O Estranho Mundo da Ficção Científica Europeia

O cinema de ficção científica está connosco desde 1902, quando o francês Georges Mélies realizou o épico de 3 minutos "Le Voyage Dans La Lune", o primeiro filme que levou o ser humano para fora da terra, e considerado o primeiro filme de ficção científica de sempre.
Quero com isto dizer que a ficção científica no cinema foi inventada na Europa, pelo início do século 20. Durante todo este século foram muitas as obras-primas a saír deste continente, embora os orçamentos nunca fossem tão elevados como habitualmente se encontrava nos filmes americanos.
Em 1927 víamos Fritz Lang a realizar uma das suas grandes obras, "Metropolis". Na União Soviética Tarkovsky realizava a resposta russa a "2001" com "Solaris", ou "Stalker", outro dos maiores filmes de sci fi de sempre. Os mestres da Nouvelle Vague, Truffaut e Godard também tentaram a sua sorte neste género, por entre os seus projectos mais pessoais. Truffaut com "Fahrenheit 451", e Godard com "Alphaville, une étrange aventure de Lemmy Caution". 
Mas a ficção científica europeia não se baseou a estes filmes clássicos, e espalhou-se um pouco por toda a Europa. Esta semana vamos conhecer 5 das suas obras mais underground. Cinco filmes que não se tornaram mediáticos entre os fãs do género, mas que deixaram mossa entre o público do seu país, alguns deles triando um percurso de culto ao longo do caminho.
Da Itália à antiga União Soviética, estes são os cinco filmes a ser vistos esta semana:

Segunda: Ikarie XB 1 (1963 - Checoslováquia), de Jindrich Polák

Terça: La Decima Vittima (1965 - Itália), de Elio Petri

Quarta: Eolomea (1972 - Alemanha), de Herrmann Zschoche

Quinta: Seksmisja (1984 - Polónia), de Juliusz Machulski

Sexta: Kin-dza-dza! (1986 - União Soviética), de Georgiy Daneliya



Boa semana, espero que gostem dos filmes.  

Um Verão de Amor (Sommarlek) 1951

Marie (Maj-Britt Nilsson) é uma bailarina clássica não muito jovem que, ao encontrar um antigo diário, recorda um verão que passou com Erland (Georg Funkquist), um possessivo tio que vivia com a sua cancerosa esposa (Renée Björling) numa ilha perto de Estocolmo. Lá Marie faz amizade com um inocente jovem, Henrik (Birger Malmsten), por quem ela se apaixona. Quando o verão está para terminar os jovens amantes estão muito envolvidos, mas algo trágico irá acontecer.
Em 1958, em resposta a uma retrospectiva francesa dos filmes de Ingmar Bergman, que na altura tinha 19 filmes realizados, Godard publicou um artigo nos Cahiers du Cinema, comparando efusivamente a obra do realizador sueco com a de outros como Orson Welles, Jean Renoir, Alfred Hitchock, e Roberto Rossellini. Por esta altura já Bergman tinha realizado alguns dos seus melhores filmes, mas Godard reservou os mais belos elogios para este "Sommarlek", que considerou "o mais belo dos filmes".
É interessante perceber porque é que Godard ficou tão tocado por este filme, já que não é dos mais famosos nem reconhecidos filmes do realizador, embora tenha desempenhado um papel importante na formação da sua identidade cinematográfica, apontando para a direcção que o realizador tomaria nos seguintes anos. Era um projecto muito pessoal, que derivava directamente das memórias de um caso amoroso do realizador. Bergman chegou a dizer que este filme era mesmo uma reviravolta na sua carreira, e a primeira vez que um filme realmente lhe odedecia. Talvez este espírito independente, a voz de um artista totalmente envolvido no seu espírito de criação, que Godard viu no filme.
Bergman escreveu a história com o mesmo argumentista do filme anterior, Herbert Grevenius, e é construida em torno de uma estrutura em flashbacks bastante simples, mas bastante eficaz, que constrasta a monotonia do presente com a beleza do passado, mas sem resvalar para a generalização fácil, ou a nostalgia.
Com uma intensidade dramática bastante flexível, "Sommarlek" sugere que o esplendor do primeiro amor é passageiro, e que pela sua própria natureza pode ser apenas temporário, embora a sua memória nunca se desvaneça. O filme é estruturado em torno da tragédia e da inocência perdida, e termina com uma nota edificante em que voltar ao passado pode se tornar num meio importante de se compreender o presente.

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This Can't Happen Here (Sånt Händer Inte Här) 1950

 Atka Natas é um agente secreto da ditadura de Liquidatzia. Ele visita a sua ex-mulher Vera, uma química que está envolvida com um grupo de exilados, tentando levar os seus compatriotas para fora de Liquidatzia. Almkvist, um policia honesto e ex-amante de Vera, entra em contato com ela enquanto investiga a morte de um dos refugiados. Natas tem uma lista de agentes que operam no país que os recebe e quer vendê-los aos americanos. No entanto, antes que possa fazê-lo, Vera tenta matá-lo, depois de uma discussão sobre a tentativa de mandar os seus pais para fora de Liquidatzia.
"Sånt händer inte här", é de longe considerado o pior filme de Bergman. Se o nome Alan Smithee existisse nos anos 50, provavelmente tinha adquirido os créditos da realização deste filme. Assim que Bergman conseguiu alcançar alguma influência tentou renegar esta obra, e pediu para que ela não fosse mostrada novamente, o que foi cumprido pelas autoridades suecas.
Baseado no livro "Within 12 Hours" do escritor norueguês Peter Valentin (um pseudónimo de Waldemar Brøgger) que foi publicado em Estocolmo em 1944 pela Bonniers. Devido ao conflito eminente entre o Governo sueco e a indústria cinematográfica por causa do imposto sobre o entretimento, a Svensk Filmindustri fez questão de produzir um possível sucesso internacional na forma de um thriller de espionagem. Herbert Grevenius foi contratado para escrever o argumento, e Ingmar Bergman, por razões financeiras, acabou a dirigir. Acabou por se tornar numa experiência dolorosa para ambos. 
A maior parte das críticas foram negativas, mas um número considerável de críticos não sabia se deviam levar o filme a sério.  Grevenius e Bergman eram personalidades sérias no mundo do cinema, e por isso era difícil de acreditar como tinham concluido tal coisa.

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Rumo à Felicidade (Till Glädje) 1950

No início, anuncia-se, de maneira quase indiferente, a morte da esposa e da filha a Stig Eriksson, o marido. A sequência seguinte poderia ser a cena de encerramento, em que o maestro e amigo, interpretado pelo ator e também diretor Victor Sjöström (o mesmo ator do incrível Morangos Silvestres) consola o recém-viúvo. Porém, entre os quatro minutos iniciais e a cena final, há o miolo, apresentado na forma de uma grande elipse, que constrói o curso do relacionamento entre os dois músicos ao som da Ode à Alegria da Nona de Beethoven.
Alguns que escreveram sobre esta obra a consideraram marcadamente banal; um mero ensaio de temáticas que seriam melhor desenvolvidas por Bergman em outros filmes, como Uma lição de amor e, sobretudo, em Cenas de um casamento. Outros lembram que Bergman estava no meio de uma separação amorosa na época das filmagens (seu segundo divórcio, de vários que ainda viriam) o que explicaria muita coisa. E não deixam de ter certa razão. Se considerarmos o miolo, trata-se de um roteiro bastante banal realmente: um casal de músicos violinistas pertencentes a uma mesma orquestra, sem grandes posses, em constantes dificuldades financeiras, sem grande talento no exercício do seu ofício, sem grande carisma, um marido bastante dependente e imaturo que tem uma jovem amante, uma esposa bastante compreensiva, que busca cuidar dos filhos, que já foi casada e que já abortou, que ama Sig, um casal que passa por crises em seu relacionamento. Nada realmente de especial.
Esta digressão de aproximadamente uma hora e vinte minutos, porém, apesar de compor um arco muito bem resolvido e construído, flertando ora com o melodrama ora com a poesia, com seus excelentes momentos, é apenas o instrumento pelo qual se acessa o significado da dor de Sig, sobretudo nos minutos iniciais, e as palavras de consolo do maestro, na cena final. O convívio com o cotidiano da vida do casal acessa o conteúdo daquilo para o que inicialmente éramos indiferentes, à maneira de um mecanismo empático. O menino é a solidão de Sig, mas é também a de Bergman, uma solidão que transborda da Lanterna mágica, sua autobiografia, de seus problemas familiares, do difícil convívio com seu pai, das suas brigas com Deus – a constante constatação de que estamos sozinhos.
A mediocridade de Sig como violinista, que falha barbaramente ao tentar o cargo de solista, seria então a do jovem diretor, em um dos primeiros filmes de sua longa carreira? Quando filmar é um modo de alcançar as esquinas mais sombrias da alma, Bergman é hábil ao usar como argamassa da produção artística os seus demônios privados.
Quem lê estas anotações deve estar curioso quanto ao título, Rumo à felicidade (Till Glädje), pois seria possível se argumentar a esta altura que não se trata de uma história propriamente feliz, mas pesada e melancólica. Retome-se, porém, a ideia de que o argumento do filme reside em suas extremidades, e, se a música de fundo é, não impunemente, a Ode à alegria, a conclusão é a gratidão pela vida, aquela que não se expressa perfeitamente pela linguagem das palavras.
O papel da música, aliás, parece ser central em expressiva parte da obra do diretor sueco. Um exemplo significativo: em O sétimo selo, a Morte declama um trecho do capítulo oitavo do livro das revelações ao som da cantata Carmina Burana, de 1937 – que é a primeira parte da trilogia composta pelo alemão Carl Orff a partir do codex de poesia medieval, formada também pela Catuli Carmina, de 1943, e pela Trionfi dell’Afrodite, de 1952.
A música é também o tema de fundo de Rumo à felicidade e, a partir destas considerações, é possível se localizar precisamente o tom de gratidão, a que nos referimos, que se imprime à obra: depois de saber da morte de Marta, o maestro explica que a música é uma questão de alegria. Uma alegria que não se expressa em risos, ou a felicidade que diz “Eu sou feliz”, mas que é uma forma de felicidade tão imensa, tão particular, tão espiritual que se encontra além da dor e do desespero sem limites. Uma felicidade além de toda compreensão.
Texto de Leonardo Branco. Daqui.

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Sede de Paixão (Törst) 1949

Escrito por Herbert Grevenius (o mentor de Bergman), que colaborou com ele em vários outros filmes, e adaptado de várias curtas escritas pela actriz Birgit Tengroth, a estrutura da história é uma tentativa transportar as relações complicadas dos seus personagens.
Grande parta da acção apresenta-nos um casal problemático, Ruth (Eva Henning) e Bertil (Birger Malmsten), quando eles regressam a Estocolmo depois de uma viagem a Itália. A Europa que eles visitam foi devastada pela guerra, com a paisagem cicatrizada, tal como o casal tem as suas ruínas emocionais. No comboio em que viajam, discutem o casamento, brigam, atiram comida para os alemães esfomeados, e até recebem conselhos de um padre sueco. Atormentada por insónias e alcoolismo, a mente de Ruth voa para lembranças de um caso que teve com Raoul (Bengt Eklund), um homem que a manteve como amante até ela ficar grávida. Um aborto mal feito deixou-a estéril, e quase arruinou a sua carreira de bailarina.
Eva Henning é o que de melhor se pode encontrar neste filme. Ela interpreta a bailarina Ruth com uma energia maníaca, saltando de polo para outro no espaço de duas frases. Num momento ela está bem, e logo a seguir está mal, alternando entre o passado e o presente, que dá ao filme uma sensação muito noirish.     
O tema central é mais uma vez a lenta dissolução do casamento, bastante familiar para quem conhece a obra de Bergman, e que foi tão bem explorado em obras como "Scenes from a Marriage", mas também "Summer With Monika". Em termos gerais este é um Bergman em boa forma. O seu trabalho atrás da câmera é bastante inventivo, e supera alguns problemas a nível de diálogos que se encontrava em filmes anteriores, conseguindo um brilhante trabalho da sua actriz principal, assim como todo um excelente trabalho técnico.
Legendas em inglês.

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Prisão (Fängelse) 1949

No ínício do filme, um realizador (Hasse Ekman) é abordado por um ex-professor (Anders Henrikson), agora envelhecido, acabado de saír de um asilo para doentes mentais, e que lhe lança a idéia de um filme sobre o Inferno na Terra. A vida é "um caminho cruel mas sedutor entre o nascimento e a morte",  diz Henrikson, mas Ingmar Bergman, trabalhando pela primeira vez a partir de um argumento dele próprio, passa o resto do filme a tentar argumentar o contrário. Será que Deus está morto? Será que ele alguma vez existiu? Qualquer pessoa que realmente pense sobre a vida comete suicídio, afirma o escritor interpretado por Birger Malmsten, cuja visão niilista do mundo é nos mostrada através da sua relação com uma prostituta adolescente (Doris Svedlund). Os personagens principais são modelos deste primeiro período do jovem Bergman conturbado, onde o peso do mundo lhes esmaga a alma, e só o isolamento regressivo lhes oferece refúgio.
Extremamente sombrio (o título em sueco significa prisão), o filme é, obviamente, uma purgação para a tensão de jovens cineastas, neuroses, embora o desespero de Bergman aqui esteja próximo de um egoísmo mórbido e angustiante.
Mesmo com alguma familiaridade com os psicodramas obscuros de um universo sem deus que viriam a compor muitos dos filmes posteriores de Bergman, este filme seria recebido com algum choque. Os seus primeiros filmes (anteriores a este "Prisão") tinham alguns elementos mais escuros, mas em geral eram melodramas muito mais sociais, adaptados da literatura popular, com um público muito mais comercial em conta. "Prisão", foi, de facto, o primeiro filme onde Bergman teve o controlo sobre tudo, e o ambiente ficou muito mais negro. Percebendo que este não seria o tipo de filme que a Svensk Filmindustri financiaria, Bergman levou o script para a Terrafilm, para quem já tinha realizado anteriormente "Music In Darkness". Por necessidade, já que não iria ser um filme comercial, "Prisão" teve de ser feito com um orçamento muito limitado, e num espaço de tempo muito curto, e o resultado é consequentemente tenso e sombrio, muito mais perto do Bergman que conhecemos, do que qualquer outro filme realizado por si nos anos 40.

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Ingmar Bergman - Parte 2

No passado mês de Agosto iniciamos aqui uma série de ciclos dedicados a Ingmar Bergman, nos quais pretendemos visitar toda a sua carreira. Depois dos primeiros cinco filmes, nesta segunda parte vamos pegar na sua carreira de 1949 até 1951.
Aqui, os filmes de Bergman concentram-se em jovens amantes, geralmente das classes trabalhadoras. A maioria das vezes a acção passa-se nas cidades e nos seus subúrbios, com claras influências do neo-realismo, principalmente Roberto Rossellini. A recordação é um importante recurso estilístico nesta fase.
Vamos acabar este ciclo com "Sommarlek", o filme que revelaria internacionalmente Bergman, e que seria a sua primeira participação num festival internacional de cinema (neste caso, Veneza). Neste filme, através de flashbacks, ele vai abordar uma série de temas que seriam recorrentes na sua obra, como a perda da identidade artística, o fim do amor, e da lenta decadência da vida, que passam a partir daqui a ser exploradas com uma nova confiança.



Sendo assim, o alinhamento para esta semana vai ser o seguinte:

Domingo: Prisão (1949)

Segunda: A Sede (1949)

Terça: Rumo à Felicidade (1950)

Quarta: This Can't Happen Here (1950)

Quinta: Um Verão de Amor (1951)

Tony (Tony) 2009

Uma semana na vida de um serial killer solitário, com graves problemas de socialização, e um bigode totalmente fora de moda, "Tony" é uma viagem ao lado mais escuro do mundo dos serial killers. Peter Ferdinando interpreta o homónimo anti-herói, um perdedor nervoso e mal compreendido, desempregado e em estado de dependente do subsidio há 20 anos, mas propenso a actos de extrema violência contra qualquer pessoa que o incomode.
Quando dizemos que um filme vai "dividir" as audiências, normalmente quer dizer que metade vai gostar, e a outra metade não. Isso não acontece com "Tony", que pode ser visto como uma versão de "Henry: Portrait of a Serial Killer" filmada por Mike Leigh. Se um filme tão divisior pode ser visto como fiel à sua própria visão, merecendo elogios por essa mesma divisão, então esse filme tem de ser "Tony".
Com apenas 70 minutos, "Tony" não tem muito para mostrar, para além da vida do protagonista. É um homem estranho, com cabelo em forma de tijela e um olhar à Roddy McDowell. O seu pequeno apartamento é o mais deprimente que se possa imaginar. Duas cadeiras, um sofá, e uma pequena televisão onde ele vê filmes de acção. Tony passa os dias a vaguear pelas ruas com o seu casaco preto, ou a observar holligans no pub. E já lá vão 20 anos a viver à custa do estado. "How'd you like a job scrubbing toilets? Meeting people?", pergunta-lhe o oficial de emprego. É difícil compreender até onde vai o limite de Tony, mas ele ocasionalmente mata as pessoas com um martelo, e desmembra-as na banheira.
Tony vai passando de situação para situação. As suas atitudes violentas não são explicadas, não há passado ou insinuações de uma infância infeliz, ele é simplesmente insano o suficiente para se convencer que é uma pessoa diferente, e tudo funciona perfeitamente. Durante todo o filme uma bela melodia de piano toca durante as cenas de exteriores, com Tony a vaguear pelas ruas a observar a sujidade que o rodeia. Estas sequências parecem-se como um pesadelo adaptado para a tela por Gerard Johnson, assim como as cenas em que Tony meticulosamente separa os membros dos torsos, para envia-los no interior de sacos de plástico azuis, para o rio Tamisa. Mas para uma viagem tão brutal e desagradável ao mundo do "voyeurismo" e da perversidade, "Tony" também tem um sentido de humor e um coração a bater, que o ajudam a levantar-se mais alto do que outros filmes recentes do género.
Por Portugal passou apenas no Motelx de 2010.

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Memórias de um Assassino (Salinui Chueok) 2003

Coreia do Sul em 1986, sob o jugo da ditadura militar: dois polícias rurais e um detective especial da capital investigam uma série de assassínios e violações brutais. Os seus métodos crus tornam-se mais desesperados à medida que os corpos vão sendo encontrados.
Em 1986 a Republica da Coreia viu-se a braços com o seu primeiro serial killer conhecido. Durante a narração da abertura ficamos a saber que o país estava a viver uma ditadura militar, e nas próximas duas horas é nos dado uma lição de como um governo forte e autoritário pode não conseguir deter um único criminoso. Revelar a natureza do governo do país é uma escolha estranha para principal informação a ser dada ao público, quando à maioria dos Coreanos não era preciso ser dito. Para as gerações que não se lembravam pode ser considerado um lembrete, mas também serve para focar a atenção do espectador sobre como isso afetará os elementos processuais deste filme. A principal lei do governo era o autoritarismo e a intimidação, e ao mesmo tempo gerar um clima de medo para persuadir eventuais criminosos a cometerem um crime.
O argumentista/realizador Bong Joon-ho é muito forte em ambos lados da história - a investigação policial tem bastante suspense, apesar do resultado da investigação já ser do conhecimento do público, enquanto as histórias das personagens são muito bem desenhadas, com convincentes alterações da confiança ao desespero. Não é à toa que o filme foi um sucesso na sua terra Natal (um dos maiores êxitos do ano), levando o público a pedir que o filme fosse novamente lançado nas salas. Como drama policial é uma notável peça de trabalho, contando uma boa história e construindo personagens interessantes, criando um sentido de tempo e lugar.
São notáveis as influências de outros filmes americanos de serial killers, como "Seven" ou "O Silêncio dos Inocentes", embora o filme tenha uma identidade muito própria. Correu o mundo, sendo exibido em festivais como Cannes, San Sebastian, Londres e Tóquio,tendo conseguido alguns prémios de relevo. Nunca estreou nos cinemas em Portugal.

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O Elemento do Crime (Forbrydelsens Element) 1984

O inspector Fisher chega ao Cairo depois de ter conduzido um inquérito sobre um homicídio no continente europeu mas não se recorda do que aconteceu e procura ajuda de uma terapeuta. Sob hipnose, viaja através da memória e da sua dor... pela Europa. E é arrastado para um caso de homicídios invulgares.
Primeira longa metragem de Lars Von Trier, é um thriller de terror futurista, passado num futuro pós-apocalíptico indeterminado, do norte da Europa (apesar de ser falado em inglês). Nascido em Copenhaga, Dinamarca, 1956, Lars Trier era uma criança actor, filho de pais comunistas, antes de entrar em escolas de cinema e workshops, onde aprendeu o ofício de realizador, e acrescentou "Von" ao seu nome. Na Escandinávia, a indústria estava em declínio, e Von Trier iniciava uma trilogia sobre a desintegração da Europa, numa era pós moderna. Começou com este filme intitulado Forbrydelsens Element (The Element of Crime).
Enquanto "Forbrydelsens Element" não tem o tom imperfeito dos seus filmes posteriores, tem uma excelente fotografia noir, com elegantes tons que fazem a sua visão ser sombria, e pós-moderna. A sua única falha, além da sua falta de originalidade comparada com os film noirs anteriores, é que o filme move-se um pouco lentamente, devido ao seu diálogo estilizado. Ainda assim, consegue criar um novo ambiente para os films noir, muito mais europeu, com excelentes movimentos de câmara lenta, e câmara ao ombro.
O argumento é muito estranho, a partir de uma perspectiva europeia pós-moderna, onde tudo começa a desmoronar. Mesmo os twists do filme e as surpresas tornam-se mais chocantes, por causa do comportamento dos seus personagens. Embora o argumento seja da autoria do realizador e dos seus colaboradores, que incluem Mogens Rukov (especialista do movimento Dogma 95), é a realização de von Trier que de facto nos fascina. Especialmente na forma como ele vê as coisas, que incluem violência, moral, rituais, e sexo, onde há uma cena de sexo oral que não chegamos a ver na totalidade.

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A Caça (Cruising) 1980

Steve Burns é um jovem detective que acaba de receber ordens do Capitão Edelson para resolver o caso de uma série de assassinatos brutais que estão a aterrorizar a comunidade gay de Nova Iorque. Com o seu aspecto, moreno de olhos e cabelos escuros, Steve encaixa no perfil das vítimas, mas terá de aprender e praticar as complexas regras desta subcultura para conseguir atrair o assassino...
Já passaram mais de 30 anos desde que este filme fracassou nas salas de cinema, quando estreou, mas desde então a crítica ao filme deu uma reviravolta de 180 graus. Em 1980 a imprensa homossexual criticou o filme violentamente por apresentar um retrato negativo da vida gay. No entanto, nos anos mais recentes, o filme tem sido visto como uma visão pro-gay, tendo sido injustamente criticado e estigmatizado na data da sua estreia, apesar das boas intenções estarem presentes. Porque nada mudou sobre o filme nos últimos 30 anos este foi reavaliado, por causa das mudanças culturais no seu país.
Hoje, os principais pontos de vista culturais são totalmente diferentes da década de oitenta, quando Ronald Reagan entrava pela primeira vez na Casa Branca e a sida ainda era uma doença desconhecida por esse mundo fora. Alguns dizem que eram tempos melhores, outros dizem que era uma época repressiva, conservadora, que suprimia os grupos minoritários e reprimia a expressão humana.
Como filme "Cruising" é notável, mergulhando no homo eroticismo que quase nunca é visto nos filmes de hoje. William Friedkin gozava do sucesso de "The French Connection" e "O Exorcista", e tinha uma estrela maior no elenco, Al Pacino. Mesmo assim, a sexualidade não filtrada transpira por todos os poros, recusando-se a refinar ou coíbir os detalhes da vida gay dos anos 70. Foi chocante na altura, e é chocante agora, não no sentido ultrajante, mas pela sua franqueza documentarista.

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Noivos Sangrentos (Badlands) 1973

Estados Unidos, 1959. Kit é um criminoso em fuga, procurado pelas mortes de várias pessoas. Acompanhado pela sua nova namorada Holly, que presenciou os crimes, perde-se num mundo de fantasia em que a violência e o crime são as únicas constantes. Os dois habitam um universo só seu, mas o rasto de balas e sangue que vão deixando enquanto fogem da lei, pelas paisagens desoladas do Dakota e Montana, é muito real.
A estreia de Terence Malick como realizador foi um sucesso estrondoso, tendo criado um conto popular seminal e inovador sobre jovens sem rumo. Passado no final da década de cinquenta, numa pequena cidade da Dakota do Sul, este road movie inovador tornou-se num clássico filme de culto, misturando assassinatos, banalidades, cultura pop, amor e romance, alienação, tudo misturado apanhando a vaga de rebeldia deixada por James Dean. É uma leve dramatização da matança levada a cabo por Starkweather e Fugate no final dos anos 50. Kit Carruthers (Martin Sheen) é um jovem colector de lixo com uma semelhança extraordinária com James Dean, que se vai apaixonar por uma jovem de 15 anos chamada Holly Sargis (Sissy Spacek).
Terrence Malick não romantiza ou julga os fugitivos, apenas conta a sua história tal como ela é, apenas deixa o espectador juntar os pedaços da história em falta. Isto funciona tão bem que poderia ser creditado ás fantásticas prestações de Sheen e Spacek. A beleza do filme é que revela apenas uma história simples que se esconde por detrás de um complexo conjunto de motivações das personagens. Embora essas motivações não estejam explícitas na história, deixam o espectador a pensar sobre a razão para toda aquela violência. Os dois desajustados encontram alegria em tornar celebridades nacionais e parecem muito distantes da realidade, e na sua simplicidade e falta de motivação parecem simpáticos, apesar da violência dos seus actos. O que tem significado para Kit é que o seu novo estatuto na sociedade eleva-o a uma espécie de herói popular, alguém que nunca pensou sobre a vida e a morte. Kit é um produto dos tempos materialistas, onde a televisão e os filmes coloram as suas acções. Estas, embora nunca sejam explicadas, dizem muito mais de que se tivesse sido tentado explicado. Malick apanhou algo sobre os subúrbios da América e a sua juventude desajustada, que é perturbador mas muito real.

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Serial Killers

O termo serial killer começou a ser usado na década de 70, por um agente do FBI chamado Robert K. Ressler. Até então usava-se Stranger Killer (assassino de desconhecidos) porque se pensava que os assassinos não conheciam as suas vítimas, e que estas eram escolhidas ao acaso. Mas depois de estudados alguns destes criminosos chegou-se à conclusão de que alguns tinham contacto com algumas das vítimas.
Muitos foram os filmes que se debruçaram sobre este assunto, até mesmo antes do tema ter sido inventado. Alguns desses filmes tentaram responder à pergunta sobre o que é um serial killer, e o que o leva a matar, mas esta é uma questão que nem os melhores psiquiatras conseguem responder, e por isso o assunto está em constante desenvolvimento.
O primeiro grande filme a debruçar-se sobre o assunto foi "M" (1931), de Fritz Lang, com Peter Lorre como assassino de crianças, mas o verdadeiro "boom" deu-se nos anos 60, depois da explosão de filmes como "Psycho", ou "Peeping Tom". Desde então o assunto tem sido explorado no cinema de várias formas, desde estudos psicológicos das personalidades, biografias de serial killers verdadeiros, ou simplesmente caças aos assassinos. Talvez o caso mais famoso no cinema tenha sido a adaptação do romance de Thomas Harris, realizada por Jonathan Demme, e interpretada por Anthony Hopkins no papel de um serial killer, que lhe valeu um Óscar.
Quem se lembra do blog anterior, o My One Thousand Movies, deve estar bem familiarizado com o tema, porque alguns dos filmes relativos a este assunto tornaram-se clássicos dos "Thousand Movies". Refiro-me a filmes como "Henry - Portrait of a Serial Killer", "Angst", ou "Man Bites Dog".
Para este ciclo, vamos esquecer um pouco os grandes clássicos do assunto, e ver cinco diferentes abordagens sobre o tema, quer do ponto vista psicológico, quer da simples caça ao assassino. Alguns destes filmes partilhados pela primeira vez, por mim.

Segunda: Badlands (1979), de Terrence Malick 

Terça: Cruising (1980), de William Friedkin

Quarta: The Element of Crime (1984), de Lars Von Trier

Quinta: Memories of Murder (2003), de Joon-ho Bong

Sexta: Tony (2009), de Gerard Johnson

Mentes Perigosas (Dangerous Minds) 1995

Concretizando o seu sonho de leccionar, LouAnne Johnson (Pfeiffer) é colocada como professora de um grupo de rebeldes adolescentes que aceitam o insucesso como forma de vida. Determinada em ganhar-lhes a confiança e a fazer a diferença nas suas vidas, LouAnne não olha a meios para atingir fins aprendendo, no limite, algumas duras lições.
"Dangerous Minds" é baseado numa história verdadeira, do livro "My Posse Don't Do Homework", escrito por Louanne Johnson, e produzido por dois especialistas em blockbusters, Don Smith e Jerry Bruckheimer.
Uma das maiores ironias de algumas sociedades desenvolvidas é como as pessoas podem desperdiçar as oportunidades educativas que lhe são dadas. Escolas públicas, especialmente o ensino médio, tornam-se mais um clube social, e menos uma instituição de aprendizagem. Infelizmente as piores escolas do ensino médio estão infestadas de gangsters juvenis. "Dangerous Minds" centra-se numa professora que vai ter de lidar com esta juventude degenerada, a quem ela apelida de "rejeitados do inferno".
O filme ficou também famoso pela canção "Gangsta's Paradise," de Coolio, que não era uma glorificação da vida de criminoso, mas sim uma critica sobre estar preso tanto tempo a esta vida, que nem uma educação posso mudar isso. Tanto o filme como esta música tornaram-se grande êxito neste ano.
Não é dos melhores filmes de Michelle Pfeiffer, nem de perto, mas uma obra que cai como uma luva nesta actriz, e do qual ela consegue retirar um dos seus melhores desempenhos.

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Os Fabulosos Irmãos Baker (The Fabulous Baker Boys) 1989

Frank e Jack Baker são irmãos e excelentes pianistas. Tocam juntos à 15 anos, exibindo-se nos melhores hotéis da América e, segundo eles... do mundo. Mas, embora reconhecendo o seu virtuosismo, o público começa a fartar-se de ouvir sempre as mesmas coisas. Frank e Jack decidem pôr uma nota de frescura no ser repertório, contratando uma jovem vocalista entre 37 candidatas, Susie Diamond. O trio goza de uma notável ascensão, mas com êxito nascem os primeiros problemas...
No seu conteúdo, "The Fabulous Baker Boys" é uma história simples, não muito diferente de outras que vimos nos filmes sobre artistas que tentam ganhar um lugar ao sol. Escrito e realizado por Steve Kloves (argumentista de "Wonder Boys" e dos filme de Harry Potter), tem aparência de um filme da "Primeira Divisão", com entretimento do início ao fim. Muito disto deve-se à química perfeita dos irmãos Bridges, que aprenderam os movimentos de mãos a tocar piano, apenas para o filme, com a parte das canções a ser entregue a Michelle Pfeiffer, que faz realmente todas as partes vocais do filme. Os três elevam este simples a uma obra muito interessante, das mais marcantes do seu período.
Completando a qualidade do filme, temos a música do compositor Dave Grusin (The Firm, Three Days of the Condor) e excelente fotografia de Michael Ballhous (Goodfellas, Gangs of New York). Trabalhando em conjunto eles fazem magia, fazendo Los Angeles parecer a cidade ideal para tocar Jazz à noite.
É neste filme que encontramos Michelle Pfeiffer numa sequência já clássica, com um vestido vermelho, sentada em cima de um piano a cantar "Makin' Whoopee". Esta seria uma das interpretações mais conseguidas de Pfeiffer, para a qual conseguia mais uma nomeação ao Óscar. Infelizmente este seria o ano de "Driving Miss Daisy", e Jessica Tandy levaria o prémio para casa.

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Legendas
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Ligações Perigosas (Dangerous Liaisons) 1988

Uma rica e pérfida viúva (Glenn Close) desafia um célebre libertino (John Malkovich) a seduzir uma jovem e bela mulher recém-casada (Michelle Pfeiffer). Mas, desta vez, uma regra essencial é violada: os dois jogadores vão apaixonar-se...
Tal como acontece com uma regularidade surpreendente na indústria de Hollywood, na altura em que "Ligações Perigosas" entrou em produção, não era a única adaptação do romance de Choderlos de Laclos, do século 18. O filme rival era "Valmont", que estava a ser preparado por Milos Forman, e que apesar de reconhecer que iria perder a guerra da bilheteira com o filme de Stephen Frears, estava preparado para pressionar. "Ligações Perigosas" estreou quase um ano na frente de "Valmont", e conseguiu muito maior sucesso, tanto criativa como financeiramente. A versão de Frears conseguiu arrecadar sete nomeações aos Óscares, inclusivé algumas das principais, como Melhor Filme, Actriz (Glenn Close) e Actriz Secundária (Michelle Pfeiffer), mas acabaria por conquistar apenas três, principalmente nas categorias técnicas. O filme de Forman seria recebido com algumas críticas medíocres.
Talvez a história de "Ligações Perigosas", uma novela cínica sobre personagens desagradáveis que fazem coisas impensadas, tenham feito melhor eco no final dos anos oitenta e noventa. Na realidade, nada menos do que quatro versões desta história chegaram ao cinema no espaço de 11 anos. Além dos filmes mencionados tínhamos "Company of Men" (que empregava as mesmas idéias) e "Cruel Intentions". Talvez as pessoas encontrassem algo de atraente na noção de que qualquer pessoa, incluindo o mais dissoluto e emocionalmente distante dos humanos, poderia ser desfeito pelo amor. Ou talvez haja algo de agradável na observação de indivíduos maus que vivem numa sociedade podre, serem punidos. Em ligações perigosas tudo começa como um jogo, ou um desporto, mas não termina assim.
"Ligações Perigosas" tem o aspecto de um filme de época muito bem preparado, figurinos impecáveis e um design de produção do mais perfeito. Sendo o livro europeu, Frears (ele próprio um realizador inglês) optou por escolher um elenco totalmente americano, apesar do filme ter sido maioritariamente rodado em França. Mas os actores acabaram por ter sido muito bem escolhidos, e o trio principal (Malkovich, Glenn Close e Pfeiffer), têm uma brilhante interpretação, assim como os secundários, onde se incluem Keanu Reaves e Uma Thurman, ambos em vias de se tornarem estrelas.
O filme também representaria uma mudança na carreira de Frears, que até então apenas fazia pequenos filmes de arte, como "My Beautiful Laundrette", e passaria a estar ligado a filmes muito mais mainstream, começando por "The Grifters", no ano seguinte. O argumento, da autoria de Christopher Hampton, ganharia um Óscar.

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Viúva...Mas Não Muito (Married to the Mob) 1988

Angela deMarco (Michelle Pfeiffer) é infeliz no seu casamento com um alto membro da Máfia, Frank DeMarco. Quando Frank é assassinado, Angela aproveita para se libertar deste mundo, e começar uma vida totalmente nova. Mas o patão de Frank, Tony Russo (Dean Stockwell), começa a cortejar Angela, ao que ela não responde. O FBI começa a vigiá-la, pensando que ela é a nova amante de Russo, e o agente Mike Downey (Matthew Modine) vai instalar-se como seu vizinho, mas acaba por se apaixonar por ela...
1988 foi um grande ano para Pfeiffer, permitindo que ela mostrasse o seu valor em géneros bastante distintos. Aqui ela prova os seus dotes no território da comédia, no papel de uma ex-mulher que um homem da Máfia que se quer redimir, e deixar de levar a boa vida que tinha anteriormente.
Essencialmente é uma farsa realizada por Jonathan Demme, dirigida a uma ritmo alucinante, como se fosse uma história aos quadradinhos. Aqui ele é ajudado pelo director de fotografia Tak Fujimoto e pela designer de produção Kristi Zea, que faz milagres para desenvolver um olhar estilizado. Os interiores dos vários restaurantes e hotéis são demasiado extravagantes para parecerem reais, mas não é por isso que eles deixam de ser convincentes.A visão que temos dos anos oitenta como uma década em que gastou pouco dinheiro com cenários que se tornaram maravilhosos, parece ter sido aproveitada por Zea, nesta comédia onde os cenários são um dos pontos mais fortes do filme. É também importante referir o guarda-roupa e os penteados das esposas dos chefes da Máfia, em especial Connie (Mercedes Ruehl), cujo cabelo ameaça declarar independência da sua cabeça a qualquer momento.
Provavelmente é uma das melhores comédias sobre o mundo da Máfia, e isso deve muito ao excelente elenco. Stockwell foi nomeado para o Óscar de secundário, e o elenco conta ainda com Alec Baldwin, Joan Cusack, Oliver Platt, mas o filme é todo de Pfeiffer, cuja carreira entrava na sua melhor fase.

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Pela Noite Dentro (Into the Night) 1985

A vida de Ed Okin (Jeff Goldblum) está fora de controle. Não consegue dormir, a sua mulher trai-o, e o seu trabalho é aborrecido. Uma noite ele começa a conduzir pelas ruas de L.A. e acaba no parque de estacionamento do Aeroporto. Momentos depois cruza com uma bela mulher (Michelle Pfeiffer), e vê-se a ser perseguido por quatro iranianos. O que se segue é uma perseguição selvagem pelas ruas de Los Angeles, ao mesmo tempo muito engraçada.
John Landis pinta a aventura de Ed como um sonho, a expressão facial de Goldblum indica que ele não se lembra a última vez que dormiu. Landis leva o filme num ritmo muito peculiar, sem mostrar sinal do cansaço de Ed. Entre piadas sobre o consumismo americano mantém o público no escuro, assim como a noite que rodeia os protagonistas. Na essência, o filme podia ser visto como um sonho de Ed, passado na realidade, ainda que tome a forma de pesadelo, porque é assim que ele vê a sua vida.
"Into the Night" tem sido criticado por ser excessivamente auto-referencial, e seria imprudente ignorar o uso constante de "cameos" entre amigos do realizador (desde Lawrence Kasdan, David Cronenberg, Jonathan Lynn, Paul Mazursky, Jim Henson, Don Siegel, Jonathan Demme, Jack Arnold, entre muitos outros), e a sua homenagem a um dos primeiros filmes que poderiam ser chamados de pós-modernos, "Abbott and Costello Meet Frankenstein", que é mostrado dentro do filme. De várias formas, "Into the Night" reconhece-se como uma identidade à parte no mundo "real", muito parecido com a moda dos anos noventa, iniciada por Wes Craven em "New Nightmare", e continuada com as sequelas de "Scream". Eram filmes onde os seus personagens reconheciam a sua existência dentro de um filme, as suas vidas governadas por convenções estabelecidas por filmes anteriores. Tudo isto é um exemplo do amor que Landis tem pelos filmes.
Realizado em 1985, ano que seria o da revelação de Michelle Pfeiffer, que se deu tanto por este como por "A Mulher Falcão", de Richard Donner. O elenco contava ainda com David Bowie e Dan Aykroyd.

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Michelle Pfeiffer

Loura, vestida de veludo vermelho. Dançando languidamente sobre um piano de cauda enquanto canta o "Making I Whoopee", a todos encantando. Esta é, provavelmente, a mais forte imagem de Michelle Pfeiffer, senhora capaz de incendiar corações com a sua vulcânica presença. Pertence a "Os Fabulosos Irmãos Baker", uma das mais famosas fitas da "fabulosa rapariga Pfeiffer".
No inicio Michelle não era assim. Primeiro não passava de uma loura igual a tantas outras, ideal para spots publicitários de sabonetes e para servir de "embrulho" de luxo a fitas de segunda. Aliás, foi através da sua beleza que Pfeiffer entrou no mundo do cinema, depois de ter sido notada quer em pequenos papéis televisivos quer em filmes publicitários. E nesse inicio de carreira aproveitaram apenas isso, a sua beleza loura, a cara bonita, o corpo perfeito.
Depois veio a revelação, e entre meados dos anos 80 e meados dos anos 90 teve os seus tempos áureos, que a levaram a ser nomeada para três Óscares, e a participar em alguns dos mais importantes filmes de Hollywood deste período, com a sua presença a ser fundamental para o sucesso de algumas destas obras.
Não foi fácil escolher apenas 5 filmes da Michelle, ficaram de fora obras como "Scarface", "A Mulher Falcão", "As Bruxas de Eastwick", "Doce Liberdade", "A Casa da Rússia", "Batman Regressa" (como Catwoman), "Frankie and Johnny", "Lobo", "Love Field", "A Idade da Inocência", entre muitos outros. Nos últimos anos, infelizmente, tem andado mais afastada do mundo do cinema, mas recentemente reapareceu em grande em "Dark Shadows" de Tim Burton.
Fiquem então com a lista dos cinco filmes que veremos esta semana:

- Segunda: Pela Noite Dentro (1985), de John Landis

- Terça: Viúva...Mas Não Muito (1988), de Jonathan Demme

- Quarta: Ligações Perigosas (1988), de Stephen Frears

- Quinta: Os Fabulosos Irmãos Baker (1989), de Steve Kloves

- Sexta: Mentes Perigosas (1995), de John N. Smith