Tristana - Amor Perverso (Tristana) 1970

Pouco depois da morte da sua mãe, uma mulher jovem e inocente encontrará refugio na casa do seu guardião aristocrático de meia idade, que em breve a submeterá aos seus avanços sexuais. 

"Tristana", filmado já na fase final da carreira de Luis Buñuel, passa-se em Toledo, em Espanha, e é baseado num livro do Século 19 do escritor Benito Pérez Galdós. Buñuel tinha começado a trabalhar na adaptação do livro em 1962, depois dos censores espanhóis terem rejeitado um argumento que ele enviou. No entanto, ainda demorariam alguns anos para que ele pudesse começar a ver o projecto ganhar vida. Neste período, e como era contra a ditadura espanhola, continuou no México, onde passaria por um período de alta produtividade. 

Tornou-se num dos filmes mais elogiados do realizador, tendo sido nomeado para o Óscar de Melhor Filme em língua estrangeira, embora não seja tão chocante como outros filmes do realizador. Uma das partes mais memoráveis do filme é a jovem a ter pesadelos recorrentes sobre Don Lope, onde a sua cabeça decapitada substitui a corda de um sino da igreja que não pára de tocar. A religião é um tema óbvio no filme, e, curiosamente, Don Lope é uma personagem nada decente, apesar de partilhar alguns dos valores e opiniões do realizador. É ateu, evitado pela irmã profundamente religiosa, e despreza a burguesia, e a fora como ela trata os trabalhadores decentes. Como o próprio Don Lope pertence à classe média/alta, existem muitas contradições nesta personagem. 

Os ataques que Buñuel dirige à igreja católica através desta personagem deviam ter sido suficientes para revoltar os censores, mas a história, como um todo, onde a luxúria e a exploração são seguidas de amargura e malícia também devem ter revoltado bastante a igreja. Além disso, o filme também encena confrontos fascinantes entre a juventude e a velhice, e reflete uma frustração que provavelmente é sentida por pessoas com deficiência, simbolizado aqui por um menino surdo e mudo, e o eventual destino de Tristana. 

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Vou Para Casa (Vou Para Casa) 2001

Gilbert Valence é um actor de teatro, e o seu talento e a sua carreira deram-lhe os papéis mais importantes que um actor pode desejar. Uma noite, no fim de uma representação, a tragédia irrompe na sua vida; o seu agente e velho amigo, Georges, diz-lhe que a sua mulher, a filha e o genro acabaram de falecer num acidente de viação.
A tristeza tarda em chegar, mas, lá mesmo no fim, alvorece. É num daqueles planos mágicos de que Oliveira e muitos poucos outros detêm o segredo, quando o miúdo vêm à porta e, entre ombreiras, vê o avô subir a escada. De súbito o seu rosto tolda-se e fica assim, traçado a mágoa, antes que o escuro aconteça, o genérico final desponte e uma musiquinha de maquineta sublime ainda mais, na sua graciosidade, o que acabámos de ver. O grande actor envelhecido vai repousar, dissera ele, o mais provável é que vá para morrer, já que cumprindo-se no filme o que a peça de Ionesco anunciara na sua abertura, ninguém nasce para sempre.
Depois de "Viagem ao Princípio do Mundo" e antes de "Porto da Minha Infância", Manoel de Oliveira, encara, ainda uma vez, a morte. Não o colapso, o momento terminal, o ataque cardíaco, o último suspiro, melodramatismos em que não está interessado.  Antes, a morte em trabalho.
"Vou para Casa" é um filme de cumplicidade. De cumplicidade entre um cineasta e um actor, ambos com respeitadíssimas idade e carreira (Oliveira com 92 anos de idade e 70 de profissão, Piccoli com 76 de idade e 52 de actividadade) que enfrentam o inominável, numa parceria onde o humor e a ironia sábia dão cartas e há uma serenidade sem angustias. Só essa cumplicidade muito estreita permite aquele longo plano em que o actor é maquilhado, rejuvenescido, para efeitos de cinema e transformado num boneco assaz ridículo. Só um entendimento partilhado da vida permite concede essa cena em que se fala de solidão e se mostram sapatos. E, depois, "Vou Para Casa" é um filme de cinema. Com maiúscula, vale o atrevimento, porque não há muitos exemplos actuais de cometimentos que só o cinema propicia, da exploração do fora-de-campo e do tempo de um plano, das modificações de um rosto, da potencialidade de narrar imenso sem palavras.  (In Expresso - 22-9-2001).

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Pola X (Pola X) 1999

Pierre vive uma vida tranquila e privilegiada com a sua bela mãe, Marie, num grande castelo da Normandia. O amor de Pierre pela mãe é apenas superado pelo que ele tem para a sua noiva, Lisa, que mora nas proximidades. Uma noite, Pierre conduz para casa da namorada para lhe dizer que a sua mãe fixou uma data para o casamento dos dois, quando algo estranho acontece. Na borda de uma floresta, a figura fantasmagórica de uma jovem mulher aparece e chama por ele, dizendo-lhe que ela é a sua irmã há muito perdida ...
O título Pola X pode não ter nada a ver com o filme, mas a maior parte deste trabalho pela mão eclética do seu realizador /co-argumentista Leos Carax é uma mistura de estilos, cenários, moods, música, e temas. Superficialmente dispostas sobre uma busca de identidade, a maturidade e a verdade incontestável, as duas horas deste filme, são uma descida para a morte, para o desespero e para o pessimismo.
O filme é baseado no conto de Herman Melville, "Pierre, or, the Ambiguities", que, na esteira de Moby Dick, fez o autor perder grande parte do seu vasto público. Tal como a novela de 1852, este filme de 1999 perderá muitos seguidores de Carax, enquanto apanhará muitos outros pelo caminho. Tais diferenças são exemplificadas, por exemplo, no impressionante castelo da Normandia, jardins bem cuidados, bosques e uma vida agradável dos seus habitantes, duramente contrastado com uma transformação súbita de tom, e uma orquestra dissonante tocando numa comuna revolucionária num armazém industrial abandonado.
O filme está cheio de emoções em larga escala, e as interpretações sólidas do elenco (Guillaume Depardieu, Yekaterina Golubeva, Catherine Deneuve) mantém as coisas sem as sentirmos excessivamente melodramáticas. O esplendor visual e a miséria contrastante que Carax lança no filme consegue ampliar o drama já de si de grandes dimensões. O sentimento de inquietação parece ser o dominante, as coisas não fazem sentido exatamente enquanto o filme avança, mas as emoções fazem.

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Repulsa (Repulsion) 1965

Na história do cinema de terror, "Repulsa" é um marco, um filme que ajudou a restabelecer o poder primordial do género e as suas complexidades temáticas e emocionais. Depois de na década de 50 o terror ter-se tornado numa espécie de piada via os "teen-cheapie drive-in movies" como as comédias de Abbott e Costello, a década de 60 foi uma década de reinvenção, começando por "Psycho" e terminando em "A Noite dos Mortos Vivos" (1968), de George A. Romero, explorações psicologicamente densas, visualmente inventivas, e tematicamente ricas do que nos assusta mais, que sempre corresponde a uma queda drástica do que oque consideramos "normal".
"Repulsa" é, em muitos aspectos, o mais complexo e exigente dos filmes de terror desta década, principalmente na forma como nega qualquer tipo de explicação para o que acontece durante os tensos 105 minutos. Em vez disso, Polanski e o seu antigo co-argumentista Gerard Brach deixa-nos no início de um colapso psicológico, que depois seguem inexoravelmente, recusando-se a permitir ao público um momento de tréguas a partir da perspectiva da heroína mentalmente em ruínas, uma franco-belga que mora em Londres chamada Carole Ledoux. Carole é interpretada por Catherine Deneuve, que na altura era uma estrela em ascensão na sua França natal, mas era geralmente desconhecida no cinema em lingua inglesa, o que lhe dava um tipo de beleza anónima que fazia o eventual colapso ser ainda mais chocante e desconcertante . Carole, que é quase patologicamente tímida e reservada (para não dizer sexualmente reprimida), vive num apartamento com a irmã mais velha Hélène (Yvonne Furneaux), uma morena sensual e extrovertida, que está envolvida num caso com um homem casado (Ian Hendry) . Quando ela e o namorado vão de férias para Itália durante uma semana, Carole é deixada sozinha, e o seu estado mental começa a deteriorar-se rapidamente, o que Polanski retrata com uma intensidade fascinante, levando-nos profundamente dentro da sua experiência de alucinações, paranoia e medo.
Fotografado num preto e branco austero por Gilbert Taylor, um veterano da indústria que recentemente tinha feito a fotografia de Dr. Strangelove (1964) e A Hard Day's Night  (1964) e iria fazer a de Frenzy de Hitchcock (1972), bem como a de Star Wars (1977), "Repulsion" é antes de mais um filme intensamente experimental, trazendo fisicalidade literal de fissuras mentais e emocionais. Polanski atrai-nos com uma cascata crescente de sons e imagens, começando com pequenos ruídos estranhos e a aparência ímpar de rachas nas paredes. Conforme o tempo avança, marcado tanto pelo crescimento como pela decadência, as rachas começam a ficar maiores, e os sons estranhos a transformarem-se numa cacofonia de sons que gritam como uma voz distorcida.  Quando estranhos tentam entrar no apartamento, incluindo um senhorio lascivo (Patrick Wymark) e um rapaz (John Fraser), que teve uma tentativa frustrada de sair com Carole, a sua paranoia torna-se homicida. 
No entanto, ao longo do filme Polanski recusa-se a transformar Carole num simples monstro, razão pela qual Repulsa é como um filme de terror progressivo, que corta as simples e reconfortantes categorias do bem e do mal. O filme é assustador precisamente porque somos atirados directamente ao mindscape de Carole, e vemos praticamente tudo através dos seus olhos. Assim, os temores de Carole são os nossos medos, nós saltar como ela faz quando as rachas, cada vez mais maciças, de repente aparecem nas paredes, e sentimos-nos desorientados quando a sala é inexplicavelmente maior do que era, e sentimos os horrores da asfixia quando ela é atacada na sua cama. Polanski tinha apenas 32 na altura em que ele fez Repulsa. 

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Cai a Noite Sobre a Cidade (Un Flic) 1972

Um assalto a um banco numa cidade pequena termina com um dos assaltantes a ser ferido. O saque do roubo é apenas um prémio para o assalto ainda mais espectacular. Simon, o líder de gang e dono de um clube noturno também têm de lidar com o comissario da polícia Edouard Colemane, que por acaso é seu amigo.
Melville estava para o filme americano do crime como Sergio Leone estava para o western americano. Ambos tiraram os arquetipos, motivos e iconografia visual dos seus respectivos géneros e passaram-nos de um certo realismo para a abstração quase completa. O objetivo dos dois cineastas era despojar estes géneros para os seus princípios mais básicos, focando a atenção não tanto nas personagens, mas no processo. Em Melville isto tornou-se uma obsessão tal que os seus personagens eram tão identificáveis ​​pelos seus casacos, chapéus e óculos de sol, ou pelos diálogos lacónicos.
Neste filme somos apresentados a uma trama seria claramente o modelo para "Heat" de Michael Mann. Um proprietário de um clube e assaltante de bancos, Simon (Richard Crenna) e o polícia Eduard Coleman (Alain Delon) são ambos muito bons no que fazem. Ambos, contudo, estão cansados ​​de fazer isso. Simon está a tentar fazer o tal "último trabalho" que vai reformá-lo de vez enquanto Coleman tem que detê-lo, não porque quer, mas porque é isso que ele faz. É o que o define. Que eles são amigos é a questão. Coleman trai essa amizade em cada noite que passa na cama da namorada de Simon, Cathy (Catherine Deneuve). O que se deve fazer num mundo onde a linha entre o certo e o errado situam-se muito mais próximas do que deviam?
Este era o último filme de Melville, e embora esteja longe do seu melhor (cuja honra vai claramente para Le Samourai), é o mais típico do realizador. Tudo o que veio a ser conhecido como "Melville" encontra-se aqui, de uma ou outra forma, ao longo dos 98 minutos. As falhas que se podem encontrar são as falhas normais de muitos "auteurs". Nestes filmes, há um interesse obsessivo em seguir sobre o mesmo terreno temático, e uma relutância em abandonar as velhas formas de artifício cinematográfico para um realismo mais contemporâneo. Hitchcock com o altamente teatral "Marnie" e Hawks com seu filme muito na onda de Rio Bravo, "Rio Lobo", também entraram directamente em desacordo com a nova vaga de entretimento, como Bonnie e Clyde e The Wild Bunch. Para estes cineastas era como se o tempo tivesse parado, ficasse preso dentro dos limites da sua visão pessoal, mas eram filmes obrigatórios.  E assim é este "Un Flic". Não estamos em Paris, Nova York ou Roma, mas no mundo de Jean-Pierre Melville, um lugar composto de imagens e sons que são retiradas da vasta biblioteca da nossa compartilhada memória cinematográfica.

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