The Joke (Zert) 1969

 

Como estudante universitário, Ludvik Jahn (Josef Somr) faz uma observação improvisada numa carta para a namorada, uma piada que denegre o optimismo cego do Partido. O cartão é enviado pelos seus colegas para os oficiais do partido, e ele é expulso da escola, e passa seis anos na prisão militar com trabalhos forçados. Anos mais tarde, vê uma oportunidade de vingança: seduzir a esposa (Jana Dítetová) de um dos líderes (Ludek Munzar) que o traíram.
Embora não tão fantasioso ou surreal como o seu filme seguinte, "Valerie and her Week of Wonders", Jaromil Jires brinca com a cronologia. O filme começa no meio, revelando a história de Ludvik gradualmente, através de flashbacks como as circunstâncias que levaram ao seu comportamento vingativo. Muitas vezes, esses flashbacks sobrepõem-se com o presente, como no momento em que ele se senta em algum tipo de cerimónia religiosa ou folclórica e se lembra do seu "julgamento". É uma técnica interessante usada de uma maneira que se sentia fresca e ousada. Os flashbacks são também contados através da perspectiva da primeira pessoa, colocando o espectador no lugar de Ludvik, e roubando ao protagonista a sua identidade. 
É uma história muito interessante que mantém sempre o ritmo e sofre algumas reviravoltas intrigantes. O filme é abertamente crítico ao Partido, não como uma alegoria alegoria mas ctiticando-o de frente. Sem surpresa, foi banido, mesmo pondo de lado o seu forte conteúdo político, que funciona como um drama humano interessante, faz a sua parte em observações improvisadas onde o humor se perdia e algum tipo de situação explodia. 
Na altura em que "Zert" foi escrito, o seu autor Milan Kundera (A Insustentável Leveza do Ser) era um líder da oposição no movimento de reforma que resultou na Primavera de Praga, quando os artistas e intelectuais denunciaram a repressão do governo, na arte e na literatura. A invasão soviética de 1968 terminou eficazmente com todo o fermento ainda mais criativo e a Checoslováquia foi dominada pelo duro comunismo que não tolerava o desrespeito. O realizador, Jires Jaromil, ao contrário de muitos dos seus compatriotas, preferiu ficar na Checoslováquia e enfrentar a opressão da época. O seu estilo virou-se mais para os documentários, que fez com distinção alguns anos depois.

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The Cremator (Spalovac Mrtvol) 1969

 

Os filmes da Nova Vaga Checa são simultaneamente acessíveis, experimentais e incisivos - desde o devastador "Closely Watched Trains", à confrontação política e sexual de "Daisies".
"The Cremator" é um filme profundamente perturbador que examina, como e porquê, as pessoas aderam ao totalitarismo e ao genocídio, tema que, infelizmente, é tão oportuno hoje como era em 1968. Conta-nos a história de Roman, um homem de família que dirige um crematório no final dos anos 30. Apesar da sua herança austríaca, Roman imagina-se um homem Checo de cultura refinada, cativado pela música clássica  guardando como um tesouro uma cópia de um livro sobre budismo tibetano. No fundo, Roman é um empresário e um bajulador, preocupado com a sua posição na sociedade e como é visto pelos seus vizinhos. Obcecado pela limpeza, vai ao médico de cada vez que faz uma visita a um bordel, mas, quando se encontra com ele diz que tem sido fiel à sua esposa. Como os nazis começam a chegar ao poder, o cremador reavalia a sua relação situação com tudo o que alegou para se manter próximo aos detentores do poder - embora a sua esposa seja meio judia, e os filhos 1/4 de judeus. Logo, o inconcebível torna-se realidade, como o cremador a cometer actos abomináveis ​​e racionalizados através de uma leitura errada dos princípios budistas.
O realizador Juraj Herz emprega o vocabulário visual dos filmes de terror e do Expressionismo Alemão - a fraca iluminação, as figuras espectrais, as exposições duplas, etc (A semelhança entre os actores Rudolf Hrusínský e Peter Lorre dificilmente poderiam ser uma coincidência.) Não obstante estas influências óbvias, aa imagens de Herz têm um olhar muito próprio, alternando entre closeups distorcidos e deslumbrantes, meticulosamente compostos por grandes ângulos de câmera.
No entanto, a montagem intencionalmente rápida e dissonante, é mais parecida com a de Sergei Eisenstein do que com a de Mario Bava. Herz utiliza técnicas de montagem ao longo do filme, mais obviamente quando insere cenas de arte clássica como comentário sobre a narrativa. Para continuar a deslumbrar a audiência, Herz também insere regularmente, closeups extremos de várias partes do corpo das personagens. Em paralelo, a fotografia assustadora e a montagem incomum mantêm o espetador profundamente perturbado ao longo do filme.
Herz também é adepto de preencher cada cena contando os pequenos detalhes. Por exemplo, o personagem principal exibe toda a sua natureza controladora através do hábito de agarrar as pessoas pela parte traseira dos seus pescoços. Da mesma forma, o artifício de um "casino" nazi que o cremador visita é exemplificado pelas loiras não naturais branqueadas que o povoam. 
Estes estão longe de ser os únicos truques estilísticos de Herz. Para começar, o filme apresenta uma sequência de animação que antecipa o início dos trabalhos de Terry Gilliam. Além disso, a peça central do filme é uma viagem pela família do cremador para um carnaval de horrores, que fornece a Herz a oportunidade de se envolver em todos os tipos de visuais. 
Foi premiado com três prémios no festival de Sitgés: Melhor Filme, Actor e Fotografia.

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Marketa Lazarová (Marketa Lazarová) 1967

 

A reputação de František Vláčil, o falecido realizador Checo tão bem referenciado na sua própria terra, mas praticamente ignorado no exterior, passou por uma mudança radical recentemente. Um empurrão colectivo de críticos, cinéfilos e distribuidores, gradualmente, foram garantindo um lugar para Vláčil entre os grandes. O BFI contribuiu para o processo de recuperação póstuma e reconhecimento com uma retrospectiva do trabalho de Vláčil, o crítico Peter Hames tem trabalhado incansavelmente e de forma brilhante na causa - com o apoio da comunidade online e assegurando um pacote de lançamentos em DVD.
"Marketa Lazarová" (1967), obra-prima de Vláčil, tem sido frequentemente considerado como "o maior filme checo de todos os tempos." Uma centena de críticos checos rotularam-no como tal numa sondagem para marcar o centenário do cinema Checo em 1998 e, para o bem e para o mal, a lenda ganhou raízes. Um monumental épico em wide-screen passado no século 13, foi certamente o mais ambicioso projecto em terras da Checoslováquia. Com um orçamento várias vezes superior do que teria, então, sido normal para filmes produzidos no Barrandov Studio, o filme utilizava mais de 58.000 metros de película. Farto de filmes que representavam o passado, apresentando "pessoas contemporâneas vestidas em fatos da época", Vláčil insistiu que os seus atores vivessem os seus papéis. "Marketa Lazarová" foi filmado ao longo de 200 dias, em condições de terreno duras, exigindo um compromisso da parte da sua equipa e do elenco de 40 actores e 600 figurantes, muitos dos quais viveram no local durante longos períodos de tempo, durante as filmagens - no gelo, na neve, e vestidos com trapos.
O filme, adaptado de um romance vanguardista de Vladislav Vančura, de 1931, conta duas histórias de amores singulares e trágicos, e está dividido em duas partes (Parte 1: Straba o Lobisomem e a Parte 11:. O Santo Cordeiro). Cada parte é subdividida em vários capítulos.A história gira em torno da família Kozlík: o velho patriarca, Kozlík, a sua mulher, Katrina, e os oito filhos e nove filhas - em especial Mikoláš (aparente herdeiro de Kozlík), Adama-Jednorucka e a sua irmã, Alexandra. 
Mikoláš e o irmão Adama roubam viajantes para o seu pai tirano, Kozlík. Durante um de seus "trabalhos" acabam com um jovem alemão como refém, cujo pai foge para levar a notícia do rapto e do roubo ao rei. Kozlík prepara-se para sofrer a ira do rei, e envia Mikoláš para pressionar o vizinho Lazar para se juntar a ele na guerra. A persuasão falha, e Mikoláš para se vingar rapta a filha de Lazar, Marketa, quando ela estava para entrar num convento. O rei, entretanto, prepara um exército e o religioso Lazar será chamado para lutar contra Kozlík.
Estas são algumas simples dicas de um enredo coerente mas complexo e fragmentado. O interesse de Vláčil, contudo, não estava no enredo, mas na psicologia, no tempo e no lugar. Quando aparece o título do filme nos créditos de abertura - com a palavra Marketa escrita num script gótico, e a palavra Lazarová numa fonte contemporânea - imediatamente anuncia que o filme vai combinar o antigo e o moderno. Vláčil invoca uma fábula medieval no que pode hoje em dia ser chamado de "forma de ponta." Hostil a dramas históricos convencionais, com as suas fórmulas narrativas e tendência para higienizar o passado, Vláčil procurou, paradoxalmente, evocar o século 13 com uma autenticidade nascida da obsessão, ao implantar todas as inovações formais que conseguiu reunir. Vláčil estudou as condições de vida e as tradições das tribos "primitivas" (leia-se antropologia, história e mitologia) vorazmente, e meticulosamente preparou os seus actores na psicologia dos seus personagens. As roupas, ferramentas e armas usadas replicaram a Idade Média até aos mínimos detalhes. Os diversos locais foram sondados pela sua semelhança com as paisagens e habitações daqueles dias.
Muito influenciado pelas pinturas pré-modernas ou proto-modernas de Pieter Bruegal, Vláčil escolheu cuidadosamente os actores, a maioria dos quais eram amadores, e foram escolhidos pelos atributos físicos de acordo com a época feudal. Antes de aparecer no filme, František Velecký (Mikoláš) era um engenheiro de construção, Vlastimil Harapes (Kristian) foi um dançarino e Pavla Polaskova (Alexandra) uma designer. Marketa Lazarová foi interpretada por Magda Vášáryová, filha de professores (Vášáryová tornar-se-ía mais tarde, sucessivamente, embaixadora da Checoslováquia para a Áustria, embaixadora da Eslováquia para a Polónia, e secretária de Estado dos Negócios Estrangeiros). Mesmo os movimentos dos animais envolvidos - quatro falcões e uma águia, uma ovelha, uma cabra, uma serpente, veados, cavalos incontáveis ​​e lobos - foram muitas vezes orquestrados sobre um controle de direcção apertado. 

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O Baile dos Bombeiros (Horí, Má Panenko) 1967

Feito mesmo antes de deixar a Checoslováquia pelos EUA, "O Baile dos Bombeiros" foi o primeiro filme a cores de Milos Forman, e o seu último filme no país natal, e também a razão pela qual ele teve que deixar o seu país, para poder continuar a fazer filmes. É fácil de perceber porquê. O filme é, obviamente para as audiências modernas e, aparentemente, para os censores checos, uma crítica corrosiva ao Partido Comunista Checo e, mais audaciosamente, da própria idéia de acção coletiva que sustenta o socialismo. Esta é uma sátira expressiva, divertida, documentando uma única noite numa festa de uma pequena cidade, organizada pelos bombeiros locais, honrando o presidente que se que vai aposentar no seu octagésimo sexto aniversário (esqueceram-se da sua homenagem mais significativa, no octagésimo quinto aniversário, no ano anterior, uma das muitas gaffes cometidas por esta assembleia incompetente). Desde o início, mesmo antes dos créditos, Forman define o cenário para a palermice que vai vir, como os bombeiros a acusarem-se mutuamente de roubar os prémios do fundo da lotaria, e a incendiaram a bandeira que era para pendurar por cima da sala durante o baile. O facto de eles serem tão incapazes de operar o equipamento, mesmo para apagar este incêndio de pequena escala, é apenas o primeiro comentário sobre a extensão da sua incompetência, e um pouco do prenúncio do clímax surpreendentemente comovente do filme.
Naturalmente, as coisas só pioram a partir daqui. Estes são os homens que conseguem estragar o processo de seleção das participantes do concurso de beleza em que o salão de baile está  repleto de mulheres jovens e atraentes. As finalistas escolhidas são ou agressivamente simples ou exageradamente difíceis. Forman permite cenários absurdos como este de uma forma natural. Ao longo da noite, a mesa atulhada dos presentes da lotaria será lentamente esvaziada por múltiplos (e invisíveis) roubos, os casais jovens a copular sobre as mesas, o presidente a parecer senil e perdido, a caminhar pelo palco em momentos completamente inadequados, e o concurso de beleza em si a cair por terra, numa das cenas mais histéricas do filme.
Forman encena tudo isto numa atmosfera de crescente caos. A sua câmera é íntima, casual, e em perfeita sintonia com o espírito de loucura anárquica que decorre ao longo deste filme. A mise-en-scène abrange, essencialmente, duas visões diferentes de coletividade: a ordem do comité para os organizadores do partido, e a anarquia selvagem do próprio partido. Para Forman, estes dois resultados possíveis são igualmente absurdos, e ambos estão claramente ligados a aspectos da sociedade comunista - assim como a brigada de incêndio substitui o partido comunista, os foliões são o proletariado, preso dentro de uma situação absurda com líderes absurdos, e obrigados por estas circunstâncias a agir de forma desonesta e desprezível. Este é um sistema que privelegia a desonestidade. Confrontados com o facto de todos os prémios da lotaria serem roubados, a comissão dos bombeiros decide que as pessoas que não roubaram terão que pensar que houve uma lotaria e eles apenas não ganharam. Afinal, todos compraram bilhetes, aqueles que roubaram os prémios eram simplesmente os vencedores. Quando um dos membros da comissão tem um ataque incomum de culpa e é apanhado a tentar devolver um prémio roubado, os seus companheiros ficam com raiva dele, não por roubar, mas por tentar devolver o prémio, o que prejudica a reputação da brigada de incêndio. 
"O Baile dos Bombeiros" é um filme delicioso, mas também um filme com um coração enorme , batendo sob uma superficie hilariante. Como o clímax do filme revela, a incompetência da brigada de incêndio, que parece tão cómica no contexto de uma festa desastrosa, também pode ter consequências graves, quando aplicado a questões do mundo real.
Valeu uma nomeação para o Óscar de Melhor Filme Estrangeiro. Seria o terceiro Óscar neste categoria para o cinema Checo, em apenas quatro anos, prova da força que este cinema tinha nesta altura.

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Jovens e Atrevidas (Sedmikrásky) 1966

Um filme caótico, divertido, e encantador, que tira proveito da liberdade atribuída a Chytilová e aos seus colegas realizadores deste movimento. Remove completamente toda a política, bem como as regras do cinema, e emerge como uma declaração impressionantemente artística com um impacto duradouro e uma influência que pode ser vista nas obras de Jacques Rivette, até Novo Cinema Francês Extremista, e até mesmo na MTV.
Não existe propriamente uma história neste filme, pelo menos como um conceito. Duas jovens mulheres, ambas chamadas Marie, interpretadas por Ivana Karbanová e Jitka Cerhová, uma loira usando uma coroa de margaridas em volta da cabeça, e a outra morena com tranças infantis , até que um dia decidem que, já que o mundo se estragou, também elas vão ser estragadas. Então, para o mundo que vão, incessantemente pregando partidas e devastando tudo e todos que encontram, o que é divertido de se assistir, estas duas meninas traquinas constantemente estragam tudo e fogem.
Para refletir se o assunto deste filme é realmente uma exploração do valor do significado dentro do filme, é uma pergunta, possivelmente, irrespondível. Uma pergunta talvez não tão grande como o sentido da vida, o imprudente que viajar na galáxia de Douglas Adams ponderará que esta resposta não é fácil. Há uma qualidade em Daisies/Sedimkrásky, de Věra Chytilová, que torna obscuro e indefinido este filme, é como olhar para um objecto através de névoa ou debaixo d'água. Desde que nunca tenhamos a certeza do que é que estamos a olhar, a curiosidade de o querer identificar que faz-nos continuar a procurar na esperança de atingir a clareza.
A melhor questão, talvez seja representada pelas heroínas de Chytilová, as Marias, o se, "é importante", ou "não é importante", esse é o coração do filme, em torno do qual  vários acontecimentos são construídos. As raparigas consideram que o seu mundo ficou estragado, por isso, elas também se podem estragar. Como muitos grandes filmes, "Daisies" é uma provocação e uma divisão. Se provoca reacções de diversão, admiração, confusão, ou talvez, desgosto não importa, mas, o que importa, é o que o filme não nos deixa indiferentes. Neste caso, temos uma série de imagens e momentos que são tão marcantes, que, uma vez vistos, ficam quase indelevelmente gravados na mente.
 Legendado em inglês.

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Comboios Rigorosamente Vigiados (Ostre Sledované Vlaky) 1965

 

Aqui está mais um exemplo, maravilhosamente alegre do cinema checo dos anos 60, com uma história simples de ambição, humor irónico, e um exame comovente da condição humana. 
Perto do final da Segunda Guerra Mundial, o jovem Milos (Václav Neckar), que, como nos é dito no início é descendente de uma longa linha de preguiçosos, e pelo que nos parece, ele próprio não foge muito desta condição, recebe o seu primeiro trabalho como aprendiz não remunerado na estação dos comboios local. Um trabalho que requer muito tempo sentado ou às voltas de pé, enquanto observa os comboios que passam. Como para a maioria dos jovens, o seu principal objectivo na vida é perder a virgindade, e entre os cenários perigosos de uma perigosa frente alemã, e um bem organizado movimento de resistência, Milos tenta, com diferentes resultados cómicos, tornar-se um homem.
Mas esta obra é muito mais do que apenas uma comédia sexual de "coming of age", é um trabalho de génio puro, no qual Jirí Menzel nos presenteia com uma série de belas imagens, gags visuais e musicais e cenas tão memoráveis ​​que não sabemos por onde começar. Menzel consegue capturar no ecrã todas as pequenas alegrias, triunfos, decepções e tragédias da vida numa pequena comunidade, num curto período de tempo (apenas uma hora e meia), com grande facilidade e de uma forma muito simples.
O melhor momento talvez seja o encontro noturno no escritório da estação entre Hubicka (Josef Somr) o mulherengo despachante da estação, e Zdenka (Jitka Zelenohorská) a telegrafista. Logo seguido de um dos momentos mais sérios do filme, uma sequência magistral de sedução lúdica que imediatamente ilumina o humor do filme.
Os personagens podem não ser amáveis, mas todos são cuidadosamente elaborados e plenamente realizados com interpretações naturais. A fotografia deslumbrante a preto e branco não precisa de ajuda, as imagens são a prova disso. A história pode ser um pouco lenta e sinuosa para aqueles habituados ao ritmo rápido dos filmes modernos, mas os espectadores atentos facilmente podem saír arrebatados pela profundidade de cada momento bastante detalhado.
O sucesso internacional do filme, fez dele um dos mais famosos da Nova Onda Checa, e por boas razões. Continua a ser um dos grandes filmes dos anos sessenta, sem qualquer margem para dúvidas. Em 1968 acabaria por ganhar mais um Óscar para o país de Melhor Filme Estrangeiro.  

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Em Abril...

Alí ao lado, podem escolher quais são os vossos ciclos preferidos para o mês de Abril. Um que não está alí na lista, fica desde já marcado para este mês: O Cinema Novo Português.

A Loja da Rua Principal (Obchod na Korze) 1965

 

Dramas psicológicos com o holocausto da Segunda Guerra Mundial como pano de fundo, são um dos temas predominantes nos primeiros filmes da Nova Vaga Checa..Tal como outros filmes deste período, lida-se com uma história pessoal dentro destes tempos conturbados. "A Loja da Rua Principal" aborda esses temas familiares com um toque de simplicidade, e duas excepcionais interpretações de Jozef Kroner e Ida Kaminska. 
Kroner interpreta Tono Brtko, um carpinteiro da pequena cidade, infeliz, com uma mulher incessantemente irritante (Hana Slivková) e um oficial fascista como cunhado (Frantisek Zvarik). Tono não quer ter nada a ver com a política, e vai passando a vida a fazer biscates. No entanto, o cunhado decide fazer-lhe um "favor" nomeando-o para controlador de uma loja de têxteis na rua principal da sua cidade. A loja é gerida por uma víuva gentil, mas senil,  a judíaca Sra. Lautmann, interpretada pela polaca Ida Kaminska, que viria a conseguir uma nomeação ao Óscar de Melhor Actriz com este desempenho, coisa que naquela altura não era fácil para uma actriz estrangeira . Esta velha senhora é completamente ignorante sobre o fervor fascista que paira sobre a cidade, e pensa que Tono não está lá para assumir a loja, mas para procurar emprego. Os dois começam a conviver muito bem, no entanto, quando todos os judeus da cidade são deportados, Tono deve decidir se vai se tornar um colaborador sem alma ou ser rotulado como um "amigo dos judeus".
Embora o assunto seja bastante pesado, não é de todo sombrio. Kadar e Klos, os realizadores, mantêm as coisas leves a maior parte do tempo, juntando o não muito brilhante Tono com a encantadora Sra. Lautmann em alguns momentos frequentemente bem-humorados. A ligação que se desenvolve entre eles é realmente muito doce. Mas, obviamente, os bons tempos não podem durar, e na última parte do filme,  brilha como Tony vai ter de ser obrigado a fazer uma escolha quase impossível.
Tal como o filme de Fellini "Amarcord", "A Loja da Rua Principal" também se concentra num grupo de pessoas da cidade e os efeitos do fascismo na sua população, mas Kadar e Klos claramente queriam dramatizar como a chegada do Nazismo afectou alguma parte da população, que gravitaram para posições de poder vantajosas, instigando uma limpeza étnica. O argumento de Ladislav Grosman (o seu único trabalho para cinema) poderia ter sido um drama mostrando a injustiça gritante a preto e branco, mas junto com os dois realizadores, escolheram atingir um bom equilíbrio entre o drama e um leve toque de comédia.
Para além de ter alcançado uma nomeação para Melhor Actriz, o filme venceu o Óscar de Melhor Filme em Lingua Estrangeira, e uma Menção Especial para os dois actores principais no Festival de Cannes. 

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Os Amores de uma Loira (Lásky Jedné Plavovlásky) 1965

A vida no interior da Checoslováquia não é fácil. Como quase todos os rapazes estão a cumprir serviço militar, a fabrica local emprega muitas jovens mulheres (a relação de raparigas para rapazes é de 16 para 1). A solução das autoridades para lidar com o baixo moral das operárias, que se ressentem da falta de vida social, é pedir que o exército envie um pelotão para a cidade. As jovens animam-se, mas depressa descobrem que o pelotão é formado por homens de meia idade. Andula (Hana Brejchová), a loira do titulo, tem a hipótese de se encontrar com um dos membros da banda de Praga (Vladimir Pucholt) que veio tocar no evento.  Deste encontro vem o conflito entre o desejo dele de uma aventura rápida e o sonho dela de uma relação estável.
A "new wave" checa da década de 1960 passou por entre as fendas do bloqueio soviético do progresso cultural apenas o tempo suficiente para ser pouco notada pelo Ocidente. Em resposta ao sucesso do neo-realismo na Europa, um grupo de realizadores checos tentou combater o imperativo ideológico predominante do cinema soviético, o chamado "realismo socialista". Ironicamente, o neo-realismo em si tende a inclinar-se para políticas populistas, muitas vezes, de esquerda, mais interessado num olhar para a classe trabalhadora. Como a maioria dos movimentos de esquerda, o neo-realismo foi dirigido por intelectuais, pelo menos em França, onde se transformou na nouvelle vague.
O primeiro sucesso internacional de Milos Forman, é um digno sucessor do cinema europeu da época. Embora um pouco leve em comparação com os seus modelos francêses e italianos, o filme de Forman ainda mostra os ingredientes de um realizador cujo verdadeiro talento só será notado depois da sua fuga para os Estados Unidos, depois da repressão de 1968.
O uso de Milos Forman das técnicas da Nouvelle Vague, como na cena de abertura com uma mulher ousada com uma guitarra a cantar uma canção rockabilly indecente, tanto alegre como selvagem, sobre os créditos de abertura, drena o filme de pretensões românticas. Mesmo o encontro sexual entre Andula e Milda tem um ar de erotismo melancólico para ele, trazido pela tensão e constrangimento dos dois amantes.
"Os Amores de uma Loira" estreou em competição no Festival de Veneza de 1965, e dois anos depois foi nomeado para o Globo de Ouro e o Oscar de melhor filme em lingua estrangeira.

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Something Different (O Necem Jinem) 1963

"Something Different" era a estreia nas longas-metragens da realizadora Vera Chytilová. O filme estreou no Festival de Cinema de Mannheim, em 1963, ganhando o principal prémio para Melhor Filme.
Este filme era um exemplo precoce de natureza exprimental já florescente de Chytilová. Composto por duas histórias diferentes, alternadas: uma segue a vida real da medalhada de ouro olímpico Eva Bosáková, que luta através dos treinos para a competição final, filmado em estilo documentário semi-ficcional; a outra história, mais tradicional, segue uma mulher chamada Vera (Vera Uzelacová), uma dona de casa insatisfeita com uma criança desagradável e um marido indiferente.
Estas histórias opostas, em princípio, parecem não ter nada em comum, mas a realizadora explora-as de um modo notável, que logo revela um tema universal. Torna-se claro que as mulheres não estão totalmente satisfeitas com as suas situações. Eva está extenuante com os treinos diários, e pondera sobre desistir e começar uma vida normal. Enquanto Vera está igualmente cansada de lidar com o seu filho malcriado todos os dias, e um marido que a ignora à noite, e anseia por escapar desta sua vida mundana. 
Então, estas duas mulheres são como duas faces da mesma moeda, cada uma ansiando viver a vida da outra. É uma abordagem fascinante porque apresentadas individualmente, estas histórias provavelmente se tornariam numa coisa sem graça e sem originalidade, mas Chytilová emprega uma excelente montagem para combinar os estilos contrastantes lindamente, e também usa alguns ângulos de câmera inventivos durante as sequências de ginástica, utilizando ângulos exclusivos com belas reviravoltas
O tema do feminismo também teria sido ousado nesta altura, retratando duas mulheres fortes e independentes com espírito activo procurando "algo diferente". Aqui, Chytilová, brilhantemente, estabelece as bases para o tema que, com grande ousadia e mestria, iria trazer no seu próximo filme, "Daisies". Que iremos ver mais para a frente neste ciclo.  

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The Sun in a Net (Slnko v Sieti) 1962

"The Sun in a Net" incide sobre a vida de dois jovens adultos, Bela (Jana Beláková) e Oldrich "Fajolo" Fajták (Marián Bielik), em como lidam com os conflitos em que as suas famílias vivem, tanto um como o outro. É um filme revolucionário, que rompeu as prescrições impostas pelo método realista socialista. Da imposição do regime comunista na Eslováquia (e Checoslováquia), em 1948, o realismo socialista foi ordenado para ser o método artístico a ser utilizado por todos os artistas. De acordo com este método, apenas de concreto, os trabalhos realistas de arte tinham valor; qualquer coisa de abstrato era considerada inaceitável porque não possuía uma mensagem definida (pró-comunista). Os cineastas foram obrigados a mostrar uma sociedade feliz em que tudo era feito para o bem da comunidade e ninguém poderia se mostrar insatisfeito com o comunismo. Se houvesse uma personagem negativa num filme, essa personagem iria passar por um filtro marxista-leninista ou teria de desaparecer.
"The Sun in a Net" foi feito no início do crescente controle comunista e à execução do realismo socialista na Checoslováquia. Também desempenhou um papel a ajudar a continuar este processo. O filme incorpora elementos geralmente proibidos no cinema da época, tais como imagens da carne (pele) na tela, insinuações sexuais no diálogo, e o tema de decepção conjugal.
Era o segundo filme do realizador Štefan Uher(1930-1993). O primeiro, "We from Grade 9, Study Group A (My z deviatej A, 1962) era sobre a vida de um grupo de estudantes de 15 anos de idade e a sua escola. Alfonz Bednár (1914-1989), o argumentista de "The Sun in a Net", era um escritor relativamente bem sucedido, que publicou algumas obras não-conformistas de ficção um pouco antes de outros autores o conseguirem fazer. Este filme é baseado em três dos seus contos: "Fajolo’s Contribution" ("Fajolov príspevok"), "Pontoon Day" ("Pontónový Den"), e "Golden Gate" ("Zlatá brána"). Cheio de idéias inovadoras e detalhes simbólicos, "The Sun in a Net" retrata a vida de dois jovens em Bratislava que têm problemas entre si e em casa. Bela é uma adolescente, loira atraente que vem de uma família disfuncional. A mãe é cega e o pai adúltero é indiferente à deficiência da sua esposa. Ela e o irmão mais novo, Milo (Peter Lobotka) devem interagir como os pais nesta casa, mantendo-a juntos e cuidando da mãe incapacitada. Fajolo, namorado de Bela, é um jovem homem indeciso que tem dificuldade em expressar os sentimentos para com Bela . A sua família também tem interações tensas entre si. Os pais ocupados são ouvidos, mas nunca são vistos na tela, o que é uma maneira eficaz de apresentá-los individualmente como indiferentes. As poucas interações da mãe com Fajolo ao longo do filme, é dizer-lhe o que há no frigorífico para o jantar, e o pai a insistir que ele fazer o trabalho de verão "voluntário" numa quinta. Esta era uma medida padrão para os jovens, especialmente de famílias educadas, muitas vezes suspeitas de abrigar idéias anti-comunistas e perseguidas pelo Estado, para ajudar a melhorar a posição dos seus pais com as autoridades e aumentar as suas próprias hipóteses de estudar na faculdade.  
 Uher ultrapassou os limites do que era permitido pelo realismo socialista misturando o socialmente aceitável  com o tabu com este filme.Foi um grande avanço, porque o amor e a atração física, tinham sido marginalizados na arte. Era uma resposta individual, não coletiva, e uma lição a todos pró-comunistas da sociedade. Talvez a mensagem mais radical de "The Sun in a Net" foi a idéia de que a mentira era humana. Bela e o irmão mentiam para sa mãe sobre o tempo e os arredores para satisfazer a sua curiosidade e dar-lhe conforto e satisfação. Os comunistas tinham repetidamente acusado a ex-"burguesia" (isto é, os democratas) e da intelectualidade da mentira e do engano, e os filmes anteriores contrastavam com as verdadeiras autoridades comunistas. Ao mostrar algumas mentiras como potencialmente justificativo, "The Sun in a Net" virou o jogo num dos temas recorrentes na arte realista socialista, e abriu as portas para o que estava para vir....
Filme bastante raro, legendas em inglês.

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Nova Vaga do Cinema Checo

Ao lado da Nouvelle Vague francesa e do pós neo-realismo italiano (Fellini, Antonioni, Pasolini, etc), a New Wave da República Checa é talvez uma das mais ricas do cinema do século XX. 
Durante cerca de dez anos (desde o início da década de 1960, ao início da década de 70) uma geração de cineastas checos deu-nos alguns dos filmes mais engenhosos, originais, inovadores e mais belos de toda a história do cinema. Isto aconteceu, em parte, por causa de uma reforma cultural e política que o país sofreu desde 1962. Durante este tempo, os cineastas da nova vaga Checa apreciaram uma indústria cinematográfica suportada pelo estado, tanto no mercado nacional como internacional (com especial interesse nos EUA) e uma liberdade artística relativa.
Durante alguns anos, puderam falar sobre assuntos que cineastas de outros países comunistas não seriam capaz de, por causa da censura. O objetivo era "fazer o povo checo consciente colectivamente de que eles agora eram participantes de um ex-sistema de opressão e de incompetência que os tinha brutalizado a todos."
Foi assim até ao Verão de 1968, quando os soviéticos invadiram Praga, impondo-lhes fortes regulamentos sociais e políticos, e pouco depois, oficialmente, terminava a Nova Vaga do Cinema Checo.
Vera Chytilova, Jaromil Jires, Jan Nemec, Ivan Passer, Juraj Herz, Milos Forman, foram alguns dos nomes que saíram desta vaga, e que renderam ao país dois Óscares de Filme em Língua Estrangeira, num curto espaço de tempo.
Nos próximos dias, vamos conhecer 12 dos mais conhecidos filmes deste movimento. Espero que gostem. Até amanhã.