The Creature Walks Among Us (The Creature Walks Among Us) 1956

Para o terceiro e último filme da criatura, The Creature Walks Among Us, o realizador Jack Arnold foi substituído por John Sherwood. Este terceiro filme é decididamente menor em termos de orçamento do que os dois primeiros, e a produção barata transparece em todos os aspectos. O argumento desvia-se da simples premissa do ataque do monstro dos dois primeiros filmes, e o Gill Man faz muito pouca coisa aqui, saindo da nossa vista no seu próprio filme. Começa com mais uma expedição científica intrépida para capturar a criatura e avançar nas pesquisas. Esta equipa é liderada pelo louco William Barton (Jeff Morrow), que está convencido de que pode transformar a criatura através da cirurgia e engenharia genética, tornando-a capaz de sobreviver em terra por longos períodos de tempo, aproximando-a da humanidade. O resto da sua equipa, incluindo o colega cientista Thomas Morgan (Rex Reason) e o guia de Jed Grant (Gregg Palmer), não têm tanta certeza, e estão cépticos em relação à ânsia de Barton para mexer com a natureza.
Em qualquer caso, a criatura é mais uma vez capturada, e através da cirurgia é transformada de uma criatura do mar para uma criatura da terra, a respirar. Esta alteração um pouco duvidosa da ciência, então, ainda mais improvável, leva a mutações maciças na criatura, simplificando a sua estrutura corporal para uma forma mais humanóide: refazendo o rosto, eliminando as garras dramáticas, agilizando a sua forma. A maioria dessas mutações, além de serem absolutamente ridículas (mesmo numa série cuja premissa é meio parva) , são evidentemente destinadas não para efeito narrativo, mas para explicar as alterações orçamentais óbvias que foram feitas para este filme. O design monstro icónico e assustador de Jack Kevan dos dois primeiros filmes foi descartado. Este novo monstro é um pouco ridículo, e ainda parece mais quando os cientistas começam a vestir-lhe roupas.
Uma vez que a criatura está em terra, a trama começa a centrar-se no drama conjugal entre Barton e a sua esposa Marcia (Leigh Snowden). Barton é um homem possessivo, ciumento e paranoico, e o seu temperamento brutal levou a esposa a afastar-se dele. Ela ainda resiste aos avanços de Grant, mas isso não impede Barton de a repreender e gozar com dela, tratando-a com requintes de crueldade, mesmo com ela a manter-se fiel a ele. Os paralelos com a trama de terror são óbvios: se a criatura é inerentemente brutal e má ou se apenas responde ao seu ambiente, se estamos a evoluir como espécie, alcançando as estrelas, ou ainda ligados às nossas raízes primordiais na selva. Os argumentistas para estes filmes nunca tiveram qualquer temática assim tão subtil, mas este tem os personagens e actores ideais à altura de transmitir emoções ao público. O problema é que tudo isto tem pouco a ver com o monstro verdadeiro que conhecemos, que cada vez mais parece ser uma decoração.
Mesmo assim, o filme ainda oferece o verdadeiro prazer da fotografia subaquática tipicamente bonita, durante as cenas de abertura.  

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Planeta Proibido (Forbidden Planet) 1956

A história é familiar - uma nave terrestre chega a Altair IV procurando um relatório sobre a colónia que alí se tinha estabelecido, mas os únicos habitantes que encontram são o Dr. Edward Morbius (Walter Pidgeon), e a filha Altaira (Anne Francis), e ainda um robot com tecnologia muito avançada (Robby the Robot). Morbius avisa a tripulação para partir, mas o capitão John J. Adams (Leslie Nielsen) sente-se obrigado a investigar. Eventualmente, Adams e a sua equipa vão descobrir os segredos do planeta, mas não sem antes um monstro invisível começar a atacar a nave.
Se ignorar-mos o imaginário freudiano e o facto de Forbidden Planet ser um riff da obra de Shakespeare "A Tempestade", é fácil perceber porque este filme continua a ser tão popular, um clássico sci-fi para adultos e crianças. As cores são brilhantes, os efeitos especiais são surpreendentes - a aterrissagem da nave espacial no planeta Altair IV é impressionantes num ecrã grande em HD. Há um ataque de um monstro bastante interessante, as ameaças letais são muitas vezes deixadas para a imaginação do espectador, e o mistério gradual em volta do planeta morto há muito tempo, desenrola-se como um bom episódio polposo de Star Trek. 
Apesar de tudo Planeta Proibido não era um blockbuster no ano do seu lançamento original, em 1956, mas tornou-se um clássico do género, amado ao longo dos seguintes trinta anos, através de passagens pela TV, e ter cativado as crianças em relançamentos nas salas de cinema, antes de finalmente fazer a transição para o home video .Ao longo de décadas, Planeta Proibido deixou impressões indeléveis sobre o futuro técnico da robótica, em escritores de ficção científica, artistas, compositores e futuros realizadores. Começando como um filme de série B, a atualização do orçamento gradualmente aumentado significava a contratação de alguns actores e técnicos de nível superior a serem designados para a produção, entre os quais, o director de arte Arthur Lonergan, que sabia que essa era a sua hipótese de brilhar e criar um carreira importante para o futuro. As linhas limpas, arcos geométricos, objetos circulares e o uso de vidro e metal polido eram inerentemente típicos dos fifties. Assim como notáveis eram as pinturas subterrâneas gigantescas construídas pela antiga civilização Krell, que fundiu esse limpo look industrial da energia aproveitada.No magnífico documentário de 2005 da TCM , "Watch the Skies!: Science Fiction, the 1950s and Us", George Lucas não revela totalmente a inspiração dos seus próprios dotes criativos, mas os seus colegas destacam Robby the Robot como inspiração parcial para C- 3PO e outros droids de Star Wars.
Certamente que algumas partes do filme parecem estar datadas - a tripulação totalmente masculina da Nave e instrumentação analógica, por exemplo -, mas outras passaram a fazer parte do léxico padrão para a ficção científica filmada. Dez anos depois, Star Trek parece ter sido muito influenciada a partir daqui, no estilo dos uniformes, nos comunicadores de mão, entre outros pormenores.
A banda sonora de Forbidden Planet foi um marco na história da música eletrónica. Foi a primeira totalmente eletrónica, composta por Louis e Bebe Barron usando circuitos DIY, inspirados em parte pelo livro de 1948 "Cybernetics: Or, Control and Communication in the Animal and the Machine", um texto seminal. Por ter sido electrónica esta banda sonora não foi reconhecida para as nomeações dos Óscares, muito injustamente. 

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A Terra em Perigo (Invasion of the Body Snatchers) 1956

É um dos maiores clássicos da ficção científica dos anos 50. Invasion of the Body Snatchers continua tão assustador hoje como no dia em que foi feito, é uma sátira terrível sobre a escuridão, a invasão da conformidade e a perda da emoção. Uma obra bastante económica, dirigida por Don Siegel, que a trata o como se fosse um dos seus filmes noirs: sombras escuras por todo o lado, envolvendo uma cidade suburbana tranquila que está a ser tomada pela escuridão, por coisas estranhas à espreita nos porões e nos becos.
Muitas vezes foi sugerido que o filme fosse uma parábola da direita sobre a instalação do comunismo, sobre a facilidade com que o comum americano poderia ser tomado, sem sintomas externos visíveis, por uma ideologia estranha e agressiva de oposição à decência humana e ao calor humano. É uma leitura convincente, é claro, e difícil de negar, mas em muitos aspectos o filme é muito mais do que quando tais assuntos políticos são deixados visíveis. É um filme, mais do que qualquer outra coisa, sobre o que significa ser humano, sobre como um ser humano pode ter um olhar humano, agir como um humano, ter as memórias de um ser humano, e ainda lhe faltar essa coisa especial, uma faísca emocional invisível que realmente é a essência da humanidade: podemos chamar isso de amor, ou de alma , ou o que quisermos. Num dos melhores discursos do filme, o protagonista, o Dr. Miles Bennell (Kevin McCarthy) compara os aliens ladrões de corpos com o processo pelo qual algumas pessoas, mesmo sem uma intervenção externa, consentem tornar-se duros e drenados de qualquer tipo de emoção, a perda da sua humanidade. 
Bennell voltou à sua pacata cidade natal depois de um mês fora, para descobrir que tudo mudou de forma muito subtil, enquanto ele esteve fora. A sua enfermeira relata que muitas pessoas da cidade tinham-no chamado urgentemente enquanto ele esteve fora, mas então, de repente , ninguém precisava mais dele, sem qualquer explicação para o que tinha acontecido de errado. E vários dos moradores da cidade reclamam que as pessoas que lhes são mais íntimas não mais eles próprios, que há algo diferente nos seus entes queridos. O terror do filme é lento e insidioso. Em primeiro lugar, Bennell não acredita que haja alguma coisa de errado, embora a acumulação de pequenos sinais e eventos estranhos comecem a roer a sua mente. Quando o horror finalmente se assume inteiramente, isto acontece de repente, quando Bennell, com o seu interesse amoroso, Becky (Dana Wynter), se deparam com alguns dos casulos alienígenas (que se parecem com couves de Bruxelas gigantes), não há qualquer dúvida sobre que algo estranho está a acontecer aqui. É questionável se Bennell e a companheira, depois de verem as vagens a escorrer e a borbulhar, iriam descobrir tão depressa o que está a acontecer, mas a sequência é talvez a mais perturbadora do filme. As vagens a abrirem e borbulhar sobre a gosma branca, criando uma forma quase fetal, como se um bébé estivesse a nascer. Mas esses bébés são duplos dos moradores da cidade, preparado para assumir o lugar do ser humano.
Na verdade, toda a mecânica de como isto acontece, não parece ter sido muito bem pensada, o filme é pouco vago sobre o que está realmente a acontecer, o que acontece com os corpos humanos, uma vez que os clones assumem os seus lugares. A história não é o ponto forte do filme, de qualquer modo. Todo o conceito cai mais ou menos por terra, e o argumento mal tenta desenvolver a ameaça extraterreste com um conceito coerente. A razão pela qual o filme consegue ir tão longe é que é tão bom a desenvolver a atmosfera de medo, a escalada do horror, medo e paranoia dos protagonistas enquanto eles tentam fugir de uma cidade que está a ser tomada e absorvida por uma força invisível. Bennell e Becky estão cada vez mais exaustos e apavorados como, cada vez mais, não têm para onde fugir, ninguém em quem confiar, todos os seus amigos e entes queridos são implacavelmente engolidos pela estranha "infecção", um por um.  
É com uma enorme estranheza, que as pessoas normais são transformadas em algo tão sinistro, que faz de Invasion of the Body Snatchers manter-se tão assustador, envolvido por uma aura angustiante. A sequência final - um close-up de desespero, o rosto deformado de Bennell, a ponto de chorar ou rir histericamente, não é claro sobre o que seria pior - vai contra qualquer idéia de que este é um simples final feliz.  

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Em Janeiro no My Two Thousand Movies...Tom Waits

A Invasão dos Discos Voadores (Earth vs. the Flying Saucers) 1956

Hugh Marlowe interpreta o Dr. Russell Marvin, um cientista de topo no programa espacial dos Estados Unidos. Ele está no comando do Projeto Skyhook, uma operação de lançamento de uma série de satélites em órbita da Terra. Ele e a noiva Carol (Joan Taylor) ainda estão no rescaldo da lua de mel quando regressam à base Skyhook no deserto da Califórnia, e avistam um enorme Ovni, a voar a baixa altitude. Só mais tarde é que Marvin percebe que os aliens estavam a tentar mandar-lhe uma mensagem, alertando sobre um ataque iminente ao nosso mundo, a menos que os líderes mundiais se reunissem para negociar com os extraterrestres. Entretanto é tarde demais - a base Skyhook é destruída por um Ovni, o pai de Carol, um importante general do Exército (Morris Ankrum), é capturado por alienígenas vestidos com uma estranha armadura. Marvin e a esposa são os únicos sobreviventes da catástrofe.
Entre os medos da Guerra Fria e a ansiedade e uma epidemia de avistamentos de Ovnis, um produtor viu-se na eminência de combinar os dois mundos. Folheando um best-seller de não-ficção de Donald Keyhoe, "Flying Saucers from Outer Space", o produtor Charles Schneer viu um potencialmente lucrativo filme de série B. Schneer convidou Ray Harryhausen, um animador de stop-motion, que já tinha conseguido sucessos como "The Beast from 20,000 Fathoms" e "It Came From Beneath the Sea", de 1953 e 1955, respectivamente. Harryhausen iria fazer todos os efeitos do disco voador, anima-los em vôo para destruirem vários monumentos e marcos de Washington. Harryhausen trabalhou sozinho, uma decisão que resultou num processo de pós-produção demorado.Schneer também contratou Curt Siodmak, um imigrante alemão prolífico cuja carreira em Hollywood abrangeu quatro décadas e mais de cinquenta argumentos, incluindo The Beast with Five Fingers, I Walked with a Zombie, Frankenstein Meets the Wolfman, The Invisible Man Returns, para escrever o argumento. Apesar da sua fama e experiência, há pouco neste filme que sugere um escritor talentoso. Schneer deu o livro de Keyhoe a  Siodmak, com a premissa e a direção a seguir. As ordens eram para seguir "The War of the Worlds" de perto, e com um prazo apertado. 
Os efeitos especiais liderados por Ray Harryhausen são divertidos, e dos melhores que foram feitos na década de 50, e até mesmo para os padrões actuais são convincentes. Em suma, o filme tem quase todos os clichés da ficção científica, mas tudo é feito de forma competente e divertida, o ritmo é rápido e eficiente.

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S.O.S. Metaluna (This Island Earth) 1955

Os extraterrestes do planeta Metaluna enfrentam uma terrível guerra contra o planeta Zagon, que bombardeia o inimigo com potentes meteoritos, destruindo gradativamente o seu campo de forças. Em busca de novas opções de energia nuclear para tentar salvar o seu mundo da destruição, os humanóides de Metaluna montaram uma base secreta na Terra, convocando os principais cientistas de vários países para ajudá-los nas pesquisas de energias alternativas. O líder alien é Exeter (Jeff Morrow), que tenta manter ao seu lado as habilidades e conhecimentos de um casal americano de cientistas, Dr. Cal Meacham (Rex Reason) e a Dra. Ruth Adams (Faith Domergue). Mas, por falta de tempo disponível para o desenvolvimento de um trabalho que poderia ser a salvação, eles são levados até Metaluna por ordem do monitor supremo do planeta (Douglas Spencer), chegando durante o ponto mais grave do conflito, sob um maciço bombardeamento de Zagon. Não restando nada que fazer para evitar a extinção de Metaluna, os cientistas humanos tentam fugir do caos e regressar à Terra, onde no caminho, além das explosões de um campo de batalha, eles têm que enfrentar também um monstro mutante.
Na década de 50, a Universal International Pictures era a principal produtora de Hollywood no que diz respeito a filmes de ficção científica. Mas, apesar de muitas experiências interessantes a maioria dos filmes de ficção científica do início dos anos 1950 eram bastante conservadores na abordagem para com os efeitos visuais. A maioria dos filmes eram a preto e branco e demasiado presos à terra, aderindo a um senso de realidade que estava pouco à vontade com a noção do espetáculo que era fundamental para o género. À medida que a década avançava começou a desenvolver-se uma atitude mais ousada para com os efeitos visuais, e uma vontade de aventurar-se em busca de filmes que pudessem convencer o público a deixar as suas televisões e embarcar numa viagem para o cinema. Um desses filmes foi This Island Earth, que é facilmente o mais ambicioso projeto da Universal de ficção científica, e um de um selecto grupo de filmes produzidos na década de 1950 que escaparam aos confins do planeta Terra. O mais bem sucedido e reconhecido provavelmente será Planeta Proibido (1956 ), que vamos ver aqui em breve.
A superfície devastada de Metaluna é trazida vividamente à vida por alguns belos cenários pintados, e o planeta por alguns interiores graças a uma direção de arte impressionante. Metaluna é um dos verdadeiros triunfos da ficção científica da década de 50. "This Island Earth" foi baseado numa pulp de ficção científica de Raymond F. Jones chamada The Alien Machine, e felizmente o argumento de Franklin Coen e Edward G. O'Callaghan mantém um toque macio. O tema geral do filme é a paranóia persistente sobre a destruição atómica, mas o filme também celebra o brilho do conhecimento científico. O filme é essencialmente pacifista por natureza, e uma advertência sobre o uso de materiais atómicos. 

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A Noiva do Monstro (Bride of the Monster) 1955

Escrito e realizado pelo imperturbável Edward D. Wood Jr., The Bride of the Monster inclui muitas referências históricas. Foi o último papel sonoro de Bela Lugosi, e o filme de maior orçamento de Wood. Lugosi interpreta o cientista louco Dr. Eric Vornoff, que anda a trabalhar numa "raça de super-homens", criados através de energia atómica. Infelizmente, as suas experiências normalmente matam os assuntos dos testes. Com ele está um bruto e estúpido servo, Lobo (Tor Johnson), que o ajuda e afasta os intrusos. Ele também tem um polvo "gigante" - feito de borracha e totalmente imóvel - que o ajuda a desfazer das vítimas indesejadas.

O Tenente Dick Craig (Tony McCoy) e a namorada repórter Janet Lawton (Loretta King, que teria financiado parte do filme) tentam descobrir o que está a acontecer. The Bride of the Monster não é tão pessoal como Glen ou Glenda, nem tão incrivelmente surreal como Plan 9 from Outer Space, mas tem bom aspecto, com uma fotografia a preto-e-branco assustadora e uns cenários quase de casas assombradas. Dos filmes de Wood é dos que mais se parece com um filme de monstro "normal" daquele período, ainda que rapidamente fuja do seu estilo de assinatura.

É impossível discutir um filme como este sem um entusiasmo completo, e uma adoração amorosa, apesar da produção horrenda que temos em mão. Cenários de madeira esfarrapados e terríveis não são nada em comparação com o argumento absurdo e as péssimas interpretações. Num dos momentos mais bizarros e pouco convincentes já registrados em filme, Wood tem os seus actores a lutar contra um polvo de borracha roubado, na realidade, numa piscina. O que se torna a maior dificuldade é decidir sobrequal é o nosso personagem preferido entre o lobo de Tor Johnson, o insípido Dr. Varnoff de Bela Lugosi, ou a robótica Loretta King. 

 
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Gemidos de Placer (Gemidos de Placer) 1983

O filme inspira-se em  "Philosophy in the Boudoir", uma pequena obra escrita pelo Marquês de Sade, cujos temas Franco voltou várias vezes em toda a sua carreira. A acção passa-se numa única noite, do crepúsculo ao amanhecer, com apenas cinco personagens a participarem em todo o filme. Antonio (Antonio Mayans) traz a sua amiga Julia (a musa de Franco, Lina Romay) para a sua casa para uma noite de sexo. A esposa de Antonio, Martina (Elisa Vela) acaba de voltar para casa de uma instituição mental. Eventualmente Antonio revela que pretende conduzir Martina de volta para a instituição mental, mas ao longo de uma noite de sexo (muito sexo), e uma morte sexual de Marta (Rocio Freixas), uma espécie de empregada na casa de campo, as coisas começam a mudar. Julia e Martina desenvolvem uma relação próxima e, no final do filme, as coisas parecem voltar-se contra Antonio.
O argumento é puro Franco, traçando distintamente um paralelo entre o erotismo e a morte. Praticamente nada acontece no filme, excepto as cenas de sexo prolongadas, mas o filme eleva-se acima de ser banal, ou erótico. Para começar, Franco faz uma abordagem muito materialista/estruturalista para a própria estrutura do filme. É composto por apenas vinte segmentos, ou seja, vinte sequências sem cortes, que dividem o comprimento do filme (82 minutos) por vinte partes, e rapidamente percebemos que cada cena tem aproximadamente quatro minutos de duração. A câmera fixa-se nos atos corporais, utilizando o foco para chamar a atenção para os objetos inanimados na sala, criando um ritmo intensamente erótico. Os shots longos nunca ficam chatos, demonstrando uma compreensão muito cuidadosa na composição e na profundidade do campo, os olhos dos espectadores nunca parar de se mover, tendo em conta a pura beleza das cenas que Franco criou.
Apesar de algumas falhas, Gemidos de Placer é um dos filmes-chave de Jess Franco, lidando habilmente com os temas do amor, sexo e morte que Franco tantas vezes tratou ao longo da sua carreira. O filme também demonstra que o realizador, muitas vezes referido como um falhado em termos de técnica, na verdade, é muito hábil a lidar com todos os elementos que fazem o cinema como uma das artes mais incríveis.
Legendas em inglês.

Critica do theresomethingouthere aqui.    

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A Vingança do Monstro (Revenge of the Creature) 1955

O segundo filme da série da Criatura, Revenge of the Creature, reuniu pela segunda vez o realizador Jack Arnold com o homem no fato de borracha (que, aliás, foi interpretado por Ricou Browning nas cenas debaixo de água em todos os três filmes, e vários outros duplos para as sequências em terra). Este segundo filme abre com uma homenagem ao primeiro, outra sequência no rio Amazonas, com Nestor Paiva divertidamente repetindo o papel de capitão Lucas, levando um outro grupo de investigadores a procurar a criatura lendária. Desta vez capturam a criatura e trazem-na de volta para a civilização, onde ela é presa no fundo de um aquário num parque marinho, observada por turistas ávidos e estudado por cientistas. Entre estes cientistas estão, previsivelmente, um outro par romântico, o biólogo Clete Ferguson (John Agar, um acostumé nos filmes de série B) e uma estudante chamada Helen Dobson (Lori Nelson). Eles estudam a criatura, acompanhando as suas reações e a sua capacidade de aprender, e estão espantados ao saber que ela é mais parecida com um ser humano na inteligência e biologia do que alguma vez esperavam. Isto leva o tema da evolução do primeiro filme ainda para mais longe, sugerindo que parte do horror é perceber o quão perto nós, seres humanos, estamos dos animais "inferiores" - quando Clete é nos apresentado pela primeira vez, ele ri-se sobre o tema de tão perto está um chimpanzé de um criança humana, e como é difícil traçar uma linha entre as espécies.
Esta linha vai ter um maior desenvolvimento neste segundo filme, no fascínio sexual da criatura para com a actriz principal. Se o primeiro filme foi marcado pelas sequências de suspense, as cenas da criatura a perseguir a presa debaixo da água, este segundo em grande parte descarta essas sequências, pelo menos na sua primeira metade. Aqui , a criatura está em cativeiro, acorrentada e incapaz de se libertar. Mas é capaz de observar os seus captores, e parece magneticamente atraída para com a bela Helen, nadando até ao vidro do tanque sempre que ela está por perto. Arnold filma essas sequências de cima do ombro de Helen, observando como a criatura flutua sobre o outro lado do vidro, com os olhos cegos misteriosos olhando para a frente, as mãos com membranas e garras batendo na água, mantendo-se nivelada com Helen. É uma imagem assustadora. Mais tarde, depois da criatura previsivelmente fugir, persegue Helen no hotel onde ela está hospedada. Numa das imagens mais francamente sexuais do filme, este voyeur escamoso está do lado de fora das portas de vidro do quarto de Helen, observando como ela retira o roupão de banho, de pé brevemente na sua roupa interior branca. Jack Arnold observa, ele próprio um voyeur, por trás da criatura, criando uma sequência impressionante: a criatura do lado de fora da porta de vidro, a sala separando-o de Helen, a mulher de pé junto à porta, o seu rosto refletido no espelho do banheiro. É uma composição telescópica, uma imagem de separação e de desejo.
Mais tarde, a criatura voyeurista observa de dentro das canas no fundo do leito de um rio, como Helen e Clete brincam na água, sensualmente apreciando a presença um do outro. Eles abraçam-se debaixo de água, afundando-se juntos, o cabelo de Helen graciosamente acenando para cima. Esta cena lembra-nos o ballet submarino entre a criatura e Julie Adams no primeiro filme, uma dança estranha debaixo d'água, os dois amantes abraçando-se enquanto a criatura se esconde, invisível, na escuridão. A criatura está continuamente atraída pela imagem do amor humano, da proximidade física. Depois da sua fuga, enquanto se esconde no oceano, vê um jovem casal a beijar-se no seu carro. Arnold corta a esta cena de repente, num close-up da fisicalidade chocante; os rostos do casal a serem esmagadas em conjunto, como se estivessem tentando engolir as cabeças um do outro. Mas eles conseguem fugir antes que a criatura os consiga atacar. A criatura é um ser sexualmente frustrado, basicamente, olhando para os seres humanos que parecem divertir-se tanto juntos. Não é à toa que ela é tão enfurecida, sempre raptando jovens bonitas e arrastando-os para longe, mantendo-as nos seus braços como se fossem noivas.
Tal como no primeiro filme, o material de que é feita a criatura é muito fraco, e as interpretações apenas ligeiramente melhor do que no primeiro filme, assim como o argumento. Temos é uma mudança interessante no tratamento da mulher cientista, pelo menos: enquanto no primeiro filme ela era retratada como uma mulher banal, requerindo instruções nos fundamentos da biologia, aqui ela é quem geralmente explica as coisas para o público. Globalmente, Revenge of the Creature não mantem a tensa aura de suspense de terror que precorre todo o primeiro filme. Mas na segunda metade, com a fuga da criatura e a perseguição psicossexual de Helen, é ainda mais envolvente e assustador do que o seu antecessor.

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Tarântula (Tarantula) 1955

Os cientistas loucos de Hollywood. Sempre querem o bem. Querem salvar o mundo para acabar com a fome, para melhorar as condições de vida, imaginando um futuro onde toda a gente é saudável e bem alimentada. Neste filme, para fazer isso, é claro, a pesquisa requer criar grandes tarântulas, cultivadas com um enorme tamanho com uma fórmula nutritiva e radioactiva. É lógico, não é? O Professor Deemer (Leo G. Carroll) é o cientista louco deste sci-fi clássico, "Tarantula" de Jack Arnold. Deemer é uma alma bem-intencionada, com uma visão real do futuro. Mas o problema é que a sua tarântula gigante fugiu, e ameaça uma pequena comunidade no deserto, o que ofusca os seus planos para acabar com a fome mundial. A pesquisa de Deemer sofre um enorme revés quando os seus dois colegas, impacientes com a lentidão do seu trabalho, decidem ignorar os efeitos colaterais do nutriente e injectam-se com a fórmula como as primeiras cobaias humanas. Um destes homens vamos encontrá-lo a cambalear através do deserto, numa poderosa sequência pré-créditos. Pouco tempo depois, outro colega de Deemer , enlouquecido pela injeção, assalta Deemer, injeta-o também, e destrói o laboratório antes de morrer. Neste tumulto, uma aranha , então "apenas" do tamanho de um pequeno cão, consegue escapar do laboratório.
Embora esta abertura configure o regresso triunfante da tarântula, a maior parte do filme mantém o foco fora do aracnídeo do título. Em vez disso, a história volta-se para o médico local, Matt Hastings (John Agar), que investiga a morte do colega de Deemer, em colaboração com as autoridades locais, o xerife Andrews (Nestor Paiva). Hastings suspeita que algo está a acontecer no laboratório do professor, e quando Deemer recebe uma assistente bastante atraente. com o apelido pouco feminino de Steve (Mara Corday), Hastings fica com um interesse renovado na pesquisa misteriosa do professor. Entretanto, a tarântula espreita ao fundo, fora da tela, crescendo mais, até ficar com um tamanho ridículo. Na verdade, é pouco possível que uma tarântula gigante conseguisse esconder-se no deserto por algum tempo, mas uma vez que ela chega a ser do tamanho de uma grande mansão, é difícil perceber porque é que ninguém nunca viu a coisa.
Por vezes, Arnold parece querer brincar com este jogo de esconder a aranha gigante, e há algo divertido no modo como as aparições da tarântula se tornam cada vez mais escandalosas. A aranha vai rondando durante a noite, matando o gado, devorando-os até aos ossos com o veneno e as mandíbulas poderosas. Mas ninguém a vê quando ela anda em terra plana, aberta, com exceção de algumas infelizes vítimas que são devoradas também.
Tarantula é um sólido filme de série B, simples, mas definitivo, ajudando a estabelecer um modelo, iniciado no ano anterior com "Them!", para centenas de outros que se seguiram na sua esteira ao longo dos anos seguintes, uma nova onda de filmes de insectos monstruosos que tomaram conta da indústria. Há pouco a reclamar, além do tamanho do papel que é dado a Mara Corday, mas estávamos em 1955, quando o lugar da mulher era enfático e em casa. É claro que a maior estrela é a própria tarântula, e não apenas em tamanho, mas em presença, realista, porque era uma aranha de verdade, guiada sobre a paisagem com jatos de ar e filmada com truques da fotografia, efeitos que possuem os seus próprios recursos, mas muito realistas. Para ver uma melhor utilização de uma aranha gigante, temos o filme "The Incredible Shrinking Man", também de Jack Arnold, e que iremos ver mais para a frente neste ciclo. 
No final temos uma pequena aparição de Clint Eastwood. Como líder do esquadrão dos aviões.

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Godzilla - O Monstro do Oceano Pacífico (Gojira) 1954

Tendo sido um dos pilares da cultura popular internacional durante quase seis décadas, arrastando no processo 27 sequelas oficiais e vários remakes, rip-offs, e spin-offs de todos os modos imagináveis, o filme do monstro original é tão familiar até mesmo para aqueles que nunca o viram, que estamos constantemente em perigo de perder de vista tanto a sua natureza inovadora como a ousadia sócio-política. O Godzilla original (Gojira) era, afinal, o filme japonês mais caro já feito até então, e a primeira tentativa por cineastas japoneses para produzirem um filme de monstros interessante. Mais importante ainda, foi uma corajosa tentativa de integrar as questões mais atuais, especificamente os medos elevados da era atómica, num filme de género. E não esquecer do pormenor de ter sido produzido pelo único país que já sofreu a devastação do ataque nuclear.
O filme abre com uma referência direta ao Daigo Fukuryu Maru ( Lucky Dragon 5), um navio de pesca japonês que cometeu o erro de navegar muito perto do Atol de Bikini, onde os militares dos EUA testavam a sua bomba de hidrogénio recém-desenvolvida. O barco estava cheio de cinzas radioativas (mais tarde chamadas de "cinzas da morte") , e todos os membros da tripulação tinham desenvolvido intoxicação aguda por radiação, com o operador de rádio a morrer sete meses depois. Para o público japonês da altura, cujas memórias de Hiroshima e Nagasaki foram menos de uma década antes, a abertura do filme deve ter se sentido como uma recriação docudrama, com o pescador numa embarcação ficcional gritando em agonia enquanto estão envolvidos com uma luz intensa no oceano. Infelizmente, não é uma bomba neste caso, mas sim o Godzilla pré-histórico, que foi acordado para a acção da sua profunda caverna subaquática que foi dizimada por testes atómicos. Assim, mesmo que ele seja uma monstruosa ameaça no filme, também é imediatamente considerado simpático, especialmente por aqueles que sofreram a devastação atómica. Os ataques do Godzilla através do continente japonês, especialmente Tóquio (que tinha sido amplamente bombardeada durante a Segunda Guerra Mundial), tornam-se não apenas a destruição sem sentido, mas a raiva de um animal primordial desenhado contra a sua vontade sobre os horrores da era moderna.
O realizador Ishiro Honda, que começou a sua carreira a trabalhar na Toho como assistente de Akira Kurosawa, trabalha o material com uma sinceridade humanista, o que significa que os vários personagens são mais do que apenas meras vítimas ou carne para canhão. O argumento de Honda e Takeo Murata (a partir de uma história de Shigeru Kayama) nem sempre é o mais elegante ou eloquente, mas é muito adepto de abordar a ação com retórica política contemporânea sobre a identidade do Japão num mundo de ansiedade atómica. O personagem principal é Hideto Ogata (Akira Takarada), um cientista cuja namorada, Emiko (Momoko Kochi), é a filha de um famoso paleontólogo (Takashi Shimura), que quer estudar Godzilla, em vez de aniquilá-lo. Exatamente como se poderia estudar Godzilla nunca é elaborado, mas a sua postura tem um apelo mais para a compreensão do que para a destruição, efectivamente.
Legendas em inglês.  

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20.000 Léguas Submarinas (20000 Leagues Under the Sea) 1954

A famosa história de Júlio Verne precisa de um breve resumo. Logo depois da Guerra Civil Americana, os navios estão a ser abalroados e afundados em alto mar por um enorme monstro marinho. O navio de guerra U.S.S. Abraham Lincoln é enviado para investigar. O governo americano pede ao biólogo marinho Prof Arronax , um cientista francês eminente viajando pelos Estados Unidos, para participar na expedição. Acompanhado pelo seu assistente Conseil, o professor segue no navio a bordo do Lincoln através do Pacífico sul. Também a bordo está o marinheiro mercante Ned Land, contratado pela sua habilidade como arpoador. O monstro é finalmente encontrado, o Lincoln é atacado e desativado pela besta. Só que o monstro não é um animal, mas sim um barco submarino fabuloso, um século à frente do seu tempo, o Nautilus, comandado pelo Capitão Neno. A partir daqui já conhecem a história.
Enquanto o livro original de Verne é, essencialmente, uma lição de oceanografia parcialmente disfarçada com um fio de acção, a versão cinematográfica da Disney de 1954 incide diretamente sobre o que um filme de aventuras sci-fi/fantasy precisa: emoção e espetáculo. Os efeitos especiais - "state-of-the-art" absoluto, para o seu tempo - ainda funcionam maravilhosamente hoje, mesmo a batalha com a lula gigante animatronic (uma sequência que terá custando mais de 250.000 dólares meio século atrás, que hoje custaria algo na casa dos milhões). O projeto do genial designer de arte Harper Goff é excelente, a sua visão steam-punk dos vitorianos com resultados futuritas no submarino, e o aspecto bastante "cool" do submarino. James Mason interpreta o Capitão Nemo, um anti-herói e um ícone duradouro das obras de Verne e do cinema de fantasia, enquanto Paul Lukas (Prof. Arronax) e Peter Lorre (Conceil) dão suportes sólidos. Kirk Douglas é Ned Land. Muitas pessoas tendem a ridicularizem o deliberado desempenho de Douglas. Visto hoje, o seu desempenho até funciona muito bem em contraste com o caráter austero de Nemo e da personalidade científica de Arronax. Ele traz a energia e o humor necessários para o filme. Douglas é simplesmente ele próprio aqui. A realização é de Richard Fleischer.
Ganhou 2 Óscares, um dos quais de Efeitos Especiais. 

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