O Criado (The Servant) 1963

Tony (James Fox) é um jovem rico da classe alta. Depois de comprar uma grande casa em Chelsea, em que, eventualmente, irá viver com a sua futura esposa, Susan (Wendy Craig), ele contrata um homem deferente chamado Barrett (Dick Bogarde) para ser o seu criado. Tony está bem satisfeito com as suas compras, batizando esta última como um "tesouro". Tudo isto parece bom demais para ser verdade, e é. Depressa começa a verificar que esta não será uma relação mestre-servo convencional. Ao longo do filme vemos uma gradual mudança de poder entre Tony e Barrett como o patrão a caír cada vez mais sob o feitiço do criado.
"The Servant", de Joseph Losey é um magistral jogo de gato e rato entre dois personagens - um mordomo e o seu patrão - que é frequentemente escolhido como um dos grandes filmes britânicos de todos os tempos. Com argumento escrito pelo incomparável Harold Pinter, o filme passa-se quase inteiramente dentro da casa, e Losey faz um belo uso de fundo, a fotografia angular a preto-e-branco, e especialmente os espelhos. Dirk Bogarde, com quem Losey trabalhou cinco vezes, rouba o filme no papel de Barrett, o servo, enquanto James Fox interpreta o infeliz patrão.
O filme tem um ar decadente que explora uma relação humana com fortes indícios de homossexualidade. Enquanto Barrett lentamente se insinua em casa e manipula o mestre reorganizando a decoração, é através do sexo (na forma da sua sedutora e sexualmente permissiva "irmã", Vera (Sarah Miles)) que ele finalmente consegue fazer a queda de Tony. O calculismo de Vera, em contraste com  a raça de Susan (Wendy Craig), atravessam as barreiras da classe e trazem Tony até ao mesmo nível que o seu criado. Logo as fronteiras entre senhor e servo quebram, com Tony a sucumbir à vontade do seu adversário mais forte.

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These Are the Damned (These Are the Damned) 1963

Simon (Macdonald Carey) é um americano de férias em Inglaterra. Apaixona-se por uma jovem chamada Joan (Shirley Ann Field), para a ira do seu irmão, chamado King, e membro de um gang (Oliver Reed). Quando acidentalmente tropeçam numa instalação militar ultra-secreta, as suas vidas são alteradas para sempre ...
O argumento foi adaptado de um romance chamado The Children of Light, de HL Lawrence. Passou por uma série de mãos diferentes antes de vir parar a Joseph Losey, que viu nele uma hipótese de fazer uma declaração pessoal. O realizador insistiu numa revisão completa do argumento e contribuiu muito para escrever a versão final (sem créditos), mas o seu compromisso é um testemunho do que pode acontecer quando um artista talentoso mergulha num projeto que teve origem antes dele estar envolvido no mesmo . O filme pode-se dividir em quatro partes como raiva, hipócrisia, moralismo e trágicidade. Vai ao fundo na psique dos seus personagens centrais, e estabelece o tom que viria a ser concretizado nos mais célebres filmes do realizador, que depois trabalhou com o argumentista Harold Pinter em The Servant (1963), Acident (1967) e The Go-Between (1971). Superficialmente, pode parecer um filme de série B de ficção científica - certamente que Losey estava propenso a apresentá-lo como tal, disse-o em entrevistas posteriores -, mas como muitos dos filmes do realizador, há muito mais do que inicialmente possa aparentar.
"These Are the Damned" foi feito para a Hammer Studios em 1961 e lançado nos Estados Unidos em 1963, numa versão ligeiramente diferente, muito mais próxima do espírito da empresa e mais ligada aos filmes dos anos 50, como "X - The Unknown" (do qual Losey foi despedido quando a estrela da direita Dean Jagger entrou no porojecto, por não querer submeter-se à direção de um "comunista"), bem como ao maravilhoso "Quatermass" com Brian Donlevy. Apesar disso, "These Are the Damned" ainda é um filme tão improvável como imagem da Hammer e, ainda mais distante dos filmes de terror deliciosamente exagerados da década de 60 e 70 interpretados por Christopher Lee e Peter Cushing. Na verdade, esta quase obra-prima de Losey vai mais longe do que a maioria dos filmes da produtora, e, francamente, do que a maioria dos filmes de ficção científica dos anos 50 e 60, parecendo estar mais em sintonia com os primórdios da New Wave britânica do que qualquer dos seus homólogos do género fantástico.
O elenco mistura actores conhecidos de trabalhos anteriores de Losey com rostos familiares para fãs do cinema britânico da época. Macdonald Carey foi  protagonista de filmes seus em Hollywood, e foi criticado por ser escolhido para o papel de Simon. Mas é perfeito para o papel, e traz uma intensidade apaixonante, dada a presença geralmente passiva que tinha transportado em outros filmes. Carey tinha trabalhado com Losey em Lawless (1950), e nunca mais iria aparecer noutro filme da Hammer - faz sentido, portanto, a teoria de que foi escolhido pelo realizador. Simon tem algo de solitário, um andarilho. A sua disposição é afectada por uma crescente cinismo, mas ele também é capaz de transmitir emoções verdadeiras. Quando ele se apaixona por Joan seria fácil considerá-lo como um homem velho e sujo, mas visto ser como um último acto de desespero, faz todo o sentido. Joan representa a sua última tentativa de estabelecer uma relação romantica normal. Shirley Ann Field (Peeping Tom) tem sido muitas vezes criticada pelo seu trabalho neste filme, e não há dúvida de que ela é elo mais fraco - mas melhora à medida que o filme se desenvolve e está está bastante bem na ultima parte. Oliver Reed estava no início de uma carreira promissora quando apareceu aqui, e nesta fase entrou em várias obras da Hammer; e, juntamente com "Curse of the Werewolf" (1960), foi o único filme em que realmente foi aproveitado todo o seu potencial, comparados favoravelmente com o seu trabalho posterior, nos filmes de Ken Russell.
These Are the Damned é um filme difícil - que leva alguns minutos para a sua paixão e intensidade realmente vir à superfície. Como tantos outros filmes de Losey, é, em última análise, sobre muito mais do que realmente é mostrado no argumento. Tem sido sugerido que o filme deixou marcas na obra de Stanley Kubrick, que mais tarde realizou Laranja Mecânica (1971) com elementos influenciados por These Are the Damned. Isso nota-se nos primeiros minutos.
Não havia legendas em português, por isso podem encontrar, em anexo, espanhol e inglês.

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Prisão Maior (The Criminal) 1960

Johnny Bannion (Stanley Baker) vai ser libertado da prisão no dia seguinte. Ele essencialmente domina uma ala da prisão e quando um prisioneiro de uma ala rival é posto no seu território, não demora muito até que o homem leve uma sova brutal nas mãos de um dos companheiros de prisão de Bannion. O governador da prisão quer Bannion fora, no entanto, quando regressa a casa para se encontrar com o seu antigo gang já têm outro trabalho em mãos pronto a ser executado. As coisas complicam-se quando ele se apaixona por uma jovem mulher bastante insistente, chamada Suzanne. Executam o trabalho, e decidem esconder o dinheiro num campo, mas o assalto não correu bem, e Bannion é novamente preso, ficando a ser o único que sabe onde o dinheiro está escondido.
O argumentista Alun Owen fornece este thriller policial com um enredo tenso e inflexível. Na Inglaterra, o filme sobre o mundo do crime tinha-se tornado recentemente popular, como a ascensão do cinema realista social, voltando a tradição e mostrando a acção do lado dos criminosos e não da lei. Owen vai um passo mais à frente e coloca o foco da acção inteiramente sobre os criminosos, e no playboy Johnny Bannion, que está muito longe das habituais personagens da classe trabalhadora. A maioria dos filmes giravam em torno da emoção do grande "trabalho", do planeamento e rescaldo do assalto, mas o argumento de Owen tem uma visão diferente, como o roubo em si é uma coisa menor no meio do filme, concentrando-se nas personagens, na vida da prisão e na forma como o submundo funciona. 
Embora o boom do crime realista da década de 1960 extrapolasse os limites do cinema, "The Criminal" é muitas vezes apontado como o mais brutal desta era, que é uma reputação que merece. As cenas na prisão, de tentar mostrar uma visão completamente desromantizada da vida atrás das grades, onde os homens podem ser espancados sem nenhuma razão, onde os prisioneiros parecem ter mais poder do que os guardas e onde o governador da prisão não tem o poder de intervir, apenas tem de seguir o que os criminosos dizem. O submundo, não é como a grande família dos filmes de máfia, mas uma hierarquia perigosa com todos a tentarem superar-se uns aos outros, para conseguirem o que querem. A caracterização é excepcionalmente forte, Owen garante que não saibamos tudo sobre os personagens principais, mas oferece-nos um monte de detalhes interessantes também sobre a periferia.
Joseph Losey pode ter sido expulso do seu país de origem pelos anti-comunistas, mas ainda bem que encontrou uma boa casa no Reino Unido. Cada quadro de filmagens deste filme a preto e branco parece soberbo. Ao contrário de alguns dos seus outros trabalhos, particularmente as colaborações com Harold Pinter, este é um filme muito mais "para a frente" sem a surrealidade que marcou obras como The Servant (1963), incluindo algumas cenas pouco ortodoxos. De acordo com o argumento, Losey não tem medo de se focar na violência, onde qualquer outro filme poderia ter sido cortado. Uma banda sonora assombrosa é muito bem usada para enfatizar a tristeza e o desespero que atravessa o filme.
Stanley Baker tinha construído a sua carreira na década de 1950 e foi rompendo como uma das maiores estrelas do cinema britânico em 1960. O papel principal aqui é perfeito. Destaque também para o papel de Sam Wanamaker.

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O Cúmplice das Sombras (The Prowler) 1951

Na altura em que estava a fazer "The Prowler", o realizador Joseph Losey começou a ter problemas com o senador Joseph McCarthy e a House Un-American Activities Committee. Ele preferiu ir para o exílio em Inglaterra, onde trabalhou o resto da sua carreira, alguns desses filmes britânicos - como o "The Servant (1963) são hoje altamente aclamados e muito amados, mas este noir escabroso não parece ter o mesmo tipo de amor. (o produtor Sam Spiegel assinou "SP Eagle", como fez com outros filmes dos quais queria manter-se à distância, e aos quais não queria estar ligado).
Mas "The Prowler" é uma obra-prima baixa e suja, contando uma história não muito diferente de "Double Indemnity" (1944) ou "The Postman Always Rings Twice" (1946), com algumas personagens realmente desprezíveis. Mas, mais do que um olhar superficial, revela algumas idéias brilhantes e temas que o destacam mais do que algumas das suas partes "sujas".
Van Heflin interpreta como Webb Garwood, um policia que já foi jogador de basquetebol, que se queixa que já foi muito mal tratado na polícia, mas não é difícil de perceber que foi Webb quem fez a sua própria cama. As sobrancelhas largas de Heflin nunca foram melhor usadas, com a sua interpretação de canalha do primeiro ao último frame. A sua co-estrela é Evelyn Keyes, que interpreta Susan, uma dona de casa bem parecida que vem de uma boa família para se casar com uma família rica. Infelizmente, o marido - um locutor de rádio - não lhe pode dar filhos, e ela está aborrecida. 
Webb e o seu alegre parceiro, Bud (John Maxwell), investigam um roubo na propriedade de Susan, e Webb fica fascinado por ela. Em breve eles começam um caso. Susan não é a típica vítima do film noir. Nada é preto-e-branco para ela, excepto quando se trata do certo e errado. Não demora muito para que Webb assassine o seu marido, mas apesar do planeamento cuidadoso e uma encenação sagaz, há um pequeno pormenor que ele ignorou.
The Prowler é um noir rico e idiossincrático que explora os temas típicos do noir - a ganância, a violência, ambição - de formas pouco comuns. O verdadeiro ladrão(prowler) da abertura, ao que parece, é acidental para a história. O ladrão real, a fluência real, é o estranho que tão desesperadamente quer o que só pode olhar de longe, o tipo que espreita na escuridão, olhando e desejando mas separado do que vê por barreiras aparentemente intransponíveis. O voyeurismo de Webb é uma questão de classe, principalmente, quando ele olha para a riqueza e o sucesso dos outros e quer o que eles têm. Talvez Losey sugira que o cinema funciona de forma semelhante, apresentando visões de glamour e beleza para deslumbrar o público, e as trevas, os voyeurs desejam a pureza e a maravilha do que está na tela, a janela através da qual eles espreitam. 

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M (M) 1951

Um assassino de crianças anda à solto nas ruas de Los Angeles, e a polícia parece incapaz de apanhá-lo. Quando tentam compensar essa falha, fazendo incursões constantes no submundo do crime, um dos grandes chefes do crime decide apanhar ele próprio o assassino.
"M", de Fritz Lang, é um clássico intemporal, e é difícil imaginar um remake de Hollywood, mas foi isso mesmo que Joseph Losey fez, 20 anos depois do filme original, sobre a caçada a um assassino de crianças. Losey refilma M, sob a égide do produtor do filme original, Seymour Nebenzal, e é extremamente fiel à sua fonte, seguindo mais ou menos o mesmo argumento, e por vezes, recriando mesmo cena a cena em algumas sequências. Seria fácil de perceber que este filme seria uma versão inferior ao clássico original: o remake foi um fracasso no lançamento e só com o tempo conseguisse a reputação que tem agora. Mas, embora seja inquestionável que não corresponde ao poder do filme de Lang, ainda é um noir muito convincente no seu próprio direito, transpondo a parábola social ricamente ambígua para a Hollywood dos anos 50, no auge da histeria anti-comunista, que é claramente um tema em destaque aqui.
Para Lang, o filme era um tratado anti-pena de morte, um aviso sombrio e oportuno sobre os perigos do medo generalizado e a paranóia, e, claro, um apelo para os adultos cuidarem dos filhos. Para Losey, é um thriller psicossexual e uma parábola para o mccarthismo anti-comunista que depressa conduziu o realizador para fora dos Estados Unidos, durante o resto da sua carreira. 
Losey também muda o significado do filme, fazendo o motivo para os crimes das crianças ser implicitamente sexual, o filme é carregado de símbolos sexuais que o original de Lang que não tinha. Os créditos iniciais mostram o assassino (David Wayne), visto apenas por trás, aproximando-se das jovens, atraindo-as com um brinquedo que ele sugestivamente brinca com as mãos, o enquadramento muitas vezes esconde o brinquedo completamente, de modo que não está claro o que ele está a fazer. Losey, esquiva-se dos censores, sugerindo um componente transgressor sexual para os crimes, um motivo assustador que distancia mais o assassino de crianças de Wayne do retrato mais famoso de Peter Lorre. 
Na verdade, Wayne interpreta o assassino Martin Harrow com uma grande intensidade e uma fixação na mãe que prefigura o Norman Bates de Anthony Perkins em "Psico", de Hitchcock, mais do que para a personagem de Lorre. O mais arrepiante de tudo é a cena do assassino sentado no escuro, com o rosto envolto em sombras, segurando firmemente o cabo pendente da lâmpada pendurada acima dele, envolvendo-o em torno do punho, respirando pesadamente e puxando a mão com o cabo.
Deste modo, Losey cria o seu próprio material, mesmo quando, em grande parte do filme, adere ao molde da película original. Não pode igualar a beleza formal esmagadora do filme de Lang, mas tem a sua minimalista própria, de estética de baixo orçamento que dá a esta obra um realismo muito diferente do expressionismo sombrio de Lang.
Não há legendas em português para o filme, por isso podem encontrar em espanhol, em anexo.

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O Rapaz dos Cabelos Verdes (The Boy with Green Hair) 1948

Um rapaz de cabeça rapada, chamado Peter (Dean Stockwell), é encontrado a vaguear sozinho pela noite, e a polícia não consegue obter-lhe uma palavra. Um advogado (Robert Ryan) é chamado, e Peter conta-lhe sobre as circunstâncias que o levaram a ter o cabelo cortado. Ele, um órfão de guerra, viveu tranquilamente com o avô adoptivo irlandês, até que um dia acordou para descobrir que o seu cabelo tinha ficado verde - de seguida, a sua vida torna-se um inferno..
Esta alegoria bem-intencionada foi escrito por Ben Barzman e Lewis Alfred Levitt, a partir de uma história de Betsy Beaton, e provavelmente era uma forma de animar os órfãos de guerra deixados na esteira da Segunda Guerra Mundial. Também tem ambições como uma parábola anti-guerra, e como um apelo pela tolerância - na verdade, possui muito de fantasia.
 No entanto, ainda é um filme subestimado por muitos. Assim como a história usa elementos de fantasia para fazer ver os seus pontos mais sérios, Peter inventa histórias para lidar com a sua situação trágica, o avô (Pat O'Brien) inventa contos de encontros com reis para animá-lo. Peter está em negação sobre a morte dos seus pais, dizendo a si mesmo que vão estar em casa em breve, e ele irá ter os dias acolhedores da infância de volta.
Embora ele seja tratado com simpatia pela maioria das pessoas na primeira metade do filme, quando o cabelo fica verde é submetido a assédio moral que muitos órfãos deverão ter enfrentado. Os adultos querem que ele corte o cabelo porque havia rumores de que a água ou o leite estão contaminados, e isso pode ser a causa do seu cabelo verde. Uma cena interessante tem um grupo de rapazes perseguindo Pedro para lhe cortarem o cabelo, ele esconde-se, então, ajuda um dos seus perseguidores a encontrar os óculos perdidos, só para ter o rapaz a persegui-lo de novo, mostrando como nenhuma boa acção fica impune .
Numa parte um pouco estranha, cartazes de órfãos de guerra ganham vida e dizem a Pedro que ele deve usar o cabelo verde para chamar a atenção para acabar com a guerra. Ele agora tem um propósito, mas o sentimento é ingénuo, mesmo que o filme pareça sentir que a guerra é uma ameaça sempre presente.
A mensagem do filme é entregue sem rodeios, mas ainda assim afetava muita gente, talvez porque a guerra ainda estava tão fresca quando Losey fez este filme, em 1948. Era a sua primeira longa metragem.

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Ciclo Joseph Losey

Durante quase toda a sua longa e extremamente produtiva carreira, Joseph Losey (1909-1984) foi um cineasta no exílio. Teve uma breve mas promissora carreira em Hollywood, mas foi abruptamente ameaçada quando o seu declarado compromisso com a política de esquerda fez dele um alvo a abater pela Comissão de Actividades Anti-Americanas. Ameaçado pela lista negra, a prisão era quase certa, Losey fugiu para a Europa em busca de trabalho e santuário político. Uma vez no exterior, começou a refinar o seu estilo mais maduro e complexo, chamando a atenção dos críticos europeus - especialmente os franceses, que em primeiro lugar o reconheceram como um auteur importante. Embora Losey continuasse profundamente desprezado pela indústria cinematográfica americana, ansiava, em vão, fazer outro filme na sua terra natal. A experiência difícil de Losey na lista negra e da longa vida vagueando como um expatriado, marcou para sempre a sua carreira, moldando alguns motivos dominantes nos seus filmes - a figura recorrente do outsider, a reformulação dos papéis da classe em tons mais obscuros, e a representação pessimista da sociedade mainstream como um mundo dominado pela hipocrisia, frieza e violência implacável.
O status de Losey passados alguns anos depois da sua morte, é o de um dos cineastas mais talentosos do pós-guerra na Europa. Nesta semana, dedicada aos seus filmes, vamos ver um total de 11 obras. Infelizmente, para um estudo aprofundado da sua filmografia teriam de ser mais filmes, mas penso que com esta mostra ficarão a conhecer um pouco melhor a sua carreira. A partír de Sábado, aqui no My Two Thousand Movies. 

 

Doutor Estranhoamor (Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb) 1964

O General Jack D. Ripper (Sterling Hayden) enviou o seu esquadrão de aviões com ordem para atacar a União Soviética graças a uma falha de segurança, que, posteriormente, se torna impossível para qualquer outra pessoa trazer os aviões de volta. Quando a notícia deste ataque chega a Washington, o presidente Merkin Muffley (Peter Sellers) chama os seus assessores para a sala de guerra, onde o general Buck Turgidson (George C. Scott) sugere que o melhor plano de acção será a de apoiar os aviões com umas coordenadas mais ofensivas para paralisar as forças soviéticas e limitar as baixas americanas. Mas os russos, para surpresa de todos, acabam de construir uma "Doomsday Machine", destinada a destruir toda a vida animal do planeta.
A mais negra, e quase de certeza, melhor comédia negra de todas, Dr. Strangelove pensa o impensável e atinge o impossível encontrando humor na perspectiva da aniquilação termonuclear global. Sem dúvida que filme teve o maior impacto quando foi lançado pela primeira vez, logo depois da crise dos mísseis cubanos, no auge da Guerra Fria, em 1962, o mais próximo que a humanidade esteve, até agora, de fazer explodir o planeta. No entanto, o filme continua a ter uma ressonância poderosa e oferece uma experiência ao espectador convincente e estranhamente inquietante. A Guerra Fria pode ter terminado, mas a possibilidade de todos nós desaparecermos numa nuvem de fumo radioativo continua a ser uma hipótese assustadoramente real, especialmente como um número crescente de nações a ter poder nuclear.
Dr. Strangelove não é apenas uma brilhante sátira sobre a histeria da Guerra Fria e postura militarista lunática (aqui a guerra é justamente representada apenas como mais uma faceta da libido masculina reprimida), também aponta a uma falha fundamental na estratégia de destruição global, ou seja, que nenhum sistema, por mais bem concebido, seja infalível.
Dr. Strangelove marcou o ponto mais alto da carreira de Stanley Kubrick até ao momento, embora o realizador já tivesse feito uma série de filmes importantes, incluindo os seus antecessores Paths of Glory (1957) e uma superlativa adaptação de Lolita de Nabokov (1962),  mas este foi o seu primeiro grande triunfo como auteur, o início de uma carreira de triunfos cinematográficos que incluem 2001: Uma Odisseia no Espaço (1968), Laranja Mecânica (1971), Barry Lyndon (1975) e The Shining (1980).  
Não só é um filme extremamente engraçado que oferece o argumento mais convincente para a proibição de armas nucleares, como também é uma peça incrivelmente bem trabalhada de cinema. Kubrick sabia instintivamente como construir uma imagem visual que iria causar um grande impacto, emocionalmente e intelectualmente, e isso está evidente por todo o filme. Observemos o contraste entre as cenas estáticas, quase irreais na sala de guerra e o realismo quase documental nas cenas do cockpit e as sequências onde a base aérea é atacada, filmadas através do uso inovador da câmera na mão. Os líderes políticos e militares estão, como sempre, completamente separados da realidade da situação ridícula que eles criaram. Tal como os outros grandes cineastas, nomeadamente D.W. Griffith, Sergei Eisenstein e Alfred Hitchcock, Kubrick entendeu que as imagens, não as palavras, são o meio pelo qual o verdadeiro cineasta se comunica com o seu público. As palavras são apenas um complemento.
Com Peter Sellers a desempenhar três papéis, todos na perfeição, o filme não poderia deixar de ser uma obra-prima cómica. No seu contrato com Kubrick, a Columbia Pictures tinha estipulado que Sellers iria interpretar quatro papéis, mas o actor estava relutante em interpretar o Major Kong, e depois de ter sofrido uma lesão menor, o papel foi dado a Slim Pickens, que foi um substituto admirável. Enquanto Sellers domina o filme, atingindo novos patamares de hilaridade demente como o Dr. Strangelove, existem algumas contribuições memoráveis ​​dos seus colegas do elenco. George C. Scott quase rouba o filme como o militar que vê a guerra como a solução para todos os problemas e Sterling Hayden é assustadoramente convincente no seu papel de general que causa toda esta confusão. E quem pode esquecer a visão de Pickens montado na bomba atómica? Um filme imperdível.

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O Último Homem na Terra (The Omega Man) 1971

Algumas histórias são, provavelmente, amaldiçoadas a serem persistentemente refeitas no cinema. Uma dessas histórias é a do livro de Richard Matheson, Eu Sou a Lenda, um curto, e rápido chiller sobre o fim do mundo, perturbador, que foi feita pela primeira vez como "O Último Homem na Terra", em 1964, dirigido por Sidney Salkow. Agora, mais uma vez o trabalho de Matheson é levado ao cinema, e os resultados são francamente melhores, mas ainda assim o filme é  medíocre e desigual, com uma  mão pesada nas caracterizações, desenvolvimento desleixado, e um estilo errático. É intitulado The Omega Man, e parece-se muito pouco com a sua fonte original.
Há algumas coisas bastante interessantes no filme, mas simplesmente não adicionam nada ao potencial da história. As primeiras cenas do homem solitário a dirigir um carro pelas ruas desertas de Nova York, faz lembrar uma das cenas mais misteriosas de Harry Belafonte nos momentos de abertura do filme "The World, the Flesh, and the Devil". Ambas são sequências muito bem conseguidas, a solidão e o terror oculto transmitidos com a absorção do impacto, devastando de tal forma que a pessoa não está preparada para o pior.
Charlton Heston é excelente a evocar essa qualidade de afectar a solidão, as conversas consigo próprio, o seu combate sozinho contra os sobreviventes da guerra biológica, e na unidade pessoal e convicção que não são muito diferentes do seu Taylor de O Planeta dos Macacos.

Infelizmente, as esperanças diminuem quando o filme avança, Heston encontra sobreviventes humanos como ele, incluindo uma jovem negra radical que eventualmente se apaixona por ele, dando uma nota falsa de ter alcançado uma harmonia racial. Descobrimos que as vítimas da peste são um grupo de fanáticos religiosos chamados "The Family", anti-sociais, anti-materialistas e anti-humanos.

Realização a cargo de Boris Sagal.

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Quando os Mundos Chocam (When Worlds Collide) 1951

O filme começa com alguns astrónomos a descobrirem que uma estrela, Bellus, e o planeta que o acompanha, Zyra, vão passar através do sistema solar num curso que significará a destruição da Terra.  A única esperança da humanidade será construir arcas sob a forma de naves para transportar alguns humanos para Zyra e continuar civilização, pois esse planeta tem todas as condições para ter vida. Quando estes resultados são apresentados na ONU, os cientistas são ridicularizados. Por sorte eles têm alguns apoiantes ricos dispostos a patrocinar o projeto da arca. O mais proeminente entre eles é Sydney Stanton, que é um pobre desgraçado numa cadeira de rodas, egoísta, que só se preocupa com ele mesmo. Também é o personagem mais convincente do filme.
When Worlds Collide, produzido por George Pal e dirigido por Rudolph Maté, que também realizou o clássico noir "DOA", venceu a categoria de efeitos especiais nos Óscares de 1952. E não há dúvida de que o trabalho em miniatura da sequência da catástrofe climática é o destaque absoluto deste clássico da sci-fi menor.
Seguimos a construção da arca e as discussões sobre como escolher quem nela irá viajar, e temos um triângulo romântico um pouco morno, entre um piloto freelancer "cool", um médico aborrecido, e a bela filha de um dos ciêntistas principais. 
Quando Zyra finalmente passa perto da Terra percebemos que se trata de uma montagem óbvia, mas ainda assim são muito agradáveis as ​​sequências de efeitos baseadas em miniaturas, onde as ondas gigantes inundam as cidades, estações elétricas em colapso explodindo, grandes incêndios e erupções.
When Worlds Collide é em alguns aspectos um filme encantador, apesar de bastante datado na maioria dos pontos. Mas a história é adequadamente bem contada e o argumento faz um esforço para retratar os lados nobres e ignóbeis da humanidade, embora o faça de uma maneira muito subtil. As interpretações não são das melhores, mas o velho e cínico bastardo Sydney Stanton é divertido. A principal atração do filme, no entanto, são os efeitos, e não se esqueçam que estávamos em 1951... 
Anda a ser produzido um remake deste filme realizado por Stephen Sommers, que naturalmente vai ser mais um blockbuster sobre o fim do mundo.

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A Invasão dos Violadores (Invasion of the Body Snatchers) 1978

O filme de Philip Kaufman "Invasion of the Body Snatchers" é o epítome de um remake bem feito. 22 anos depois do filme original, ter tocado em questões relativas ao conformismo e aos papéis de expansão para as mulheres, tanto no local de trabalho como em casa, e mais ainda do que o subversivo filme original, Invasion of the Body Snatchers(1978) é ao mesmo tempo inteligente, alegre, paranóico, rápido tanto na acção como nas revelações do enredo, e repleto de personagens que parecem lógicas e compreensíveis.
Mais arrepiante do que assustador, o filme permite o construir do medo constante, como se nós estivessemos numa viagem na montanha-russa, ​aproximando-nos do topo de uma colina muito alta, antes de Kaufman nos largar a voar pelo parque com a adrenalina no máximo. 
Na primeira parte, seguimos uma esposa de um funcionário do governo, Elizabeth Driscoll (Brooke Adams), cujo marido, francamente desagradável, se transforma num autómato sem vida aparente durante a noite. Enquanto investiga o seu estranho comportamento, ao lado do seu colega, o inspector de saúde Matthew Bennell (Donald Sutherland), ambos percebem que o que aconteceu com o marido de Elizabeth é apenas o começo de algo muito maior, como uma invasão de seres de outro mundo. 
De alguma forma, uma planta de outro mundo, com as vagens em crescimento, transforma as pessoas mais queridas em entes estranhos, para depois se unirem a outras pessoas (também transformadas), que nunca se tinham conhecido anteriormente, para promover uma invasão na Califórnia. 
O resultado é um cinema muito mais sofisticado e, felizmente, menos sangrento do que alguns dos filmes dos anos 70, que as audiências mais provávelmente esperavam, sem dúvida, também enganados por preconceitos sobre a suposta falta de originalidade, dado o facto de que era um remake, apenas para descobrirem que Kaufman sabia exactamente quais partes deveria prestar homenagem e que outras se deveriam ajustar.
Um exemplo brilhante de como fazer um remake de um filme já por ele muito bom, a actualização de Philip Kaufman, de 1978, do arrepiante clássico de Don Siegel, de 1956, (ele próprio adaptado do romance de Jack Finney, The Body Snatchers) está entre os melhores filmes de ficção científica dos anos setenta. Aos poucos, a construção de um sentido potente de paranóia e mal-estar, a abordagem inicialmente sem pressa, que Kaufman eventualmente paga os dividendos. Um pesadelo terrível, que nos leva a pensar: e se os extraterrestes já cá estivessem entre nós, misturados entre os nossos governantes? Carpenter pegou neste mesmo tema em "Eles Vivem", mas aqui o final será bem mais terrível.

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O Dia em Que a Terra Parou (The Day the Earth Stood Still) 1951

Num dia replecto de eventos, uma nave alienígena aterra em Washington, e dela surge um emissário do outro mundo (Rennie), que assume a forma humana. Ele tem uma mensagem para todos os habitantes da Terra, mas não irá revelá-la, a menos que todas as nações do mundo estejam presentes para ouvi-la. O ser escolhe uma mãe e um filho (Patricia Neal e Billy Gray) para transmitir esta directiva, mas, infelizmente, este é um mundo dividido e não pode aceitar a mensagem prontamente. Será que a incapacidade da humanidade em se unir irá levar à sua destruição?
O Dia em que a Terra Parou condensa Cristo, Lincoln e os ideais das Nações Unidas em Klaatu (Michael Rennie), um porta-voz interestelar para a "proteção mútua de todos os planetas e eliminação completa da agressão" e, ao fazê-lo, torna a força alienígena numa missão de paz, dissociando-os de qualquer discurso da supremacia americana, militar, política e moral, ou, pelo menos, esclarecendo que só existem na medida em que estão preparados para acabar com todo o tipo de guerra em nome da cooperação global e conciliação.
É certo que é parco em acção e efeitos especiais, e este clássico de Robert Wise de ficção científica inovadora pode parecer estranho superficialmente, mas este conto subtilmente paranóico de um mundo em crise ainda é enervante nos dias de hoje, como era nos anos 50. "The Day the Earth Stood Still" de facto transcende o seu género, tendo como objectivo a desconfiança generalizada e a intolerância da época, caracterizada pelo macarthismo e a Guerra Fria. O realizador, que fez a montagem de "Citizen Kane" e que viria, mais tarde, a realizar "The Haunting" e "The Sound of Music", consegue retirar performances bastante sólidas do seu elenco, com um Rennie contido e uma Patricia Neal a carregarem o filme.  
Indispensável para os fãs do cinema dos anos 50, e todos os devotos de sci-fi.

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