Os Quatro do Apocalipse (I Quattro Dell'Apocalisse) 1975

Os Quatro do Apocalipse (I Quattro dell'apocalisse), de Lucio Fulci, é uma das melhores obras da fase tardia dos spaghetti westerns. Claro que isto pode não dizer muito, considerando o quão más eram algums dos últimos filmes do género, mas, mesmo fora deste quadro comparativo, Os Quatro do Apocalipse mantém-se bem porque é uma obra visualmente evocativa e resiste a respostas fáceis, em vez de tornar-se um estudo de personagens enigmático contra a desolação física, diminuindo o potencial da esperança na decência humana (que também inclui elementos sensacionalistas, como um homem a ser esfolado vivo, canibalismo, e o massacre a espingarda de uma cidade inteira). Se isto soa a sombrio, ainda há um fio emocional convincente ao longo do filme que o mantém no bom rumo, mesmo quando tudo parece que está perdido.
Os personagens principais formam um quarteto estranho. Por acaso, são atirados juntos para uma cela de prisão numa cidade infestada de crime, de Salt Flat, Utah: Stubby Preston (Fabio Testi), um tubarão das cartas profissional; Bunny (Lynne Frederick), uma prostituta de 19 anos de idade, grávida, Clem (Michael J. Pollard), o bêbado local e Bud (Harry Baird), um homem calmo, mas ao mesmo tempo louco, que escapou da escravatura e que acredita que pode ver fantasmas. O apocalipse do título refere-se à solução do xerife de Salt Flat (Donald O'Brien) para o problema do crime local: trazer um gang de vigilantes com máscaras brancas, que passa a atirar, enforcar, e abater, acima de todos na cidade. Através de subornar o xerife, Stubby consegue salvar-se, e aos seus companheiros de cela, e partem através do deserto em busca da Sand City, onde acreditam que vão encontrar a felicidade. 
A felicidade não está destinada a ser deles, no entanto, como o quarteto a meter-se em problemas repetidos, começando com a adição de um quinto membro ao grupo, um caçador de aparência selvagem chamado Chaco (Tomas Milian). As motivações de Chaco são suspeitas desde o início, mas ninguém podia adivinhar quanto perturbado ele de facto é. O quarteto luta pela sobrevivência, e a forma como se unem, apesar das suas diferenças, forma o núcleo emocional do filme. Gradualmente começamos a admirar este grupo díspar e a sua tenacidade, e quando o romance floresce entre Stubby e Bunny, temos um desenvolvimento verdadeiramente comovente.
Lucio Fulci trabalhou em vários géneros, desde os anos 60, até aos anos 80, mas é mais conhecido pelo trabalho no terror graficamente violento do final dos anos 70 e início dos anos 80, particularmente, filmes como Zombie (aka zombi 2) (1979) e o genuinamente horrorizante The Beyond (1980). Fulci nunca foi conhecido pela sua sutileza - é muito melhor na orquestração de um close-up de um globo ocular a ser espetado, do que a criar uma relação entre dois personagens humanos. No entanto, de alguma forma, ele aqui consegue fazer as duas coisas, chocando-nos com um close-up gráfico de Chaco alegremente a cortar a pele do tórax de um homem cativo, mas também nos aquece com as emoções que Stubby sente por Bunny. Também é muito facilitado pela fotografia de Sergio Salvati (que colaborou em nove outros filmes de Fulci, incluindo os mais famosos filmes de terror), que capta tão bem a beleza selvagem da paisagem desolada como a sua ameaça. 

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Condenados a Viver (Condenados a Vivir) 1972

Desde o frame inicial que sabemos que vamos ter um dos mais sombrios de todos os spaghettis, quando somos introduzidos a um gang de prisioneiros a ser transportado de uma profunda mina de ouro no meio das Montanhas Rochosas com o início do inverno no horizonte. A meio da viagem, a caravana onde seguem é atacada por bandidos que pretendem o ouro, que por sua vez matam a maioria dos guardas. Com o transporte destruído resta apenas um soldado solitário com a sua filha mais nova para liderar o bando acorrentado para um acampamento militar ... mas com apenas seis balas, e um rígido inverno como pano de fundo, a tarefa não vai ser fácil. "Condenados a Vivir" vive da sua reputação de ser violento e sangrento ao ponto de ser considerado o mais violento de todos os spaghettis. O realizador Joaquín Luis Romero Marchent não poupa despesas para mostrar às audiências close-ups de crânios esmagados e cadáveres queimados. Lucio Fulci por certo que gostaria de ter feito este filme. O que torna o gore e a violência muito mais perturbadora é o tom sombrio da fotografia. Marchent vai ainda mais longe não permitindo que quaisqueres cores vivas e alegres nos sejam mostradas. Imaginem um filme com o tom de "The Great Silence", com Fulci a dirigir e o resultado está à vista. Na sua versão original no cinema o filme foi promovido com uma espécie de "máscaras de terror", P para os espectadores Grind House protegerem os olhos durante os momentos mais violentos. "Condenados a Vivir" goza de uma enorme reputação de filme de culto, especialmente entre os devotos do filme de terror. A produção é espanhola, e a realização, a cargo de Joaquín Luis Romero Marchent, que não é um nome imediatamente reconhecível (embora tenha feito um ou dois outros notáveis westerns e um giallo) Merchant parece incerto de para onde levar as suas personagens predominantemente de passado obscuro. Posteriormente, após o grande início do estilo "Sierre Madre" a abrir o filme, rapidamente torna-se bastante lento e episódico - como atolar no terreno dos seus protagonistas. O elenco, formado por actores de segundo plano, mas com alguma experiência no género, também não ajudou muito.

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O Justiceiro Sem Olhos (Blindman) 1971

Algures no velho oeste, um pistoleiro cego (Tony Anthony) precorre uma cidade procurando os homens que o traíram. Contratado para entregar 50 mulheres a uma mina, o parceiro do Blindman roubou as mulheres e gaba-se de as ter vendido para um amigo no México. Blindman rebenta com a casa do seu ex-parceiro e parte para o México, onde encontra os irmãos Domingo e Candy (Ringo Starr), que ficaram com as mulheres e planeiam vendê-las ao exército mexicano - no entanto, Blindman descobre que Candy tem uma fraqueza por uma jovem mulher chamada Pilar, que ele raptou de uma aldeia local ...
O cinema europeu sempre foi naturalmente mais surreal do que o de Hollywood, e quando os italianos tomaram conta dos Westerns, durante uma década, a partir de meados dos anos 1960, a norma padrão de filmes de cowboys foi marcada por uma mistura de filmes estranhos, incomuns e altamente inovadores. O argumentista e actor Tony Anthony, em parceria com o produtor Alan Klein tinha entrado no género com o estranho A Stranger in Town (1967) e duas sequelas. Mais tarde, trabalharam juntos no género em ComeTogether (1971) sobre um duplo Italo-americano, produzido pelo músico dos Beatles, Ringo Starr. Este trio voltou a trabalhar juntos noutro filme. O realizador Ferdinando Baldi já era um realizador sólido no género, e já tinha rodado algumas obras bastante invulgares, incluindo o musical Rita nel West (1967) e a tragédia grega Gunmen of Ave Maria (1969), e foi a escolha ideal para este muito pouco convencional western.
O enredo inspira-se nos famosos filmes japoneses Zatoichi, sobre um espadachim cego que tropeça em todos os tipos de aventuras (uma série que durou mais de 20 filmes, e uma série de televisão) e que adiciona aqui o componente spaghetti. É claro que aqui o Blindman tem uma arma, não uma espada e, em vez de ser um herói - é um puro anti-herói, salvando o dia só porque quer completar a missão e receber o pagamento. O tema das 50 mulheres a serem transportadas através do país é pura exploitation, especialmente quando eles estão todas a tomar banho numa casa de banho. A história move-se a um ritmo relativamente lento, com vários truques e reviravoltas ao longo do caminho e os dois lados a ficarem por vezes com vantagem, construindo um final adequadamente dramático e brutal. 
Baldi fornece uma direção sólida, a sua experiência no Spaghetti Western foi bem usada na maior parte das cenas, mas, apesar da surrealidade, dirige de uma forma bastante simples. O filme como um todo é impulsionado por um, obviamente, orçamento maior do que o normal, para o que de outra forma seria um spaghetti em pequena escala - o mais notável é o grande número de extras, os elementos do exército mexicano são mais de 100 homens, enquanto que realmente existem dezenas de mulheres nuas na (muito breve) sequência da casa de banho, e várias cenas pirotécnicas também beneficiam do grande orçamento. A banda-sonora moderna de Stelvio Cipriani (que também escreveu as partituras para as duas continuações de A Stranger in Town (1967)) é muito pouco ortodoxa para o género, mas o guarda-roupa do filme também.
O músico Ringo Starr é escalado como um dos bandidos mexicanos e tem uma interpretação melhor do que seria de esperar de um músico que se tornou actor, enquanto a deslumbrante futura modelo da Playboy Agneta Eckemyr é lançada como Pilar.  

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O Grande Duelo (Il Grande Duello) 1972

Ao contrário dos temperamentais "twilight spaghetti westerns" da segunda metade da década de setenta, ou das numerosas comédias geradas pelos filmes de Trinitá, este filme tenta, mais ou menos, recriar o mito da década anterior. Apesar de ter sido o primeiro spaghetti western de Giancarlo Santi, parecia ser o homem certo para este trabalho. Depois de ter sido assistente de realizadores como Sergio Leone ou Giulio Petroni, onde tinha andado pelos bastidores de filmes como "O Bom, o Mau e o Vilão", "Death Rides a Horse" e "Aconteceu no Oeste", fez este "Il Grande Duello", que pode não ser um dos grandes westerns spaghetti, mas pelo menos não é pomposo, ou pretensioso.
Um homem chamado Philip Vermeer - que provavelmente não é um grande pintor, mas certamente um excelente atirador - foi considerado culpado de assassinar um patriarca local, mas fugiu, e está agora em fuga. É perseguido tanto por um grupo de caçadores de recompensas, pagos pelos filhos do patriarca, como por um ex-xerife que afirma que Vermeer é inocente. Durante a primeira metade do filme, podemos ver os dois homens a lutarem e a fugir dos "bounty-hunters", e a segunda parte é em grande parte passada na cidade e lida com a questão de quem realmente matou o patriarca. Embora a acção seja bem executada, a segunda parte, com influências do Giallo e do Noir, é de longe a melhor. Lee Van Cleef tem trabalho a fazer, e o twist final, embora um pouco óbvio, é bem preparado numa série de flashbacks, filmado num tom saturante, com cores muito filtradas.
Ainda escalado como uma espécia de coronel Mortimer, de caráter, o bom e velho Lee Van Cleef anda a maior parte do tempo, a esconder o rosto sob o chapéu. Mesmo sem olhar parece saber o que está para acontecer (ou não): quando O'Brien diz que está para acontecer um ataque iminente ele ordena que ele se deite e não se preocupar com mais nada. Peter O'Brien, por outro lado, tem um papel hiper-activo, saltando de telhado em telhado e fazendo cambalhotas durante o tiroteio. Os vilões são particularmente bem caracterizados; um regular dos spaghetti westerns, Horst Frank, interpreta tanto o patriarca como o seu filho mais velho, um homem astuto, com ambições políticas, Marc Mazza, actor francês (mais conhecido por um pequeno papel em "My Name is Nobody) é o filho do meio, um homem simples e impaciente por acção, e o actor austríaco Klaus Grünberg (então famoso pela sua participação no agradável "More", mais conhecido pela banda-sonora dos Pink Floyd) rouba a cena como o filho mais novo, um maníaco homossexual que mata toda uma comunidade de imigrantes holandeses apenas por diversão, numa cena brutalíssima. Este personagem parece ter sido modelado pela sádica personagem de Jack Palance em "Shane" (1953), no sentido de que ele parece ser exactamente o contrário desta personagem, vestido de branco e colocando luvas brancas antes de executar um homem indefeso, já de idade.  
"The Grand Duel" é um dos filmes preferidos de Tarantino. O tema principal da banda-sonora, se bem se recordam, foi utlizado na banda-sonora de "Kill Bill". A música está creditada a Luis Bacalov e a Sergio Bardotti, mas Bacalov sustenta que escreveu todas as composições.

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O Forasteiro Invencível (Gli Fumavano le Colt... lo Chiamavano Camposanto) 1971

1971 foi um ano de cruzamentos no ciclo do Western italiano. Com os anos mais criativos e bem sucedidos, aparentemente a ficarem para trás o sucesso em grande escala do primeiro Trinitá parecia trazer uma nova esperança para o género. Mas a fórmula de Trinitá era um muito diferente dos seus antecessores. Pegou num género já bem envolto em ironia e levou-o através de uma linha perigosa, a paródia aberta. Foi um passo que atraiu muito público novo, mas também muitos dos fãs mais devotos deixaram de acreditar nos género. No entanto, o Expresso Trinitá era um comboio poderoso demais para ser ignorado, e mais filmes seguiram o seu estilo nos anos seguintes. Alguns abraçavam o estilo cómico de todo o coração, outros pegavam nos seus elementos mais leves, e embrulhavam-no numa forma menos paródica. Este filme de Giuliano Carnimeo é uma obra que, embora ocasionalmente se envolvesse um pouco mais com os elementos de comédia, mantém um equilíbrio entre a ironia e a paródia com bastante sucesso. Navegando habilmente numa linha entre os dois géneros, é  um filme de aventuras agradável que oferece uma oportunidade para uma relação na grande tela entre dois dos filhos preferidos do género: Gianni Garko e William Berger.
Os irmãos McIntire regressam a casa depois de serem educados no leste, para encontrarem o pai aleijado e os colegas fazendeiros sob o domínio de traficantes locais que lhes sangram o dinheiro todo em troca de protecção, sob a ameaça de violência. Os irmãos, cheios de fúria moral, mas mal equipados para uma cidade viciada em armas, enfrentam os bandidos e tornam-se alvos para o misterioso líder, que paga os serviços de um pistoleiro, para eliminar os novos "trouble makers". Sem o conhecimento de todos, outro pistoleiro chega à cidade. Um estranho que parece estar do lado dos irmãos, é um velho conhecido do homem recém-contratado pelo mafioso local. Os dois pistoleiros tentam servir os seus próprios fins, sem entrar em conflito aberto ou transgredir o seu "código profissional", mas será que conseguem?
Garko já tinha atingido os limites irónicos do western com o retrato, quase sobrenatural, da caracterização de Sartana, primeiro sob a direção de Gianfranco Parolini e depois Giuliano Carnimeo. Com "O Forasteiro Invencível" muita da sua aparência bem sucedida foi mantida. O herói ultra cool, com um elemento de mistério para ser resolvido, a habilidade para disparar de Sartana, foi mantida, mas outros ajustes também foram feitos, para acomodar um tom geralmente mais leve e permitir adicionar elementos mais cómicos. Os irmãos McIntire são a inserção mais evidente que se desvia da fórmula anterior. O enredo do filme, basicamente segue a busca para livrar o pai, da extorsão dos seus adversários. A personagem de Garko, embora central no filme, é apenas o veículo para a realização dessa tarefa; socorrer-los para longe de problemas, ensina-los a atirar e, vigiá-los  como um anjo da guarda. Sartana nunca teria permitido que qualquer outra personagem dominasse uma das suas narrativas tão obviamente. 

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O Especialista (Gli specialisti) 1969

Feito em 1969, Gli Specialisti é o menos popular dos quatro westerns que Sergio Corbucci fez no final dos anos sessenta, que muitas vezes aparecem em listas pessoais de westerns spaghetti preferidos. No ano anterior, ele tinha feito "The Mercenary" e "O Grande Silêncio", no ano seguinte traria "Companheiros". Com um herói que usa colete à prova de balas, um grupo de hippies drogados, e um bandido mexicano que dita a sua própria biografia a um rapaz, "O Especialista" é também o mais extravagante deste lote. A génese do filme é bastante obscura. Foi anunciado como um filme sobre um especialista em guerra, sob o título de "Lo Spécialiste a Mano Armata", e Lee Van Cleef foi mencionado tanto como actor principal como co-autor da história original. Recentemente, um projecto de um script foi desenterrado, assinado por Corbucci e Van Cleef, mas como alternativa, um título muito sugestivo: "Il Ritorno del Mercenario". De algum modo, e de alguma forma, Van Cleef saíu do projeto, e, aparentemente, Corbucci decidiu fazer um filme diferente, usando apenas algumas idéias do projeto inacabado (o colete à prova de balas e mexicanos bandidos revolucionários são claramente resquícios). De acordo com o protagonista, Johnny Halliday, o argumento foi escrito - cena por cena - no set, o que poderia muito bem explicar algumas das suas anomalias.
Na cena de abertura quatro jovens, que parecem hippies, são arrastados para a lama por bandidos mexicanos depois de um assalto a uma diligência. Um dos mexicanos atira uma moeda para dentro da lama, dizendo que o único que a devolver, será salvo (Barboni usaria essa idéia novamente na sequela de Trinitá). A câmera segue o líder dos mexicanos para dentro de uma casa, onde este é surpreendido por um homem vestido de preto, que mata todos os bandidos e é identificado pelos passageiros da diligência como o famoso pistoleiro Hud. Os passageiros chamam-no de amigo, mas Hud, impressionado, responde que não tem um único amigo no mundo. Está a caminho de Blackstone, no Nevada, para descobrir por que razão o seu irmão foi enforcado pelos habitantes da cidade, e o que aconteceu ao dinheiro que ele deveria ter desviado. Um ex-amigo, agora líder de um bando, coloca-o no rastro da sua velha chama, Virginia Pollicut, a viúva do proprietário do banco, que praticamente controla a cidade, usando todas as armas possíveis, inclusive o sexo...
À primeira vista, parece ser um western de vingança bastante simples, mas de acordo com Corbucci é um filme político. Se "O Especialista" é um vingador, então ele não está a agir contra um adversário, mas contra toda uma comunidade, representando a sociedade burguesa, detestada por Corbucci por reprimir todas as iniciativas revolucionárias pela força bruta. Tudo isto culmina com a famosa cena de Halliday a queimar o dinheiro do povo de Blackstone diante dos seus olhos. Quando Corbucci começou a trabalhar no filme, ficou claro que a revolta estudantil de Maio de 68 parisiense tinha fracassado e que não haveria nenhuma mudança política radical na Europa. Hud não tem amigos no mundo, as únicas pessoas em quem ele pode confiar é numa jovem angelical, uma prostituta e um xerife simpático, mas desastrado. O seu ex-amigo El Diablo é um ex-revolucionário que se transformou em bandido, e o xerife, que tem algumas idéias válidas sobre a não-violência (revolução pacífica?) é brutalmente assassinado enfrentando El Diablo, desarmado. Mas se El Diablo tornou-se num bandido 'normal', o seu desprezo pela burguesia de Blackstone é ininterrupta: para ele são apenas um bando de idiotas mandados por uma mulher, Virginia Pollycut (note-se que este também é o nome de Luigi Pistilli em "O Grande Silêncio"). Os personagens mais desdenhosos de todos eles, são os quatro hippies (um deles parece o Sergeant Pepper, dos Beatles). São apresentados como escória do menor tipo, que pedem ao especialista para lhes ensinar a atirar, assediam os visitantes do saloon, e forçam as pessoas de Blackstone a despir-se e rastejar pela rua principal da cidade num final escandaloso.
Halliday era (e ainda é!) um artista de rock francês notavelmente bem-sucedido, que vendeu mais de 80 milhões de cópias dos seus álbuns. O seu alcance de interpretação é naturalmente limitado, mas é refrescante ver um rosto desconhecido na liderança, e a sua estatura esguia e a expressão facial melancólica parecem encaixar muito bem na personagem. Hud pode ser um especialista, mas não é um mercenário. É um personagem solitário e quase miserável, mais perto do Silence do que de qualquer outro dos personagens de Corbucci.  

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Os Cinco Bandoleiros (Un Esercito di 5 Uomini) 1969

Um filme que será interessante para os aficionados do EuroCult não apenas porque é um "Zapata" western, mas também porque foi co-escrito pelo maestro do terror italiano Dario Argento (Deep Red, Suspiria). No entanto, ao contrário de Commandos, um macaroni combat escrito mais ou menos na mesma altura,  não se sabe exactamente no que Argento contribuiu para este filme.
Na dilacerada revolução mexicana, um soldado da fortuna americano incongruente, conhecido como "The Dutchman" (Peter Graves) recruta quatro hombres duros para um trabalho especial que ele planeia. Um especialista em explosivos, Captain Augustus (James Daly) é um veterano do exército com quem o Dutchman serviu em Cuba durante a guerra Hispano-Americana. Burly Mesito(Bud Spencer) possui uma força bruta enorme e, aparentemente, um poço sem fundo como estômago. O acrobata mexicano que se tornou ladrão Luis Dominguez (Nino Castelnuovo), e um "Samurai" (Tetsuro Tamba) - um guerreiro japonês que fugiu da sua terra natal, onde era um fora da lei - é um supremo espadachim, extraordinário a aremessar facas e um homem de poucas palavras. O Dutchman, é claro, vai ser o líder e cérebro do grupo.
O plano? Apenas roubar US $ 500.000 em ouro em pó de um comboio blindado do exército mexicano, bem guardado por soldados e armas pesadas ... enquanto está em movimento. Mas o "holandês" está confiante de que tem tudo muito bem trabalhado, e com a ajuda de guerrilheiros camponeses acha que têm uma boa hipótese de fazer o assalto.
Embora seja reminiscente de filmes como "The Magnificent Seven" ou "The Dirty Dozen" em termos de história, "The Five Man Army" continua a ser um spaghetti bem humorado embora um pouco americanizado. O realizador americano Don Taylor (há alguma controvérsia sobre se ele realizou o filme todo) podem não ter o estilo e o glamour dos melhores do melhores realizadores italianos do género, mas consegue fazer um trabalho bem feito, manuseando com competência a acção e o suspense gerados durante o assalto ao comboio e o clímax. O humor é mais descontraído do que forçado, e nós ficamos a saber apenas o suficiente da caracterização dos personagens principais.
Quanto a Peter Graves, parece ter caído de pára-quedas directamente de um episódio de "Missão: Impossível", a série de televisão em que ele era famoso por esta altura. Essencialmente está a interpretar a mesma personagem - o líder de uma equipa de operações especiais, e practicamente fá-lo do mesmo modo. Para um americano que cresceu a ver TV, quando Graves estava no auge, é um pouco chocante vê-lo aparecer num corajoso spaghetti western, primeiro ele parece um estranho fora do lugar, mas, eventualmente, acaba por entrar no culto dos Eurowesterns. No fim, Graves - cujo Dutchman faz um enorme twist durante o clímax dramático - é um trunfo para o filme, e não um erro de casting.

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E Deus Disse a Caim (E Dio Disse a Caino) 1970

Depois de dez anos de trabalhos forçados, por um crime que não cometeu, Gary Hamilton (Klaus Kinski) é perdoado. Ele foi traído pelo seu ex-amigo Acombar, que agora está casado com Maria, ex-namorada de Gary. Enquanto isso, Acombar tornou-se um tirano local, com um exército de pistoleiros a protegê-lo. Na diligência que o traz de volta, Hamilton acidentalmente encontra o filho de Acombar, Dick, e pede-lhe para dizer ao pai sobre a sua chegada. Um tornado é anunciado, e quando Hamilton se aproxima da cidade os pistoleiros de Acombar esperam por ele, cegos pela poeira levantada pelos fortes ventos. Hamilton usa a rede de galerias subterrâneas (de um cemitério indígena) para perseguir os seus inimigos e matá-los um a um, ajudado por algumas das pessoas da cidade que odeiam Acombar.
Muitas vezes considerado o melhor western de Margheriti, bem como o melhor dos spaghetti westerns góticos, este é também um filme controverso. É um remake não-oficial de um outro western spaghetti, feito apenas meses antes, "A Stranger in Passo Bravo", de Salvatore Rosso. Embora alguns elementos da história tivessem sido mudados, as semelhanças não podem ser negadas ou simplesmente chamadas de coincidência, tanto mais que no filme de Rosso, Anthony Steffen desempenha um vingador chamado Gary Hamilton, enquanto o seu rival, interpretado por Eduardo Fajardo, é chamado de Acombar. Foi considerado um milagre que Margheriti não fosse processado por plágio. Talvez a possibilidade de um procedimento legal fosse a razão para Margheriti praticamente renegar o filme durante a maior parte da sua vida. Mas, mesmo que tivesse sido plágio, não implica necessariamente uma falta de criatividade.
Aqui, Margheriti desenvolvia algumas idéias já utilizadas no seu western anterior. Embora no filme os aspectos do horror sejam ainda bastante contidos, começamos a duvidar se a personagem de Kinski é um homem ou um fantasma. Na primeira meia hora, quando o personagem é desenvolvido, vemos Kinski gradualmente a degenerar-se numa criatura possuída por um desejo de vingança, e quando finalmente chega às portas da cidade (na melhor sequência do filme), ele não é mais do que uma sombra, uma silhueta contra o horizonte. Na cena seguinte, apenas o seu cavalo entra na cidade, como se o homem tivesse sido engolido pelos ventos uivantes. No estilo do verdadeiro terror, um excelente uso de janelas a bater é utilizado, batendo cortinas e tocando sinos para criar uma atmosfera de terror e perigo iminente. As aves começam a gritar quando o nome de Hamilton é pronunciado...
Outro aspecto que é ainda mais levado ao extremo aqui do que no western anterior de Margheriti, é a representação da violência. A famosa cena de abertura de "Joko invoca Dio... e Muori", em que um homem está prestes a ser esquartejado, é assustadora, mas de uma forma sugestiva não exploradora. Mas neste filme um padre é executado, lenta e deliberadamente, na frente de uma câmera imóvel, e um dos vilões é literalmente esmagado por um sino gigante, provavelmente na cena mais graficamente violenta que poderemos ver num western spaghetti. Margheriti também considera o seu próprio filme "mais siciliano do que o americano": com um argumento sobre a traição e a força dos laços familiares, que está mais próxima de uma história da máfia do que de uma história típicamente passada no Oeste. Quando o filho de Acombar, que parece ser uma pessoa decente durante todo o filme, descobre que o seu amado pai aparentemente respeitável é um criminoso, ele escolhe o seu lado, referindo-se aos fortes sentimentos de lealdade com o clã e a família, que se encontram na base das existências criminosas italianas. De acordo com o drama da família clássica, em que é o pai, o patriarca, que finalmente causa a queda da dinastia, matando o seu próprio sucessor por engano.  

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Duelo Entre Gigantes (Joko Invoca Dio... e Muori) 1968

O filme começa com uma cena terrífica. De cima, vemos um jovem em perigo, deitado na lama, lutando pela vida. Por um momento, parece que as pessoas estão a tentar dar-lhe alguma assistência atirando cordas na sua direção. Mas, então, como um choque, percebemos que os braços e as pernas estão amarradas a cavalos: e este homem está prestes a ser esquartejado! A brutalidade real não é mostrada, mas o grito do jovem a morrer, vai doer-nos até aos ossos.
Rocco é um ladrão de ouro, o seu amigo é dilacerado e ambos ficam sem o ouro, e assim ele parte para a vingança, para caçar os cinco bandidos que rasgaram o seu companheiro e fugiram com o produto do roubo. Mas há também um caçador de recompensas, que acaba por ser uma aquisição bastante estranha para esta história...
Antonio Margheriti foi um dos realizadores mais prolíficos da idade de ouro do cinema de género italiano. Ele fez peplum, ficção científica e filmes de ação, mas é mais conhecido pelos filmes de terror, como Danza Macabre (1963) e Lunghi eu Capelli della Morte (1964). Também fez um punhado de westerns, mas foram os seus dois westerns góticos que lhe garantiram um status de culto entre os fãs de spaghettis. Destes dois, "And God Said to Caim" é provavelmente o mais conhecido, mas este não lhe fica muito atrás.
"Duelo Entre Gigantes" não é um clássico, mas é um bom filme de vingança. É também um filme de vingança com um twist: o vingador é ele mesmo um dos bandidos que quer o seu dinheiro de volta, mesmo que não lhe tivesse sido roubado directamente. Ele e os amigos foram traídos depois de um assalto bem sucedido por uma quarta pessoa, um mexicano chamado Domingo que os vendeu para outro gang. Dois amigos morreram como resultado da traição, Nicky, um jovem acrobata, e Mendoza, o brilhante líder da quadrilha, apelidado de "O Professor", que tinha o roubo engenhosamente planeado. Rocco rastreia Domingo, que lhe dá três nomes, mas recusa-se a revelar o nome de uma quarta pessoa, "o homem em segundo plano". Enquanto persegue os assassinos dos amigos, é seguido por um misterioso homem de preto, que acaba por ser um agente de Pinkerton.
A história é um pouco mais pesada do que a maioria dos westerns de vingança. É-nos contada episodicamente, com Rocco a enfrentar os seus adversário um a um, e o elemento de "filme de detective" também é adicionado, mas a identidade do traidor é um pouco óbvia demais para o filme para ser eficaz nesse aspecto. Margheriti usa a sua experiência no género de terror para criar uma grande atmosfera gótica. A direcção só vacila durante o final prolongado, passado numa mina de enxofre. A sequência final não é má, mas leva por muito tempo e carece de um verdadeiro clímax. Mesmo Margheriti concentra-se mais na atmosfera em vez da acção, o filme é bastante violento.
Pena que o protagonista tenha sido um pouco mal escolhido. Richard Harrison não tem carisma suficiente para liderar um western desta envergadura.

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Onde o Sol Nunca Brilha (Là Dove Non Batte il Sole) 1974

O recém-chegado ladrão, Dakota (Lee Van Cleef), é falsamente acusado de assassinar um asiático rico ao visitar uma pequena cidade do oeste. Saltamos para Hong Kong, e a Chiang Ho (Lie Lo) é dado a missão para salvar a honra da sua família e partir para o oeste, a fim de descobrir a fortuna do seu tio. Junta-se a Dakota para juntos descobrirem onde se encontra a fortuna do tio. Não levam muito tempo a descobrir que a chave para a fortuna está escondida numa série de pistas, que estão tatuadas em quatro mulheres. Partem então em busca destas mulheres e, na rota, pegam uma série de brigas de bar, envolvem-se com bandidos mexicanos, jogos de cartas manipulados e cruzam com o fabuloso Julian Ugarte, um pregador da Bíblia (com uma igreja construída na parte traseira de sua carruagem ), que distribui a sua penitência pelo meio de balas.
"Onde o Sol Nunca Brilha" (lançado nos EUA como "The Stranger and the Gunfighter") foi uma brincadeira de um bom gosto misturando o western spaghetti e o kung fu, dois elementos de estilo bastante diferentes. Não é um filme fantástico, e acaba por não ser bem sucedido, tanto como spaghetti ou filme de artes marciais, mas como uma mistura de ambos é uma peça divertida, realizada por António Margheriti, um realizador especialista em filmes de terror gótico, mas que também fez uma mão cheia de spaghettis.
Lee Van Cleef aparece bastante bem no filme, que é uma mudança agradável nos seus papéis, tanto como vilões, como personagens estóicas nos westerns spaghetti anteriores. Lo Lieh (Five Fingers of Death, Executioners From Shaolin) é grande, como de costume, fazendo algum trabalho incrível de kung fu.

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Cavalgada Fantástica (Take a Hard Ride) 1975

Kiefer (Lee Van Cleef) é um caçador de recompensas que leva o seu trabalho talvez um a pouco sério demais. Aprendemos isso ao observá-lo, perseguindo um bom homem que cometeu um crime décadas atrás, e desde então, que vem a ser perseguido pelo caçador. Não está preocupado em justificar a sua linha de trabalho, está apenas preocupado em fazê-lo bem. Quando Morgan, um rico fazendeiro que está a tentar mover $ 86.000 para o México, morre de causas naturais, deixa o dinheiro ao seu melhor amigo e empregado Pike (Jim Brown) agora responsável por esta missão. Isso faz com que Pike passe a ser um dos homens mais procurados em todo o velho oeste. Este cruza com Tyree, astuto e perigoso (Fred Williamson), que quer pôr as suas mãos no ouro, mas está disposto a ajudar a levar o dinheiro para o México antes de fazer o seu jogo. Ao longo do caminho estes dois tropeçam numa família que foi massacrada por cowboys. Entre eles está Kashtok (Jim Kelly), um índio criado como afro-americano, que usa os punhos em vez de uma arma. Este estranho grupo de viajantes vão ter que lutar contra várias armas no Oeste, assim como contra o perigoso Kiefer, o caçador de recompensas.
Pegamos num realizador italiano versátil, António Margheriti, três das maiores estrelas da Blaxploitation, uma banda sonora de Jerry Goldsmith e uma história envolvendo um Kung Fu indiano, uma prostituta à procura de redenção, racistas e religiosos, um vilão chamado Lee van Cleef - e temos este incrível western. Um raro exemplo de como a ética toma o spaghetti western de volta para os EUA e constroi algo único, como: um blaxploitation spaghetti western!
"Take a Hard Ride" não tem a história mais original. Jim Brown jura ao seu chefe moribundo que vai levar o seu dinheiro para o México, e que a sua versão mexicana do Shangri La pode ser construída. Então, é emboscado regularmente por qualquer pessoa que ouve falar sobre o dinheiro, incluindo Fred Williamson. Uma vez que Williamson, Kelly e Brown se unem, a vitória está garantida, enquanto combatem os banditos, o KKK e Van Cleef.  Ebora o filme não seja uma aula de história, é engraçado assistir a um western, onde os negros acabam por vencer.
Um detalhe engraçado é a quantidade de velhas estrelas de Hollywood que podem ser encontradas no filme: Harry Carrey Jr, Barry Sullivan, ou Dana Andrews.

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