Os Jovens Leões (The Young Lions) 1958

The Young Lions conta-nos a história da 2ª Guerra Mundial de ambos os pontos de vista (americano e alemão). No início do filme, em 1937, o jovem alemão Christian Diestl (Brando), um instrutor de ski, sente-se atraído por uma jovem americana, mas esta retrai-se ao perceber que ele sinceramente acredita nas boas intenções de Hitler. Com a queda da França, em 1940, toda a Europa se curva ante o invasor nazi e Christian torna-se um oficial. Pelo lado americano, Michael Whiteacre (Dean Martin), uma estrela da Broadway, e o jovem judeu Noah Ackerman (Montgomery Clift) envolvem-se na luta, tornando-se amigos.
Edward Dmytryk faz um bom trabalho na adaptação do bestseller aclamado de longa duração de Irwin Shaw sobre a WWII para a tela, embora a narrativa seja um pouco desigual. Edward Anhalt escreve o argumento e o filme é rodado a preto-e-branco e em Scope.
Um filme que realmente coloca o caráter acima de tudo, esta obra examina três homens e os seus problemas comuns - com mais frequência com as mulheres - que os unem. Declarações ousadas sobre a abordagem e os motivos para a guerra dos indivíduos estão colocados em diálogos realistas e comoventes. Enquanto filme anti-guerra, é uma abordagem justa e equilibrada sobre o assunto que permite ver as coisas através dos olhos e das vidas dos personagens, e permite que o público faça a sua própria opinião sobre as coisas. Isto não quer dizer que seja um filme estritamente intelectual, mas a ação não é tão visceral como em muitos outros filmes de guerra. Talvez por causa do envolvimento do realizador com o HUAC, o filme foi ignorado em 1958 e caiu em relativa obscuridade, mas merece sempre ser redescoberto.
É contado que Clift ficou chateado por Brando ter interpretado um papel de Nazi pacifista, como ele ridicularizou os objetivos narcisistas e o método do ator. Neste filme, Clift desempenha intensamente o seu papel de forasteiro judeu angustiado preenchido com uma mistura de emoção e otimismo. Brando pode ter um sotaque alemão vistoso, mas é o desempenho sensível do Clift que traz maior profundidade do que o personagem de Brando. Dean Martin assume o seu primeiro papel sério depois de romper com o parceiro comediante Jerry Lewis.Alguns actores europeus faziam aqui a sua estreia em filmes americanos, como May Britt, Maximilian Schell, Dora Doll, Liliane Montevecch.

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A Árvore da Vida (Raintree County) 1957

O abolicionista John Wickliff Shawnessy afasta-se da sua namorada do colegio Nell Gaither e entra num caso de amor apaixonante com uma rica senhora de New chamada Susanna Drake, mas é levado a casar-se com ela quando esta falsamente lhe diz que está grávida. Mas mesmo depois de Susanna lhe dizer a verdade ele continua com ela por amor. John descobre que Suzana esconde um segredo obscuro que a leva à loucura. Esta loucura provoca Susanna a fugir para o sul durante a guerra civil levando o filho com ela. John sai de casa para se alistar no Exército do Norte como o único meio para encontrar Susanna.
Dirigido por Edward Dmytryk, com argumento de Millard Kaufman (Take a High Ground! (1953) e Bad Day at Black Rock (1955)), este filme sobre a era da guerra civil recebeu quatro nomeações ao Oscar, incluindo uma para Elizabeth Taylor como Melhor Atriz. O elenco também inclui Montgomery Clift, Eva Marie Saint, Nigel Patrick, Lee Marvin, Rod Taylor, Agnes Moorehead, Walter Abel, Tom Drake, Rhys Williams, e até mesmo DeForest Kelley (Dr. McCoy em Star Trek), entre outros. O filme é longo (quase três horas de duração), um pouco lento, e sofre não só do acidente de carro de Clift durante a rodagem do filme, que lhe provocou uma representação inibida, mas também de uma conclusão pouco satisfatória.
Schary Dory, chefe de produção da MGM, pensou que este best-seller de 1948, de Ross Lockridge Jr. seria a sua resposta para Gone With The Wind. O romance é um longo conto de divagação da vida de uma pequena cidade em Indiana, em meados do século 19. Logo depois do livro ser publicado Lockridge, aos 33 anos, suicidou-se, sofrendo de uma depressão. O argumento Millard Kaufman preocupava-se com as esperanças não cumpridas e os sonhos não realizados de um pequeno grupo de cidadãos comuns. Dmytryk dirigiu este épico romântico de grande orçamento que custou ao estúdio quase seis milhões de dólares (Gone With the Wind custou apenas cinco milhões, apesar de ter sido feito alguns anos antes). O filme vale sobretudo pelo seu guarda-roupa esplêndido e o uso de câmeras de 70 milímetros - apelidadas de "Câmera 65".
Só consegui o filme com legendas em inglês.

Parte 1
Parte 2 
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A Mão Esquerda de Deus (The Left Hand of God) 1955

"The Left Hand of God" é um drama extremamente peculiar, em parte devido à decisão do argumentista Alfred Hayes em se concentrar quase que exclusivamente em cenas de personagens, apesar do cenário da Revolução Chinesa marginal durante o final dos anos quarenta, e a névoa perceptível da tristeza circundante no seu elenco principal: era o antepenúltimo filme de Humphrey Bogart, e o canto do cisne da carreira de Gene Tierney, antes de travar uma luta com a doença mental que a manteve fora da tela durante sete anos. 
Um homem com vestes sacerdotais, aparentemente o tão esperado Father O'Shea, chega a uma missão católica pouco frequentada, na China de 1947. Embora o homem pareça curiosamente desconfortável com os seus deveres sacerdotais, as suas tácticas duras são muito bem sucedidas nas Sete Aldeias, enquanto à volta deles a China se desintegra numa guerra civil e numa revolução. Mas ele tem um segredo, e a sua amizade com a enfermeira da missão Anne (uma viúva bastante atraente) parece estar a tomar um rumo pouco vulgar...
Uma produção menor do que outros filmes de estúdio "asiáticos" do período - como " Inn of the Sixth Happiness (1958)" do produtor Buddy Adler,  ou Love is a Many-Splendored Thing (1955) - a maioria dos cenários são compactos, levando a suspeitar que o filme nunca foi feito para ser mais do que uma obra de nível médio, num filme interpretado por duas estrelas de Hollywood em decadência: Humphrey Bogart e Gene Tierney. "Left Hand of God" poderia facilmente funcionar como uma peça de teatro, mas Dmytryk e o diretor de fotografia Franz Planer (20.000 Léguas Submarinas) quiseram investir cuidadosamente na organização de planos para manter a intimidade das personagens, apesar do scope largo.
Algumas sequências de flashback quebram com as cenas de interiores, e a viagem de Jim para uma missão protestante nas proximidades também introduz uma nova ameaça - a exposição e a vingança da igreja - mas Jim descarrega toda a tensão ao admitir que ele é um impostor para o reverendo Marvin (personagem do veterano actor Robert Burton). É mais uma volta estranha na adaptação do romance de William Barrett Hayes, mas faz sentido em termos de manter o drama focado em Jim, e mantendo o foco da trama num  eventual confronto entre ele e Yang (Lee J. Cobb).

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O Fim da Aventura (The End of the Affair) 1955

Recentemente libertado do contrato com a MGM, Van Johnson partiu para Inglaterra para interpretar uma série de filmes, o primeiro dos quais foi este "The End of the Affair", realizado por Edward Dmytryk, que também foi dividindo uma carreira entre os Estados Unidos e Inglaterra. Adaptado por Coffee Lenore do romance de Graham Greene, o filme lança Van Johnson como Maurice Bendrix, o amante clandestino da casada Sarah Miles (Deborah Kerr). Quando Maurice desaparece durante a blitz de Londres, Sarah sente-se responsável, talvez se ela não tivesse traído o marido Henry (Peter Cushing), Maurice poderia nunca ter sido colocado em perigo. Ela reza, prometendo voltar para o marido e desistir de Maurice se a vida do seu amante for poupada.
Basicamente este é um filme sobre um triângulo amoroso, um marido, uma mulher, e o homem que se coloca entre eles. Aparentemente, Sarah não encontra muita emoção na sua vida, porque quando o escritor americano Maurice Bendrix (Van Johnson) aparece, ela permite que a sua atração para se mova rapidamente para o adultério. Os dois tornam-se apaixonados rapidamente, mas a culpa, o ciúme, a paixão, a raiva e a suspeita, ameaçam esta relação.O filme é dirigido com uma mão segura por Edward Dmytryk e dá-nos um olhar impressionantemente realista do tempo de guerra em Londres. O seu olho para a câmera é impecável, embora sentimos que o seu método de desvanecimento do preto entre as cenas pareça um pouco datado agora. Os cenários e os exteriores, e os efeitos especiais dos bombardeamentos nazis eram muito realistas, especialmente para o período de tempo em que o filme foi feito. Os cenários não são afectados pelo tempo e pela tecnologia, e são ricamente decorados e texturizados. Ainda mais impressionante foi a escrita e interpretações dos três personagens principais. Um destaque ainda para a interpretação de John Mills, no papel de um detective.
Em 1999 saíu um remake, realizado por Neil Jordan.

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A Lança Quebrada (Broken Lance) 1954

Quase imediatamente Broken Lance impressiona com os seus frames em CinemaScope (foi um dos primeiros westerns a serem filmados com este processo). O filme abre com Robert Wagner a saír da prisão depois de lá ter passado três anos. A cena seguinte conta a mesma história, com Wagner a parecer diminuido e inconsequente ao entrar no prédio que abriga os negócios dos seus irmãos. Os três são guiados pelo mais velho, Richard Widmark, que faz a Wagner uma proposta de negócio - uma oferta para expandir a empresa familiar através da criação de um rancho no Oregon. Agora está em ruínas e abandonado, quase gótico na sua aparência e ainda tem o retrato do falecido patriarca da familia, que reconhecemos logo ser Spencer Tracy. Claro que não poderiamos ter um filme em que Tracy estaria morto, e assim, através de flashbacks, vamos sabendo do conflito familiar que levou à situação atual de Wagner, incluindo como ele foi parar à cadeia.
Broken Lance foi a primeira incursão de Dmytryk no western, portanto, uma ligeira mudança da norma pode não ter saído o esperado, mas a julgar pela carreira anterior - aquele em que ele fez uma série de fantásticos thrillers incluindo Farewell, My Lovely, Crossfire e The Sniper - teríamos imaginado em algo um pouco mais tenso do que realmente acontece. Claro, o western é uma forma altamente maleável e que pode facilmente acomodar as mudanças - e, como tal, não há nada de errado com um western melodramático.
O magnata de carne e cabelos brancos é Spencer Tracy. É um homem duro, que é cruel só porque teve de competir com homens cruéis por natureza. Ama o seu gado, as terras, os rios em que prosperaram porque derramou lá muito sangue, suor e amor. É apaixonadamente dedicado à sua "Señora" e ao filho mestiço, apesar das carrancas de uma de uma cidade da fronteira. Não tem uma boa relação com os filhos mais velhos, e a sua "Señora", por sua vez, é uma imagem da beleza nativa e muita dignidade como interpretada pela actriz mexicana Katy Jurado. Ela é modesta, mas desesperadamente ansiosa para agarrar o clã que ela ama. 
Apesar de dois dos filhos mais velhos serem apenas figuras dimensionais, a Richard Widmark, o mais velho, é dada a oportunidade de retratar uma personagem mais complexa. E, numa cena com o pai incapacitado, ele tira cá para fora todo o seu ódio. 
Robert Wagner, como o filho mestiço a quem todo o carinho dos pais é dado, é simplesmente um bem-parecido, mas estranhamente juvenil "vaquero" dada a sua postura mal-humorada. Jean Peters, como a filha do governador, por quem ele se apaixona, é uma personagem mais decorativa.

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Os Revoltados do Caine (The Caine Mutiny) 1954

The Caine Mutiny é várias coisas no mesmo filme. É um filme de guerra, um drama de tribunal, alegoria política, e a hora de ouro para muitos dos heróis do estúdio de Hollywood. Produzido por Stanley Kramer e dirigido por Edward Dmytryk, a partir de um romance vencedor do Pulitzer por Herman Wouk (The Winds of War), The Caine Mutiny. 

Durante a Segunda Guerra Mundial, a bordo de um pequeno e insignificante navio da Frota do Pacífico dos EUA, ocorre um evento diferente de qualquer outro que Marinha dos Estados Unidos já passou. O capitão do navio é removido do seu comando pelo Diretor Executivo, num aparente acto de motim. Como o julgamento dos amotinados a desdobrar-se, sabe-se então que o capitão do navio era mentalmente instável, talvez até mesmo insano. A Marinha deve então decidir: se o Caine Mutiny foi um acto criminoso ou um acto de coragem para salvar um navio da destruição nas mãos do seu capitão.

A intriga ocupa os dois primeiros actos de The Caine Mutiny, e é tão fascinante como qualquer filme de guerra, mesmo sem a presença constante de armas em punho. Entre os dissidentes, Van Johnson e Fred MacMurray trabalham bem juntos. Maryk (Van Johnson) tem um consciente sentido do dever e da honra e ir contra Queeg (interpretado por Bogart) é uma decisão difícil, que só toma quando sente que não tem outra escolha. Keefer (MacMurray), por outro lado, não parece acreditar em muita coisa. As instituições são vazias e os homens são feitos de palha - incluindo ele próprio. MacMurray desempenha o cinismo, mas não sem emprestar ao desempenho da personagem toda a sua dúvida e o ódio. Tal como Keith (Robert Francis) se divide entre os dois, interpretando aquele que é, essencialmente, o papel central de The Caine Mutiny. Felizmente, que todo o material do filme ofusca o actor o suficiente para que Francis não arraste o filme para baixo.

Mas são outros actores que fogem com o filme. Um deles, é claro, é Bogart. Enquanto o seu papel como o obcecado Dobbs em Treasure of the Sierra Madre serve como uma espécie de protótipo para Queeg, Bogart dá um verdadeiro festival como o capitão do navio. Já suspeitavamos que Dobbs era um personagem fraco de vontade e ganancioso, mas Queeg não é assim tão óbvio na sua psicose. O capitão foi um grande homem, que foi deitado abaixo pela guerra, mas vai permanecendo no comando. Quando ele, finalmente, quebra, Bogart torna-se doloroso. O ator é sensível à doença do seu personagem, e tem uma das melhores performances do grande ícone.

A outra interpretação memorável em The Caine Mutiny vem de José Ferrer, que interpreta o tenente Barney Greenwald, o advogado que defende Maryk contra as acusações de motim. O acto final do filme é a audiência da corte marcial. Greenwald está relutante em levar o caso para a frente, mas uma vez que ele é convencido a levar o caso, fará de tudo para tentar expor a verdade. 

Na altura do seu lançamento, em 1954, The Caine Mutiny foi um grande sucesso. Em retrospectiva, a nossa leitura do filme pode abranger significados agregados, relacionados com o clima político da época. Stanley Kramer era um produtor liberal famoso, e é provável que tenha visto alguma relação entre Queeg e o senador Joseph McCarthy, o capitão paranóico que lutava para manter o poder de um retrato contundente do líder da caça às bruxas comunistas da América. Por outro lado, Edward Dmytryk, que dirigiu filmes tão progressistas como "Crossfire" e "Christ in Concrete", fazia parte dos 10 de Hollywood originais, antes de ter decidido tornar-se uma testemunha amigável e cooperar com HUAC. Podemos especular que talvez ele visse um pouco dele próprio em Maryk, um homem que fez o que achava que tinha de fazer, e para o bem ou para o mal, se viu a ter de explicar as suas escolhas. Maryk foi contra o sistema, interrompeu a ordem das coisas, e houve consequências para ele.

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O Malabarista (The Juggler) 1953

Se a premissa de Edward Dmytryk em "The Juggler" - Kirk Douglas é um judeu alemão, um ex-artista famoso, que agora se muda para o país recém-criado de Israel depois de sobreviver à II Guerra Mundial - soa a um pouco duvidoso, a sua execução é, na maior parte cuidadosamente manuseada e cuidada para evitar ser exagerada. Isso não quer dizer que o filme não seja um produto de estúdio do seu tempo, é executado muito rápidamente e solto em relação aos seus temas históricos e políticos, com todos os requisitos básicos da narrativa (conflito, redenção, história de amor) e uma realização bem clara da muito profunda ou prolongada reflexão sobre os eventos espinhosos que parecem quase incidentalmente a aumentar (o Holocausto e a formação de Israel , dois eventos que muitas vezes provocaram reflexão).
O filme abre com uma sequência de refugiados - os judeus europeus que sobreviveram à II Guerra Mundial - chegam, em 1949, à sua Terra Prometida, o estado recém-criado de Israel. Entre eles está Hans Muller (Douglas), um ex-palhaço/malabarista/entertainer conturbado e amado como estrela do palco europeu, que perdeu a sua esposa e filhos na guerra, e cujo pulso carrega a tatuagem numérica horrenda com o qual os Nazis foram consignando muitos dos seus companheiros seres humanos à condição de anónimos, gado descartável para abate. Muller, depois de ter sido levado para um campo de refugiados com o seu amigo Willy (Oskar Karlweis) e lhe perguntaram quais eram as suas habilidades, questionou onde poderia haver lugar para um malabarista numa nação lutando para se estabelecer, onde noções básicas como comida, e eletricidade eram preocupações mais urgentes do que a cultura. Willy está menos preocupado com a incapacidade de se empregar do que Hans, que está claramente mentalmente perturbado (manifestado em comportamentos como a recusa em ir abaixo do convés do barco para Israel, e a insistência nas lágrimas de uma mulher que ele vislumbra na chegada, que ela é a sua esposa morta , e os seus filhos são os seus filhos mortos) tem um psicólogo, um encontro que revela o conflito central do filme: Hans, como qualquer perseguido sob o regime nazi, teve a sua vida e a mente danificada pela experiência e sofre com o que hoje caracterizamos como transtorno de stress pós-traumático e culpa a sobrevivência, mas ele é orgulhoso e defensivo, incapaz de admitir que está perturbado e precisa de ajuda.
Para a mente de Hans, não pode haver tal coisa como uma casa onde ele possa se sentir seguro e protegido, e todas as figuras de autoridade, incluindo o médico e policias israelitas, são latentes "nazis". A sua instabilidade mental sem solução compromete a liberdade, quando, depois de fugir do campo de Haifa, a fim de evitar mais sondagens psicológicas, ele sente-se encurralado por um policia que violentamente ataca. Acreditando que matou o policia, foge, tornando-se objecto de uma perseguição a nível nacional, com direito a foto nos jornais, como sendo um criminoso procurado.
Dmytryk e o director de fotografia J. Roy Hunt (que também trabalhou com Dmytryk em Crossfire de 1947, e também com Jacques Tourneur no grande "I Walked With a Zombie") fotografou The Juggler em exteriores, nos arredores de Haifa, Israel, e os melodramas da história, em vez de entrarem em conflito com o meio ambiente "autêntico", na verdade são bem integrados e complementados pelos exteriores reais, que têm toda a riqueza - especialmente nas cenas com as belíssimas paisagens e contrastes de luz e sombra - do célebre "glorioso preto e branco" de apogeu do estúdio de cinema. As habilidades de Dmytryk como realizador de suspense são facilmente visíveis na cena de perseguição através de Haifa.
  
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The Sniper (The Sniper) 1952

"The Sniper" é um dos primeiros exemplos de Hollywood a levar facadas no tipo de análise criminal/psicológica que é, hoje, um elemento comum da ficção-crime. Na altura, em 1952, o olhar vazio deste filme sobre a disfunção psicossexual de um assassino, deve ter sido estimulante e realista, mesmo que hoje a sua psicologia pareça tensa e a sua análise sobre o assunto seja superficial. O filme centra-se em Eddie Miller (Arthur Franz), um homem com alguns problemas sérios sobre as mulheres. O texto de abertura do filme tem uma mensagem sobre criminosos sexuais, e de facto a doença de Miller é explicitamente comparada, dentro do filme, para com os violadores e outros predadores e pervertidos sexuais. Com este panorama estabelecido, as imagens de Miller a montar uma sniper na abertura adquire imediatamente um contexto sexual, e o uso desta arma para assassinar as mulheres torna-se uma forma de violação simbólica de um homem perturbado  a uma distância que tem medo delas, que simultaneamente, quere-as e detesta-as. Durante o primeiro crime de Miller, o realizador Edward Dmytryk, numa das cenas mais chocantes do filme, amplia para um close-up das mãos de Miller, acariciando o cano da sua sniper, passando as mãos em volta da arma puxando-a para cima e para baixo em todo o seu comprimento. O significado sexual dos crimes, no sentido de que Miller está a livrar-se destas mulheres da única maneira que sabe, não poderia ser mais flagrante.
Dmytryk faz um excelente trabalho a encenar os crimes, onde institui a sensação arrepiante de que Miller está à espreita nas sombras, observando e esperando. A primeira vítima é a pianista Jean (Marie Windsor), uma mulher que Miller conhece como uma das suas clientes do seu trabalho na lavandaria, a entregar roupa. Quando Miller visita o apartamento de Jean no início do filme para lhe deixar um vestido, os dois envolvem-se inocentemente - ou melhor, Jean envolve-se com ele, sem suspeitar quem ele é na verdade. Mas Miller é um homem muito perturbado, e é óbvio que se sente atraído por Jean, e ao mesmo tempo se sente incomodado de cada vez que ela deixa caír uma pista sobre o seu estilo de vida como pianista de um clube noturno. Windsor traz com ela apenas um toque da sua habitual persona de femme fatale, algum cansanço, e há um tom de dureza noir nesta mulher, de outra modo, normal. Ela faz apenas algumas cenas, e Windsor, como é normal, fá-las valer a pena, tornando esta mulher memorável para que a sua morte repentina, simbolizando Miller com uma matança por toda a cidade, seja ainda mais comovente. 
As cenas da perseguição de Miller a Jean, seguindo-a pelas ruas sombrias até ao clube e, de seguida, montando a sniper num telhado próximo, são interrompidas por uma breve cena no interior do bar, onde Jean afasta um admirador bêbado e discute com o dono do clube . A justaposição subtilmente liga o bêbado, com o seu comportamento cada vez mais antagónico, ao assassino que espera lá fora, que nutre a sua própria hostilidade ainda mais violenta em relação às mulheres. O que é interessante sobre o filme, especialmente para a sua época, é como ele claramente traz o tema das atitudes sobre as mulheres à superfície. Parece que praticamente todos os sitios para onde Miller vai, encontra alguém que tem algo a dizer sobre as mulheres, e geralmente algo negativo ou estereotipado. Um médico diz a Miller que ele deveria se casar, que cozinhar é trabalho para as mulheres, e a senhoria de Miller diz-lhe praticamente o oposto, que os homens devem aprender a cozinhar tão bem como as mulheres.
Mais tarde, Miller vai a uma feira e solta toda a sua hostilidade num jogo onde o objetivo é atirar uma bola a um alvo para abater uma mulher para um tanque de água. Miller torna-se cada vez mais furioso e violento, derrubando a mulher na água vez após vez, mas o que é notável é que ele é realmente apanha o espírito do jogo, que parece basear-se inteiramente neste tipo de hostilidade. O filme não questiona exactamente e explicitamente este tipo de atitudes, mas elas certamente que vêm borbulhar para a superfície, muitas vezes de forma terrivel. Há uma desconexão estranha, por exemplo, entre a atitude do assassino em relação às mulheres e o tom de brincadeira de uma cena em que um policia provoca o seu parceiro mais velho sobre a vida de casados. Da mesma forma, uma cena em que a polícia questiona uma linha de criminosos sexuais, tentando descobrir se um deles é o atirador, é francamente bizarro, como o interrogador adopta um tom abertamente cómico.
Se o filme nunca resolve estas tensões, é pelo menos óbvio que o tratamento das mulheres, e as atitudes dos homens sobre as mulheres, estão no centro desta história. Uma leve linha é feita entre as idéias comuns sobre as mulheres e as acções extremas de Miller. Menos interessante é a tendência do filme para a psicanálise e discursos de pregador, que se tornam mais comuns na segunda metade do filme. No seu melhor, especialmente na primeira metade, The Sniper é um thriller psicológico tenso, tão tenso que coloca o público na intimidade desconfortável do assassino disfuncional. Na segunda metade do filme, no entanto, a ênfase começa a afastar-se de Miller e concentra-se na captura do assassino, incluindo o tenente Kafka (Adolphe Menjou) e o psicólogo da policia Kent (Richard Kiley). Kent está propenso a longos discursos sobre como os criminosos sexuais devem ser tratados e comprometidos com instituições para doentes mentais, uma expressão inicial de uma ideia, agora codificadas para o nosso sistema de justiça, até certo ponto, que o crime sexual deve ser tratado de forma diferente de outros tipos de crime.
No fim, The Sniper é um filme interessante que deve ser creditado por tentar explorar o crime sexual de um modo ousada e direta. As suas idéias sobre desvios sexuais e da dinâmica das relações de género pode parecer datado hoje, mas nada pode tirar o terror arrepiante de suas sequências de assassinato. E nada pode aliviar a força da sua cena final assombrosa, um zoom lento em direcção ao rosto de Miller, com uma única lágrima a escorrer pelo seu rosto.  
Legendas em inglês. 

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No Último Minuto (Obsession) 1949

Um terrífico pequeno film noir sobre um marido ciúmento e doentio, interpretado por Robert Newton, que descobre que a sua adorável esposa anda a enganá-lo com outro homem. Newton abate o homem e leva-o para um abrigo nuclear abandonado onde ele acaba por o trancar numa sala. Lá, então, acorrenta-o na parede, e faz com que a corrente seja suficiente para que ele possa apenas andar pela sala e seja capaz de chegar à casa de banho, mas só isso. Todos os dias, Robert Newton, que interpreta um médico neste filme, traz uma lata de ácido para esta sala, onde ele pretende eventualmente assassinar o homem.
Newton tem uma grande representação muito James Mason-esque, com uma acentuação muito britânica(o filme é feito no UK), sobre um conto de obsessão e vingança. Embora o filme não faça passar muitas emoções, tem uma atmosfera bastante sombria e opressiva, na prisão secreta da Riordan (Newton). Tudo isto torna-se uma batalha de inteligência, muito na linha do Dial M for Murder, enquanto ele tenta realizar e encobrir o seu plano, enquanto o prisioneiro Bill (Phil Brown) tenta acabar com a sua determinação, e a sua esposa e o policia Finsbury tentam descobrir o que se passa. Naunton Wayne - mais conhecido pelo "Caldicott" de "The Lady Vanishes" e alguns filmes posteriores - é altamente agradável como detetive, muito irónico e com muito do estilo do detective Colombo. Brown, infelizmente, não tem muito para fazer, mas faz muito bem as suas poucas cenas, especialmente o confronto inicial.
Este filme noir é prova de que não é preciso violência para criar tensão. Na verdade, ela está implícita, e é a violência que constrói o suspense. O filme foi feito numa altura em que Dmytryk já fazia parte da lista dos 10 de Hollywood, e se tinha refugiado em Inglaterra.
Filme raro, legendas em espanhol.

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Encruzilhada (Crossfire) 1947

Crossfire é um noir fascinante com uma mensagem que foi típica na era pós Segunda Guerra Mundial, lentamente crescente por debaixo de uma superfície de mistério. No início, o filme parece ser apenas mais uma obra impressionante de suspense, filmado sobre um assassinio e violência, abrindo com uma sequência brutal encenada no meio da escuridão, como vários homens a lutarem, com as suas sombras projetadas nas paredes até que um deles é atirado ao chão, derrubando uma lâmpada, deixando a tela momentaneamente completamente escura. Depois da queda, um dos homens acende a luz, verifica o corpo no chão, e sai com outro homem, tudo isto no meio da escuridão, com apenas as metades inferiores dos corpos visíveis, o resto obscurecido pelas sombras. É uma introdução intensa, rápida e brutal, a iluminação gritante aumentando a sensação de ameaça e a brutalidade neste assassinato anónimo. O resto do filme segue a investigação deste crime, pois o que inicialmente parece ser o resultado infeliz de ums discussão normal acaba por se tornar algo muito mais brutal, libertando os impulsos mais feios.
A investigação, conduzida com precisão e muita calma pelo capitão da polícia Finlay (Robert Young), gira em torno de um grupo de soldados que estavam com o homem assassinado, Samuels (Sam Levene), antes da sua morte. Os três soldados - Mitchell (George Cooper), Montgomery (Robert Ryan) e Floyd (Steve Brodie) - que tinham estado com Samuels num bar e regressado para o quarto com ele, mas naquela altura as várias histórias divergem, deixando pouco claro quem matou o homem. Mitchell parece ser o bode expiatório mais provável, mas o seu amigo Keeley (Robert Mitchum) pensa o contrário e começa a investigar as coisas por ele mesmo. O filme emprega uma estrutura do estilo Citizen Kane com pessoas diferentes, preenchendo os espaços em branco na noite do crime, mas o dispositivo é vestigial, como fica claro relativamente cedo o que realmente está a acontecer aqui. 
No início, alguns indícios são descartados no diálogo, sugerindo algo além de uma típica briga de bêbados e, eventualmente, dispensa o filme com a estrutura de flashback inteiramente, e revela quem era o assassino, bem antes do clímax. O motivo para este abandono do mistério central do filme é que o realizador Edward Dmytryk, trabalhando com um argumento adaptado por John Paxton a partir de um romance de Richard Brooks, procura algo muito mais profundo do que um mistério "whodunnit". O filme alterna a meio do mistério noir num tratado apaixonado contra o preconceito e a intolerância, contra o tipo de ódio que, como diz Finlay, "é como uma arma carregada", pronta a disparar a qualquer momento. A fonte do romance do filme era sobre o preconceito anti-homossexual, mas a mensagem é traduzida para o anti-semitismo de Hollywood, também porque qualquer menção explícita sobre a homossexualidade ainda era impossível no cinema da altura, e por causa de ser um filme sobre o fanatismo anti-judaico seria sem dúvida ainda mais relevante nos anos do após a guerra, como os horrores dos campos de extermínio a tornarem-se do conhecimento público.
Crossfire é o raro típico filme que sobrevive ao tempo para manter o seu poder na era moderna. As situações que retrata continuam a ser actuais, o firme exame directo ao ódio irracional - seja racial, étnico ou sexual - torna-o um filme importante. Pela primeira vez, as sombras do noir não são apenas para esconder uma outra história de damas más ou homens gananciosos. Em vez disso, o que se esconde nas sombras é tanto mais familiar ou assustador: o ódio de um homem só por causa do modo como ele nasceu, a violência incubadas nos sentimentos do preconceito e da parcialidade, as sementes do genocídio plantadas nas mentes de pessoas aparentemente vulgares que carregam o seu ódio como armas carregadas.

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