem muito melodrama e uma velocidade muito lenta, além de vários enredos secundários que nem lhe fazem muita falta. Felizmente a recompensa vinda deste filme é gratificante, e em certos momentos "Ototo" é um trabalho esmagadoramente emocionante, mas é muito verdade que os acontecimentos aqui retratados podem acontecer a qualquer família.

Exibido no festival de Cannes de 1961, ganhou uma menção especial.

Legendas em inglês.

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A Woman's Testament (Jokyô) 1960

Um conjunto de três contos sobre mulheres modernas, realizados por realizadores diferentes. Na primeira história (de Yasuzô Masumura) encontramos uma jovem mulher que trabalha num clube nocturno em Tóquio. Ela tem um bom plano para o que parece ser um futuro financeiro forte. Por um lado, está a investir numa empresa, por outro está a tomar medidas para casar com o filho do dono da empresa. Na segunda história, (de Kon Ichikawa), uma jovem é empregada por um agente imobiliário para convencer clientes do sexo masculino a investirem em propriedades sem valor, tomando banho com eles. Na última, de Kôzaburô Yoshimura, encontramos uma gueixa viúva sem preocupações financeiras, mas ao se envolver com um falsário acaba por ter problemas na família e na sociedade.

Um excelente filme antológico composto por três histórias decididamente não sentimentais, sobre a luta de três mulheres modernas. Apesar de já terem passado quase 60 anos da sua produção parece um filme notavelmente moderno na sua representação de mulheres a fazerem o seu próprio caminho no mundo, e a sua franqueza sexual. Fraqueza essa muito à frente da maioria dos filmes americanos da altura.

Kon Ichikawa colaborou nesta trilogia com a segunda história.

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Fogo na Planície (Nobi) 1959

Tamura (Eiji Funakoshi), o herói de "Fogo na Planície", de Kon Ichikawa, pode ser o herói mais solitário da história do cinema. Mais solitário do que os peregrinos espirituais de Bresson, Bergman ou Dreyer. É um soldado de um exército que, na derrota, lhe virou as costas.

Estamos em 1945, na ilha de Leyte, nas Filipinas. As forças do Japão foram tão derrotadas que abandonaram qualquer pretensão de solidariedade e camaradagem, da responsabilidade básica dos homens em guerra se protegerem mutuamente. Na primeira cena do filme, Tamara, um soldado com tuberculose, que foi dispensado, ainda doente, de um hospital da campanha, porque não há espaço suficiente para os doentes e a equipas de médicos, é informado pelo seu líder de esquadrão que deve regressar ao hospital, porque a sua própria unidade não tem forma de sustentá-lo naquele estado de debilidade. E mais, se o hospital não o receber de volta, ele deve se matar.

Depois desta sequência pesada, Tamura inicia uma viagem através de uma paisagem inimaginavelmente hostil. O exército americano controla as estradas, os filipinos odeiam os japoneses por terem transformado os seus terrenos num campo de batalha. E os colegas soldados de Tamura estão tão desesperados e famintos que alguns, numa total retirada de toda a sua humanidade, recuam para a linha que separa a humanidade da selvajaria, e matam outros homens por comida.

No livro de 1952, de Shohei Ooka, no qual este filme se baseia, Tamura reflecte: "Para pessoas como nós, viver o dia e a noite à beira do perigo, o instinto normal de sobrevivência parece atacar por dentro, como uma doença, distorcendo a personalidade e removendo todos os motivos que não sejam do puro interesse próprio". Tamura, consumista, faminto, e muitas vezes delirante, perambula numa espécie de atordoamento moral. Ele sabe que está no Inferno, mas não está pronto para se alistar no exército dos condenados, e enquanto luta contra o inimigo também está a lutar contra o inimigo voraz que tem dentro de si.

"Fogo na Planície" é, naturalmente, um filme antiguerra. Um dos mais persuasivos e poderosos de todos os tempos. Mas também é mais do que isso: não apenas uma série de quadros vívidos e chocantes, mas também uma investigação lúcida e estranhamente pura sobre os misteriosos trabalhos da vontade humana. Todos os homens são ilhas, e Ichikawa faz com que as distâncias entre elas pareçam incrivelmente vastas. É um visão íntima e incrivelmente clara do apocalipse.

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Odd Obsession (Kagi) 1959

Um velho especialista em antiguidades (Ganjiro Nakamura), de Kyoto, no Japão, tenta ressuscitar a sua virilidade em decadência, ao apresentar a sua linda e mais nova esposa (Machiko Kyo),  ao namorado da filha (Tatsuya Nakadai).

"Odd Obsession", como é conhecido internacionalmente, de Kon Ichikawa, seria a primeira de muitas adaptações para o grande ecrã do livro de Tanizaki, "Kagi", cujo assunto seria irresistível para muitos realizadores dos chamados "pinku movies", filmes com uma grande carga sexual, assim como fonte para um dos melhores filmes de Tinto Brass. É um filme extremamente perverso, até pervertido, ainda por cima feito debaixo da censura vigente em 1959.

Mas os filmes japoneses eram muito mais abertos do que os americanos quando o assunto era o sexo, durante o final da década de cinquenta, tanto que seria comercializado em 1961 com o slogan: "the most daring motion picture ever made". Mas não era um filme sobre nudez, ou sexo dissimulado, o sexo aqui era uma obsessão, mas também era uma arma e uma armadilha para todos os personagens envolvidos.

Como as motivações das personagens nunca são claras, nunca sabemos o que esperar delas, e assim, ficamos em suspenso do principio ao fim. A personagem de Kyo é particularmente inescrutável, nunca sabemos o quanto ela sabe dos planos do marido, e o argumento do filme nunca nos deixa prever o que se passa pela sua cabeça, ao contrário do livro, que vai alternando entre a narração do marido e da mulher.

Por esta altura Ichikawa já gozava de enorme sucesso internacional. O filme ganhou o grande prémio do Júri no Festival de Cannes de 1960, e ganhou o Globo de Ouro de Melhor Filme em Língua Estrangeira, que partilhou em conjunto com outros 4 filmes, entre os quais "Morangos Silvestres" e "Orfeu Negro".

Legendas em português.

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Chamas de Tormento (Enjo) 1958

Vagamente baseado num livro de Yukio Mishima, que por sua vez era inspirado num evento real que chocou a nação em 1950, "Enjo" detalha as dificuldades e a desilusão de Goichi, um jovem gago enviado para servir no templo mais famoso de Kioto, e do Japão. O seu pai era um padre muito fraco, a sua mãe uma mulher adúltera, para não deixar de mencionar que cresceu durante a Segunda Guerra Mundial, e tudo isto isto já eram razões suficientes para o jovem crescer com problemas emocionais. Apesar dos outros estagiários gozarem com ele por causa da gaguez, a dedicação e a devoção de Goichi chamam a atenção do padre chefe, que lhe quer pagar uma educação adicional. Mesmo assim, Goichi logo descobre que esse padre também está longe de ser perfeito, aparentemente mais interessado na sua gueixa e ganhar tanto dinheiro quanto possível dos visitantes do tempo, principalmente dos turistas americanos, do que fazer os seus deveres. 

Não encontrando nenhuma forma de expressar o seu tumulto interior, ele queima o templo. É aqui que vamos encontrar este nosso filme. Através de uma série de flashbacks, enquadrados com um interrogatório policial, desvendamos a história da sua obsessão com o templo, desde a sua juventude.

Raizô Ichikawa ganhou o prémio de Melhor Actor no Festival de Veneza, no papel do perturbado Goichi, que o catapultava para lá das fronteiras do ídolo adolescente que era na altura, enquanto que Tatsuya Nakadai, que viria a ser um dos actores mais importantes do cinema japonês, se revelava aqui no papel de um aleijado. Era o primeiro filme de Kon Ichikawa em Widescreen, e mais uma maravilha a preto e branco, trabalho de Kazuo Miyagawa, director de fotografia de "Ugetsu" "Rashomon", e "Yojimbo",  que aqui também fazia o seu primeiro trabalho em Widescreen. 

Ichikawa contra a história de uma forma facturada e onírica, com o filme a passar de um período para outro sem aviso prévio. As memórias de Goichi tornam-se mais díspares e intensamente focadas à medida que a sua saúde espiritual se deteriora. Ichikawa tenta capturar um pouco da claustrofobia interna de Goichi através da arquitectura opressiva do ambiente do templo, mas não consegue se aproximar do senso de pavor do livro de Mishima. "Enjo" é a dissecação da auto-imolação de um homem da sua própria desintegração espiritual, mas é também uma condenação do mundo moderno corrupto que permite que tal poluição aconteça. 

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Punishment Room (Shokei no Heya) 1956

Katsumi é um estudante universitário que não tem respeito nem pelos seus pais trabalhadores, nem pelos professores, nem mesmo pelos amigos. Ajuda um amigo a obter um financiamento para uma dança, humilhando o seu pai no banco onde este trabalha. Depois droga e viola Akiko, uma das suas colegas estudantes, que se apaixona por ele, embora ele pareça indiferente. Ele gosta de incitar um gang rival num salão de bilhar, mas acabar por ir longe demais a tentar provar a sua coragem…

Tal como "Rebel Without a Cause", "Kids", e outros filmes populares sobre adolescentes em fúria que mostram os jovens a portarem-se muito, muito mal, "Punishment Room" causou um enorme tumulto quando foi estreado no Japão. Os conservadores tentaram bani-lo, organizaram piquetes junto dos salas onde o filme era exibido, para além dos debates públicos que tentavam salientar os seus deméritos. Mas ao contrário de outros filmes que perderam muito do seu impacto ao longo do tempo, este mantém toda a sua brutalidade. A sequência onde o protagonista viola a sua colega estudante ainda é chocante, mas ainda mais interessante é a resposta da jovem. E a prolongada sequência final, de onde provém o título internacional do filme, pode muito bem ter servido de inspiração para uma famosa sequência de "Reservoir Dogs", de Tarantino.

Mas, para lá do valor da violência e do choque, a importância de "Punishment Room" reside no seu estilo duro e impiedoso. A realização habilidosa de Ichikawa e o estilo niilista construídos em cenários pouco iluminados, centrados em jovens desencantados, levaram o filme a ser uma importante influência para a chamada "Nova Vaga" do cinema japonês, da qual fariam parte filmes como "Cruel Story of Youth", de Nagisa Oshima.  Este filme também seria do mesmo ano que "Crazed Fruit", de Kô Nakahira, considerado o primeiro filme desse movimento, e que já passou pelos Thousand Movies, para os mais atentos.

Legendas em Inglês.

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A Harpa Birmanesa (Biruma no Tategoto) 1956

Mizushima é um soldado no exército japonês em Bruma, na Segunda Guerra Mundial. É um bom soldado, e frequentemente toca a sua harpa para entreter os seus colegas soldados. Quando a guerra chega ao fim, é solicitado pelos ingleses para ir para as montanhas tentar convencer um grupo de soldados a renderem-se. Com apenas 30 minutos para o fazer, acaba por não ter sucesso, e eles preferem morrer com honra do que serem aprisionados. Mizushima fica profundamente afectado pelo que acontece a seguir…

Adaptação de um célebre livro de Takeyama Michio, de 1948, um escritor que se opôs abertamente à aliança que o Japão fez com a Itália e a Alemanha durante a Segunda Guerra Mundial. Foi um filme muito importante por uma série de razões: tornou-se um grande sucesso em território japonês; ganhou vários prémios no Festival de Veneza de 1956, onde também foi nomeado para o Leão de Ouro, o prémio mais importante do festival (o festival nesse ano não teve vencedor); foi nomeado para o Óscar de Melhor Filme Estrangeiro em 1957 (perdeu para "A Estrada", de Fellini), trazendo o nome de Ichikawa, então um desconhecido internacionalmente, para a ribalta. Também humanizou o soldado japonês comum para um público internacional, que então os via como uns fanáticos pela "vitória ou morte", a serem mortos. Para o público caseiro este retrato foi bem aceite pelos japoneses, aceitando a derrota, enfrentando as suas perdas, sem ousarem sugerir que, em situações extremas, lutar até ao ultimo homem não era uma boa alternativa para a rendição.

"The Burmese Harp" é um retrato humanista do pós-guerra no seu melhor, examinando as consequências da guerra e o processo de ultrapassar a derrota sem se sentir algum preconceito ou sendo excessivamente sentimental, apensar de sentirmos que poderá mergulhar em ambos os pontos. O foco no carácter e na universalidade dos principais elementos da história faz com que o seu sucesso internacional seja menos surpreendente, mas há muito mais no filme do que a sinopse possa antever, desde o simbolismo, alegoria religiosa, e continua a ser uma das grandes obras pacificas do período pós guerra.

Legendas em português.

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