Dr. Fígado (Karo Sensei) 1998

 

Shohei Imamura ainda faz filmes maravilhosos. A sua humanidade, humor, e apreciação sensual não diminuiu ao longo dos anos. A história da batalha de um médico contra a hepatite, em 1945, é um pretexto para mostrar o outro lado da vida japonesa, um longo caminho desde a ponte sobre o Rio Kwai. 
Os soldados estão lá, do mesmo modo. Há uma fortaleza na vila cheia de prisioneiros aliados, para nos lembrar de que há uma guerra. Hitler está morto, os alemães renderam-se, mas o exército Imperial vai lutar até ao último homem, ou assim as vozes da autoridade insistem, na rádio. O Dr. Akagi não pode ouvir isto: é muito doloroso para ele. Tem assuntos mais importantes para tratar, como a saúde das pessoas. Primeiro, ele é visto como uma figura cómica, a correr no seu fato branco, com um chapéu amarrado às costas, uma pequena mala preta na mão, acenando para todos os que passam. Ao examinar o paciente, deitado no chão, rodeado por parentes emocionados, o seu diagnóstico é, inevitavelmente, "hepatite". O oficial de saúde do exército, um pedante que se julga importante, recusa-se a aceitar a análise de Akagi de uma epidemia e que, se algo não for feito rapidamente, muitas pessoas vão morrer.
"Karo Sensei", passado no porto de uma pequena ilha nos últimos dias da Segunda Guerra Mundial, no Japão, abre com o bom médico a recitar a filosofia do pai, sobre a profissão: "Ser um médico de família é ter todas as pernas. Se uma perna estiver partida, corre-se com a outra. Se ambas as pernas estiverem partidas, corre com as mãos". E, de facto, lá vai Akagi (Emoto), a correr pela praia -. passando por um casal - vestido com um fato branco e um chapéu de palha, para a vila, para tratar mais um caso de hepatite, que atingiu proporções de epidemia durante a guerra. Akagi concentra a sua força quase inteiramente sobre o vírus, o que toda a gente parece ter.
Há muita coisa sobre "Dr. Fígado" que se parece como um conto de fadas, embora com uma inclinação decididamente anárquica. Inamura, tal como fez em "A Enguia", mapeia o coração humano através de uma série de vinhetas cómicas, as quais estão inescrutavelmente ligadas entre si para formar uma cartografia emocional. O filme em si, sente-se como uma espécie de sonho hiper-realista, com um simbolismo e um final que deve ser visto para ser acreditado. Ainda assim, o trabalho de Inamura é sempre profundamente pessoal, e é isso que dá a " Dr. Fígado" o seu tom esperançoso.
Legendas em inglês. 

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A Enguia (Unagi) 1997

"A Enguia" foi o 16º  filme de Shohei Imamura (excluindo os documentários feitos para televisão nos anos setenta) e o segundo a ganhar a Palma de Ouro. Feito quando o realizador estava a fazer 70 anos, mas isso não significa que seja um filme de um realizador "velho". É um conto sobre o sexo, a morte, crime, tentativa de suicídio e doença mental. Quaisquer sinais de que Imamura foi suavizando os seus filmes com o passar dos anos, é completamente errado. Na verdade, este é um filme tão salgado e estranho como os seus melhores trabalhos, sem medo de entrar num território mais sombrio, ou a fazê-lo com um toque mais cómico. Ao longo de "A Enguia" somos convidados a recordar os filmes anteriores de Imamura: há vestígios de "Vengeance is Mine", "O Profundo Desejo dos Deuses",entre outros.
Takuro Yamashita (Yakusho) recebe uma carta anónima informando que a esposa está a ter um caso, na sua própria casa, enquanto ele vai à pesca durante a noite. Nessa noite, sendo mais uma das noites de pescaria, regressa  a casa mais cedo do que é habitual, para descobrir que as afirmações contidas na carta, são de facto verdadeiras. Acaba por matar a esposa, esfaqueando-a várias vezes, mas permite que o amante consiga fugir. Na prisão, encontra uma enguia que se tornará o seu animal de estimação. Ao sair em liberdade abre uma barbearia, fora da cidade, onde se irá cruzar com uma mulher, Keiko (Shimizu) com tendências suicidas, que lhe faz lembrar a ex-esposa. Keiko, também recuperando de uma antiga relação, com um homem mais interessado no dinheiro da mãe dela, vai querer aproximar-se de Yamashita, mas este persiste em não querer envolver-se. 
Se uma produção de Hollywood fosse contar a história de um homem que mata a mulher num ataque de ciúmes, e não alguém falsamente condenado, como foi o caso do filme de Frank Darabont, "The Shawshank Redemption", mas alguém realmente culpado, seria apresentado como um psicopata demente. Mas aqui, mais uma vez, Shohei Imamura foca a sua câmera na vasta moral cinzenta chamada humanidade, e dá-nos uma história impressionante história de redenção.
Mais uma vez Imamura leva-nos através dos marginalizados na sociedade japonesa: os loucos, os pobres, e, claro, os culpados, e mais uma vez desenha um paralelo entre o nosso suposto mundo "civilizado" e o que podemos chamar de mundo animal, desta vez personificado por um enguia, um sinuoso animal de estimação. No universo de Imamura o julgamento moral é suspenso a favor da clareza, retratando a vida confusa de nós, seres humanos, e como podemos facilmente tropeçar dois passos para a direita e alcançar coisas maravilhosas, mas também como podemos facilmente tropeçar alguns passos para a esquerda e somos transformados em demónios, e como podemos ultrapassar esses actos terríveis, se formos felizes o suficiente para andar pelo caminho certo.

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Chuva Negra (Kuroi Ame) 1989

Os filmes sobre a Segunda Guerra Mundial são muitos, assim como muitos são os que tocam no bombardeamento atómico de Hiroshima e Nagasaki, em 1945. O Japão continua a ser a única vítima infeliz de um real atentado à bomba usando armas atómicas/nucleares, por isso, qualquer filme que toque neste tema fora do Japão, mereça uma revisão deste "Black Rain" para mostrar a perspectiva de quem viveu o atentado por dentro.
Baseado no romance de Masuji Ibuse, "Chuva Negra" é referido como a chuva que caiu logo depois da nuvem de cogumelo ter rebentado, por causa do conteúdo da alta radioatividade na atmosfera, o que caiu do céu foi realmente contaminado, e foi reportado em ser de cor negra. Mas o filme não é um exercício de meteorologia, mas sim, é bastante rico no drama sobre o sofrimento de todas as vítimas directas e indirectas da bomba atómica, assim como nas cicatrizes psicológicas infligidas.
Colocando o seu fulcro na personagem principal, Yasuko (Yoshiko Tanaka), que estava suficientemente perto de Hiroshima para a chuva negra cair sobre ela, fala do preconceito que todos têm sobre ela. Confrontada com a discriminação social que dificulta a sua capacidade de se casar, e pior, a necessidade de estar isolada numa pequena vila de sobreviventes da bomba atómica, fala dos horrores da guerra da pior espécie, e isto é uma parte do que cada um tem de sofrer até ao fim da sua vida. Embora a aldeia onde ela resida tenha personagens interessantes que se encorajam a uns aos outros a manter o espírito livre, há sempre uma sensação sinistra pendendo sobre este lugar, e um a um, todos os habitantes têm de enfrentar o inevitável. 
Mas nem tudo é tristeza e melancolia no filme, já que ainda há espaço para a comédia, tão necessária para elevar o humor depressivo. Mas as cenas mais poderosas são as do início. Apesar de não ter grandes efeitos especiais para recriar os eventos do dia trágico, como qualquer blockbuster americano, a sua simplicidade, trás a mensagem e imagens suficientemente fortes para nos causar impressão. Não há uma grande explosão, mas sim uma bomba solitária suficiente para causar arrepios nas infelizes vitimas, e as vítimas diretas são aqui retratadas da forma mais realista possível.
"Chuva Negra" atinge bem o objectivo de ser um filme anti-guerra nuclear, mas certamente que não será de fácil visualização. É o meu filme preferido de Imamura.

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A Balada de Narayama (Narayama-Bushi Kô) 1983

Vencedor da Palma de Ouro em 1983, superando filmes de Robert Bresson, Martin Scorsese e Andrei Tarkovsky, "A Balada de Narayama" talvez seja o melhor cartão de visita para o trabalho de Imamura. Embora tenha algumas semelhanças com "O Profundo Desejo dos Deuses", é mais acessível em termos de argumento.
Adaptado do romance do mesmo nome (que já tinha sido transformado em filme anteriormente), com sequências adicionadas a partir do livro Jinmus of Tohoku (ambos escritos por Fukazawa Shichiro), "A Balada de Narayama" é passado numa pequena aldeia, no alto de uma montanha, longe de qualquer traço da sociedade. Não nos é dito em que período o filme se passa, mas o meu palpite seria cerca de há 100 anos atrás, mas isso não fica claro. Os habitantes da aldeia vivem uma vida difícil, trabalhando os campos para cultivar alimentos suficientes para manter as famílias vivas. Vivem segundo um rigoroso código que inclui a tradição de que quando se chega à idade madura de 70 anos, as pessoas são obrigadas a escalar a montanha traiçoeira, dando a sua vida para que Deus olhe sobre a aldeia. O filme centra-se na avó Orin (Sumiko Sakamoto) e na sua família. Está quase a chegar a esse número mágico de 70 anos, e uma vez lá terá de aceitar o destino, mas enquanto isso ela ocupa-se em tentar manter os filhos e unidos, assegurando que a família continue a ser forte e feliz depois dela partir.
A verdadeira beleza de "A Balada de Narayama" reside na maneira com que, constantemente, subverte a visão do que é "certo" e "humanitário". As regras e valores da aldeia são brutalmente duras, bem como a tradição de "ter de subir" a montanha, e o modo de lidar com o roubo também é terrível - uma família é enterrada viva por um crime por um crime dessa natureza. No entanto, Imamura tem uma maneira de fazer com que estas leis pareçam justificáveis, e os moradores possam desfrutar da tranqulidade. Tudo o que eles fazem parece depender do equilíbrio. Orin envergonha-se da sua boa saúde - as crianças brincam sempre com o facto dela ainda ter todos os dentes da frente. Esta abnegação foca-se na preservação da unidade familiar para além da própria vida e é a chave para o filme. Soa como um anúncio sobre o comunismo, mas a propaganda não parece ser a intenção do Imamura. 
 É um filme emocionalmente poderoso, que é uma vantagem sobre "O Profundo Desejo dos Deuses". Tudo por causa dos últimos 45 minutos. Uma vez que Orin acredite que fez tudo o que podia pela sua família, finalmente pede aos anciãos da aldeia que lhe concedam a passagem até à montanha e é o filho Tatsuhei (Ken Ogata) que concorda em levá-la até lá. Esta jornada é feita lentamente e praticamente em silêncio (as regras dizem que os condenados não devem proferir uma palavra) como Tatsuhei a esforçar-se perante um terreno acidentado. Quando se aproximam do cimo são recebidos por um tapete de restos de esqueletos, dos anteriores anciões que alí perderam a vida. Orin sinaliza o local que acha mais adequado e o filho deixa-a para ela conhecer o seu Deus. É um momento extremamente belo, apesar do ambiente potencialmente perturbador, demonstrando o poder da capacidade do filme para brincar com as crenças e sentimentos. Não é uma cena deprimente, apenas é profundamente comovente. 
O filme está cheio dessas justaposições, para criarem uma experiência que é tão instigante como bonita. A ênfase frequente no sexo e em algumas cenas de brutalidade e, já agora, no humor ousado, podem afastar alguns espectadores, mas mesmo assim este é um filme obrigatório. 

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A Vingança é Minha (Fukushû Suru Wa Ware ni Ari) 1979

Superficialmente "A Vingança é Minha" é um filme sobre um serial killer. Foi feito muito tempo antes da vaga recente de Hollywood começada com "O Silêncio dos Inocentes", mas alguns anos depois dos pioneiros do género, como "A Kiss Before Dying"(1951), "The Boston Strangler"(1968), "Peeping Tom" (1960), "Psico" (1960) e 10 Rillington Place (1971). O filme está alinhado com estas obras anteriores, seguindo as actividades do assassino, em vez da investigação para localizá-lo, mas estilisticamente, é muito diferente. Baseado na história verdadeira de Nishiguchi Akira, que foi preso em 1964 depois de uma matança por todo o país, o filme segue o assassino Iwao Enokizu enquanto viaja pelo Japão, vivendo de fraudes e enganos, além de cometer uma série de assassinatos insensíveis,  incluindo narrativamente os seus problemas da infância pré-guerra, e a problemática do pós-guerra, e a sua relação amarga com o pai, um católico devoto.
Neste contexto, conteúdo e estrutura narrativa, a abordagem do filme é complexa e meticulosa. Começando com o transporte de Iwao para a esquadra da polícia depois da sua detenção, a história desenrola-se inicialmente numa forma não-linear, pulando para trás e para a frente através do tempo, nem sempre com a ajuda gráfica da data actual e local. A descoberta do primeiro corpo, por exemplo, vem depois da captura de Iwao, mas muito pouco tempo antes são mostrados os acontecimentos que levaram ao assassinato em si. Ocorrendo no início da narrativa, esta não é uma matança no estilo dos thrillers tradicionais modernos, mas uma matança desajeitada, amadora e deliberadamente desagradável, o fracasso das tentativas de Iwao colocar inconsciente a sua vítima com um martelo, obrigando-o a recorrer a uma faca, que é espetada violentamente no peito de um homem que só depois vai morrer. É uma cena chocante por todas as razões. O efeito sobre a nossa percepção de Iwao é imediata, e quando um pouco mais tarde, ele procura numa loja para comprar uma faca de cozinha (ele escolhe a mais barata, que é um detalhe interessante), este simples acto provoca um arrepio de medo sobre o que ele vai fazer com esta compra. Um segundo assassinato segue de seguida, tão desagradável de se ver como o primeiro, e a partir daqui até mesmo a ameaça de violência por parte de Iwao deixa-nos os nervos em franja.
Como a narrativa de flashback a torna-se cada vez mais linear em termos de estrutura, a personagem de Iwao é consideravelmente mais expandida, e a história  à sua volta proporciona uma imagem mais clara do caminho que o levou de criança para adulto rebelde, a ser tão destrutivo. Tendo estabelecido Iwao como tema do  filme, Imamura engana-nos a todos, ignorando-o depois e concentrando-se na relação que se desenvolve entre a sua jovem esposa e o pai idoso. Mas mesmo o fio dessa história avança de uma forma inesperada.
Repetidamente o filme leva-nos a lugares inesperados e perturbadores. Grande parte da violência ocorre fora da narrativa e, ocasionalmente, joga com as nossas expectativas. Como se a própria narrativa não fosse suficientemente confusa, Imaura também inclui algumas referências intrigantes a aspectos menos discutidos da sociedade japonesa.
E, para finalizar, o filme é muito atraente. Pelo seu realismo documental, pela sua técnica da narrativa complexa mas emocionante, pelo desempenho magnífico de Ken Ogata, pela sua abordagem de não julgamento ao material consistente, e pela profundidade intelectual e emocional. Imamura ainda tem coragem de terminar o filme com uma cena de peculiaridade surrealista que, todavia, funciona perfeitamente para o filme, justamente por causa de suas possíveis leituras escondidas. "A Vingnaça é Minha" é o cinema realmente grande, desafiador, inteligente e de confronto, uma história brilhantemente contada, tratada com firmeza e explorando o lado mais obscuro da natureza. Isto nem sempre torna fácil a sua visualização, mas é uma experiência memorável.

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O Profundo Desejo dos Deuses (Kamigami no Fukaki Yokubo) 1968

Realizado em 1968 por Imamura, "O Profundo Desejo dos Deuses" é um filme que é parte drama etnológico, e parte comentário sócio-político.
A acção é passada na ilha fictícia de Kurage em Okinawa, a província mais quente e mais a sul do Japão. É uma área que foi notícia em 2010 depois da renúncia de primeiro-ministro Hatoyama Yukio do cargo, em parte por não cumprir a promessa de mudar a base militar dos EUA, impopular, e que está localizada naquela zona desde a guerra, para um local com uma população mais amigável. Esta zona continua a ser um destino popular de férias para turistas japoneses e foi o local chave para um filme perfeito de Takeshi Kitano sobre a yakuza, Sonatine. Mas nada disto nos irá preparar para a visão de Imamura sobre esta região.
O filme gira à volta da família Futori, e na altura em que os vamos encontrar já se isolaram socialmente de todos os outros na ilha. Nekichi está agarrado ao seu trabalho num poço aquoso que ele cava para deslocar uma rocha enorme que muitos acreditam ter sido lá depositada pelos deuses, como punição pelos seus actos anteriores, que incluem a pesca com dinamite e um caso de amor com a sua irmã Uma, agora a esposa do seu ex-companheiro Ryugen. O avô Yamamori está preocupado com o desejo de Nekichi para com Uma, que causou a ira dos deuses, mas como ele próprio engravidou a filha, não está realmente na posição de o aconselhar. O resultado dessa união foi a retardada Toriko, que se deita com todos, excepto o filho de Nekichi, Kametarô, o único membro são da familia.
A esta micro sociedade chega o engenheiro Kariya, um homem de família, natural de Tóquio, que chega mal preparado para lidar com as excentricidades do clã Futori, ou mesmo para o seu anfitrião Ryugen, cuja idéia de hospitalidade é pedir à sua esposa para dar ao seu visitante, um "bom tempo". Quando ele rejeita a mulher, a raiva de Ryugen com a esposa manifesta-se em violência física e violação. Depois de contratar Kametarô como assistente e tentá-lo com perspectivas de vida na cidade grande, Kariya é alvo de Toriko, que usa a resistência dele e tentando-o a abandonar o seu trabalho para viver uma vida primitiva e idílica com o clã Futori.
O filme tem quase três horas de duração, e está repleto de detalhes excêntricos e muitas vezes surreais, e é sustentado por uma série de preocupações temáticas, do fascínio de Imamura com o primitivismo ao efeito intrusivo e prejudicial ao desenvolvimento industrial, um tema que era querido a muitos realizadores nos anos 60 e, apesar da sua verdade essencial, desde então, passou para os domínios do cliché cinematográfico. Aqui o paraíso é imaculado muito antes do filme começar, os locais têm sido tentados a mudar das plantações de arroz para a agricultura da cana de açúcar, principalmente para servir uma fábrica construída pelos mais ricos que agora governam a economia da ilha. Kariya foi enviada para a construção de uma estrutura depois do seu antecessor ter parado de enviar notícias, e desaparecido.
O destino da ilha e da família Futori está ligado à religião e ao folcore da região. Os governantes da ilha foram capazes de construir a fábrica sem protesto local, porque eles eram considerados como deuses, a inundação que depositou a pedra gigante na terra Futori é vista como castigo divino para a imoralidade de Nekichi.
Como vamos então categorizar "O Profundo Desejo dos Deuses"? Como um drama antropológico que nos mostra os extremos de uma comunidade, e não o que podemos aceitar como representante da norma, algo que é apanhado de forma mais eficaz nos rituais locais, danças e canções, quer no comportamento da família Futori. Encontra falhas em todos os aspectos da celebração do primitivismo, enquanto a sua visão crítica da influência destrutiva de forasteiros constituem uma parte muito pequena do drama envolvente para ser o principal foco do filme. Mas é precisamente esta recusa a obedecer a um padrão único reconhecível de genérico ou de estilo que faz deste filme uma fascinante visão, como um filme com várias histórias sendo contadas simultaneamente em três línguas, incluindo uma da própria invenção do contador de histórias.
Legendas em inglês.

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O Pornógrafo (Erogotoshi-Tachi Yori: Jinruigaku Nyûmon) 1966

"O Pornógrafo" é uma comédia absurda e ultrajante sobre a sexualidade e o papel do sexo num mundo moderno dominado pela ganância e pela manipulação. O pornógrafo do título é Subu Ogata (Shoichi Ozawa), que faz filmes pornográficos e comercializa uma grande variedade de literatura sexual, fotos, gravações de áudio ilícitas, e medicamentos para a impotência - tudo isso contando à sua amante viúva e proprietária Haru (Sumiko Sakamoto) que vende equipamentos médicos. De certa forma, a Ogata, esta parece ser uma afirmação verdadeira. Cada vez mais vê o mundo, e especialmente os homens, como doentes com a sexualidade, e vê a sua obra "imoral" como uma espécie de cura.
A profissão de Ogata começa apenas como uma forma de ganhar dinheiro, mas como pelo caminho vai cruzando com batidas policiais, mafiosos locais, ladrões, e os seus próprios impulsos sexuais complicados, torna-se mais filosófico com o seu trabalho. Ele quer a jovem de 15 anos de idade, Keiko (Keiko Sagawa), filha de Haru, que está doente e à beira da morte, que o encoraja a casar-se com a filha, porque pensa que Ogata tem pouco interesse. Enquanto isso, Haru tenta permanecer pura, devido a um voto que fez para o seu primeiro marido, que acredita ter reencarnado e a observa.
Com estes impulsos sexuais estreitamente interligados através da narrativa, é estruturado "O Pornógrafo". A narrativa de Imamura, muitas vezes, corre de uma forma mais ou menos tradicional, para ser interrompida pela invasão de sequências de sonho perturbadoramente reais. Estes estranhos sonhos surgem de tempos a tempos, sem aviso, muitas vezes surgindo espontaneamente a partir de cenas que a princípio parecia ser totalmente realistas. Imamura nunca deixou bastante claro de quem são estes sonhos, embora presumivelmente eles possam ser atribuídos a Ogata. Certamente que os posteriores, com a imagem da impotência sexual, sejam seus, mas alguns anteriores podem pertencer a Haru ou à sua filha. Em qualquer caso, estas interjeições adicionam à representação estilizada do filme o desejo sexual. Tudo culmina quando Ogata torna-se impotente e é levado a rejeitar completamente a sexualidade humana nas suas formas comuns, procurando a construção de uma mulher perfeita mecânica para satisfazer os seus desejos. 
"O Pornógrafo" é uma visão única e incrivelmente estranha da sexualidade num mundo de ganância e repressão sexual, onde o aspecto humano, pessoal, do sexo é cada vez mais substituido pela economia, legalidade e desejo mecânico. Como tal, este filme de 1966 é um trabalho incrivelmente presciente, prevendo, entre outras coisas, o entorpecimento da sexualidade na era da pornografia na internet.
Legendas em inglês.

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A Mulher Insecto (Nippon Konchûki) 1963

"The Insect Woman", o título anglicizado do filme de Shohei Imamura "Nippon konchuki", não é de nenhum modo uma tradução directa e, na realidade, soa como uma produção de série B, de Roger Corman. O título original traduzido directamente soaria a algo como "Entomological Chronicles of Japan", que mais proximamente refletiria a viagem de uma personagem lutando pela vida, como uma metáfora para a história do século XX, no Japão. Tal como o seu mentor, o grande Yasujiro Ozu, Imamura estava profundamente preocupado com a natureza do que significava ser japonês, embora ele andasse a explorar a questão de uma perspectiva muito diferente, substituindo o formalismo rígido de Ozu focalizado numa deteriorização da classe média, por um estilo visual mais eclético e um fascínio pelo lado sombrio da sociedade japonesa.
No filme anterior, Porcos e Couraçados (1961), Imamura tinha mostrado um enorme fascínio e um profundo respeito por mulheres fortes, resistentes, capazes de garantir a sua própria identidade e um lugar numa sociedade que constantemente quer reduzi-las a esposas obedientes , mães e funcionárias. Em A Mulher Insecto, ele leva este  fascínio a uma posição extremista, com a personagem de Tomé Matsuki (Sachiko Hidari), que nasce como uma filha bastarda de uma pequena vila agrícola em 1918 e, posteriormente, luta contra inúmeros obstáculos durante as tumultuadas décadas seguintes, até ao tempo presente (o filme é marcado por importantes marcos históricos, incluindo a rendição do Japão em 1945 e o programa de televisão em 1959, do casamento real do príncipe herdeiro Akihito e Shoda Michiko).
No início tudo parece estar contra ela, começando pelo seu status que é desvalorizado ainda mais pela natureza má e reputação da mãe (não se sabe quem o pai de Tome porque a mãe dormiu com todos os homens da aldeia) e do abuso sexual que vai sofrendo lentamente, do padrasto Chuji (Kazuo Kitamura). Quando em adulta, Tomé tenta integrar-se na sociedade japonesa, mas um casamento fracassado e ter um filho fora do casamento mantém-na constantemente à margem, socialmente. Ela encontra consolo numa igreja, onde pode derramar a sua dor e pesar , e finalmente encontra trabalho como empregada doméstica numa pousada que funciona como um bordel. Embora ela seja a primeira chocada com a natureza do seu trabalho, finalmente consegue aceitá-lo e até mesmo abraçá-lo, manipulando todos à sua volta a subindo até ao topo substituindo a Madam (Tanie Kitabayashi). Ao longo do filme Tomé prova ser infinitamente adaptável, e observá-la é como assistir a diferentes personagens, a sua maleabilidade por vezes faz diferentes encarnações difíceis de conciliar, excepto através por causa da sua necessidade de sobrevivência. 
Imamura sempre foi interessado ​​em atingir novas fronteiras, descrevendo os cantos mais obscuros da sociedade japonesa, e esse é o caso de "A Mulher Insecto". A sua visão em última instância, é uma estranha mistura de compaixão e distância, acompanhadas por um trabalho de câmera inquieto e umas  transições que muitas vezes isolam um momento de grande turbulência emocional. É um processo lento, por vezes um pouco confuso, porque Imamura e o seu argumentista Keiji Hasebe (com quem ele trabalhou em dois outros filmes) tendem a saltar para trás e para a frente no tempo, mas é um intrigante, embora grosseiro, retrato da luta das mulheres no Japão moderno. 

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Shohei Imamura

Imamura rejeitou o cinema convencional e idealista do Japão da década de 1950, para produzir e dirigir a sua própria visão do povo oprimido pela sociedade japonesa. Explorando a antítese da classe média da sociedade da sua juventude, Imamura ficou fascinado por marginais, criminosos e prostitutas que coloriram o seu mundo quando ele era um comerciante do mercado negro na Segunda Guerra Mundial. Como um estudante de sociologia japonês, fez comédias obscuras e contos pungentes de tabus culturais sobre a sobrevivência da pobreza - tanto como ficção, como documentário.

 Imamura nasceu a 15 de Setembro de 1926, em Tóquio, como o terceiro filho de um médico. Estudou na elite do ensino japonês na companhia dos filhos dos privilegiados. Em vez de seguir as atitudes dos seus colegas, rejeitou as suas curtas visões de espírito e desprezo pelas classes mais baixas. Imamura desprezava a opressão das sociedades que mais tarde viriam a ser o foco dos seus filmes.  
Andava impressionado com a liberdade expressa nos filmes do pós-guerra, como "Rashomon" de Akira Kurosawa. Depois de se formar pela Universidade de Waseda, em 1951, juntou-se aos Shochiku Films.  Entrou como assistente de realizador com o objectivo de trabalhar com Keisure Kinoshita. Nesse período ajudou vários realizadores, como Masaki Kobayashi, Yuzo Kawashima, e Nomura Yoshitaro, mas a sua passagem mais marcante foi como aprendiz de mestre Yasujiro Ozu. 
Trabalhou em três filmes memoráveis ​​de Ozu: "Early Summer", 1951; "Flavor of Green Tea over Rice", 1952; e "Tokyo Story", 1953. Mas, foi no terceiro que Imamura se sentia mais frustado e revoltado. Sentia que o trabalho de câmera de Ozu era rígido e sem imaginação, e que os actores foram instruídos para ser demasiado empolados e organizados, e que o sistema de promoção da produtora asfixiava a criatividade.
 Imamura opôs-se à visão conservadora e idealizada de Ozu da vida japonesa perfeita, com actores passivos e formais. Queria produzir filmes que retratassem o conflito dos verdadeiramente corajosos para a sociedade da vida japonesa. Na Shochiku, ele gostava de trabalhar com Yuzo Kawashima, que fez filmes sobre a vida das classes mais baixas. Kawashima também se rebeliou contra as políticas do estúdio Shochiku, assim, em 1954, os dois mudaram-se para os Nikkatsu Studios.
Imamura entrou no programa de treino dos Nikkatsu Studios, que recrutava novos talentos e oferecia salários mais altos. Lá trabalhou como argumentista e assistente de realização de Kawashima numa série de comédias. Em 1955, Imamura recebeu pela primeira vez crédito como assistente de realização. Durante este período desenvolvia a sua própria abordagem sobre o cinema. 
Em 1958, Imamura fez a sua estreia na realização com "Stolen Desire", uma comédia de humor negro sobre uma trupe de atores itenerante. Era o início do seu fascínio pelas correntes da sociedade e um desejo de desafiar a percepção de valores morais. Recebeu um prémio de Novos Talentos para este filme,  e naquele ano, fez mais duas obras: "Nishi Ginza Station" e "Endless Desire".


Com o sistema antigo dos estúdios japoneses a entrarem em declinio, talentosos jovens realizadores chegavam à tona. O Bagu Nuberu, ou New Wave, nomeado a partir da Nouvelle Vague francesa, caracterizou a nova geração de cineastas que surgiram na década de 50. Imamura e os seus contemporâneos, como Nagisa Oshima e Masahiro Shinoda, com quem ele já tinha trabalhado na Shochiko, rejeitaram a fórmula estabelecida por Ozu, de eufemismo tranquilo para celebrar as correntes primitivas da vida japonesa. A visão dos novos realizadores veio a espelhar a sociedade do pós-guerra, com a pobreza, mercados negros, corrupção, e proscritos.  
Imamura focou-se nas classes mais baixas, a que estava ligado durante os seus anos da escola. Abraçou temas tabus, como o incesto e a prostituição. Muitos dos seus filmes concentravam-se em comportamentos japoneses culturais, como a superstição e as atitudes em relação ao sexo, e a desafiar os seus espectadores para transcender os valores tradicionais.  
O primeiro filme a marcar distintamente a obra de Imamura foi "Pigs and Battleships", de 1961, uma sátira sobre traficantes que vendiam animais que foram alimentados com o lixo deixado por bases americanas estacionadas no Japão. O filme, que causou um escândalo, continha um dos temas populares do cinema de Imamura, do homem como animal. Não só os americanos eram vistos como porcos, mas também os comerciantes do mercado negro japones, que faziam fortunas com o que faziam.
Em 1965, Imamura criou a sua própria companhia de produção independente, a Imamura Productions, para que pudesse continuar a produzir filmes que caracterizaram a sua análise original do Japão, do seu povo e da sua cultura.
A carreira de Imamura prolongou-se por mais de 40 anos. Nos anos 70 esteve mais virado para os documentários, mas regressou em grande durante a década de 80. A partir da década de 80 assumiu uma carreira mais séria, tendo ganho a tão pretendida Palma de Ouro do Festival de Cannes, por duas vezes.Pertence ao grupo de realizadores muito restrito que conseguiu esta proeza.
Neste ciclo, vamos ver cinco dos filmes da primeira fase de Imamura, que é a minha preferida, e depois, mais cinco filmes da fase posterior. 
Espero que gostem. Até amanhã.

Night Has a Thousand Eyes (Night Has a Thousand Eyes) 1948

 

Um mentalista (Edward G. Robinson) descobre que tem poderes psíquicos legítimos, e fica assustado ao saber que pode prever acontecimentos trágicos. Quando ele prevê a morte, violenta e iminente de uma jovem herdeira (Gail Russell), Carson (John Lund), o namorado preocupado,  suspeita que o mentalista pode ser o criminoso - mas Robinson continua determinado a proteger Russell, a qualquer custo.
Este pequeno thriller de série B (dirigido por John Farrow, o pai de Mia Farrow) é um valente soco no estomago, oferecendo muito suspense e tensão nos seus cerca de 80 minutos. Edward G. Robinson é extremamente simpático como um psíquico inconsciente, que prefere não ser capaz de ver o futuro, e que resiste à exploração a qualquer custo - na verdade, ele é, essencialmente, um herói trágico, já que os seus poderes lhe custaram a noiva (Virginia Bruce), a integridade (ninguém acredita nele), e qualquer hipótese de ter uma vida normal e feliz. Gail Russell (alguma actriz tem os olhos mais expressivos?) interpreta uma herdeira com muito para pensar, e em quem nós tememos pela sua segurança. A fotografia de John Seitz a preto e branco adiciona ao filme uma rica atmosfera, onde podem faltar muitos dos tons cinzentos do filme noir, mas tem igualmente um conteúdo sombrio.
A direcção de John Farrow neste filme é bastante elegante, embora este tivesse insuficiências no argumento, especialmente no seu último terço. Apesar de Edward G. Robinson, mais tarde, não ter falado deste filme na sua própria autobiografia, a qualidade do seu desempenho foi apontada como notável por muitos críticos da época. Nesse mesmo ano Robinson teve outros dois dos seus mais notáveis papéis, como o gangster Johnny Rocco em Key Largo (1948, John Huston) e como o industrial Joe Keller, na peça de Arthur Miller, All My Sons (1948, Irving Reis). Com uma carreira tão notável, Edward G. Robinson nunca foi nomeado a um Óscar, tendo apenas ganho um honorário, depois da sua morte. 
Por esta altura, em Hollywood, não se faziam filmes de terror. Este era o que mais próximo se poderia considerar. As legendas do filmes (em português) não estão muito boas, por isso coloquei-as em anexo. Podem assim vê-lo com ou sem legendas.

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O Retrato de Dorian Gray (The Picture of Dorian Gray) 1945

 

Ao lado de "The Canterville Ghost",  e "The Importance of Being Earnest",  "Picture of Dorian Gray" é uma das histórias mais famosas de Oscar Wilde. Embora tenha havido muitas adaptações cinematográficas, a versão de 1945 é a mais conhecida. 
A história passa-se na Inglaterra da era vitoriana. Dorian Gray (Hurd Hatfield) é um jovem inexpressivo, cuja alma também é um pouco vazia. O seu retrato é pintado por Basil (Lowell Gilmore), que lhe deseja o melhor possível. No entanto, Lord Wotton (George Sanders) é quem lhe tem maior influência, e tem um prazer cínico em manipular Dorian, para este cometer os actos mais hediondos, e amorais. 
Dorian pede o desejo de permanecer jovem para sempre, enquanto que o retrato fica com a queda dos seus pecados e da passagem do tempo. De alguma modo, o desejo é-lhe concedido; e a única explicação, muito vaga, está ligada a uma estátua sinistra de um gato egípcio.
Dorian tem um romance com uma inocente e jovem cantora, chamada Sybil (Angela Lansbury, num dos seus primeiros papéis). É aconselhado pelo Lord Wotton e descarta-la, mas a vida de boémio de Dorian torna-se o escândalo de Londres, mas o seu rosto e as suas feições permanecem inalterados. Até quando?
Pelos padrões de hoje, o aspecto deste filme de terror é muito suave. A discussão sobre este assunto, infelizmente, viria a introduzir muitos spoilers. Mas, enquanto que o sangue e a carnificina dos "modernos" filmes de terror está ausente, ainda há muitos momentos arrepiantes. O comportamento de Dorian, com excepção de um crime impulsivo, nunca parece corresponder ao retrato, e à sua mente distorcida. Mas a moral, é clara, não é julgar as pessoas pela aparência. Dorian pode parecer jovem e inocente, mas ele não é. 
"The Picture of Dorian Gray" foi filmado a preto e branco, mas o retrato é mostrado a cores quando Dorian o vê. A fotografia de Harry Stradling ganhou um Óscar, e Angela Lansbury foi nomeada para melhor actriz secundária, mas não ganhou. O papel de Lord Wotton foi feito à medida para George Sanders, que se tornou especialista em papéis mais espirituosos e sinistros (All About Eve, Rebecca). A personagem de Sanders é um grande feito para a carreira do actor,  assim como a de Hurd Hatfield. Embora o papel de Hatfield exigisse pouco mais do que uma boa postura, ficaria para sempre associado a ele. Continuaria a aparecer em filmes nas décadas seguintes, quase sempre em papéis secundários.
 
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A Dança da Morte (Dead of Night) 1945

Walter Craig é convidado a visitar uma propriedade Britânica. Não conhece o proprietário, porém, a sua cara é-lhe familiar. Tal como o são os restantes convidados. Pouco a pouco, reconhece-as como as personagens que lhe aparecem recorrentemente num sonho que termina sempre num indescritivel terror. Tomando conhecimento de experiências sobrenaturais das outras pessoas, acabará por assassinar a pessoa que o está a tentar ajudar, fornecendo-lhe uma explicação ciêntifica para o sucedido.
"Dead of Night" é um filme de terror intrigante, de origem britânica. É composto por uma série de histórias de fantasmas que conduzem a um final único e inesperado, muito antes deste género entrar em voga naquele país. Cada um dos cinco segmentos, e a história principal, foram realizados por quatro realizadores diferentes, e cada história apoia a narrativa principal do dilema do pesadelo de Walter Craig.
Não foi o primeiro, mas "Dead of Night" tornou-se o principal exemplar das antologias de terror (também conhecidas como filmes multi-episódicos) - um trabalho que apresenta várias histórias independentes, geralmente unidas por uma narrativa de ligação. A influência de Dead of Night sobre os filmes da Amicus, durante os anos 1960, que fez uma série de antologias de terror começando por "Dr Terror’s House of Horrors" (1964), é inconfundível. "Dead of Night" é considerado um dos grandes clássicos do género, enquanto o segmento do boneco ventríloquo foi considerado um dos mais influentes, tendo sido imitado inúmeras vezes.
Seria o primeiro filme dos Ealing Studios no pós-guerra, e tinha na direcção alguns dos melhores realizadores que passaram por aqueles estúdios, como era o caso de Alberto Cavalcanti,  Charles Crichton, Basil Dearden e Robert Hamer.

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Ciclos de Fevereiro

Em primeira mão, fiquem a saber a programação do My Two Thousand Movies para o mês de Fevereiro.

2 de Fevereiro - As Estradas Sem Fim dos Anos Setenta


9 de Fevereiro - John Cassavetes


16 de Fevereiro - Jean-Pierre Melville



23 de Fevereiro - A New Wave do Cinema Checo