domingo, 29 de dezembro de 2013

O último post do ano

Último post de 2013. Não vou publicar nenhuma lista dos melhores filmes do ano, mas vou fazer um resumo do que passou por aqui ao longo deste ano.
Foram 12 meses bastante intensos, excepto uma ou outra paragem por motivos de ordem técnica. Mesmo assim foram postados mais de 600 filmes, divididos por 35 ciclos. Pontos altos deste ano, queria destacar dois: o ciclo "Jess Franco - Um Mapa", em parceria com o blog there's something out there, e o ciclo de final de ano de pérolas do cinema português, algumas delas lançadas pela primeira vez aqui no My Two Thousand Movies. Vão ser dois eventos que serão repetidos em 2014. Lá mais para meio do ano haverá novo ciclo em conjunto com esse blog, e haverá novos ciclos de raridades do cinema português. Terão que aguardar.
Aqui ficam os 35 ciclos que por aqui passaram:

1 - Joseph Losey
2 - O Cinema de Terror dos Anos 40
3 - Shohei Imamura
4 - As Comédias dos Estúdios Ealing
5 - O Expressionismo Alemão
6 - As Estradas Sem Fim dos Anos 70
7 - John Cassavetes
8 - Jean-Pierre Melville
9 - Nova Vaga do Cinema Checo
10 - Os Outros Spaghettis
11 - Policiais dos anos 80
12 - Divas do Cinema Mudo
13 - Palmas de Ouro
14 - O Cinema Novo Português
15 - Teorias da Conspiração
16 - Andrei Tarkovsky

17 - John Carpenter
18 - O Terror Europeu na Década de Sessenta
19 - Jacques Tourneur
20 - Zhang Yimou
21 - Pérolas do My One Thousand Movies
22 - O Cinema e a Música
23 - Jess Franco - Um Mapa
24 - O Poliziotteschi
25 - John Ford e o Monument Valley
26 - Edward Dmytryk
27 - Mike Leigh
28 - O Novo Cinema do Irão
29 - Troma Entertainment
30 - Samuel Fuller
31 - A Ficção Científica dos Anos 50
32 - Golden Age of Porno
33 - Viagem a Itália
34 - Um Natal Português
35 - King Hu e os Filmes Wuxia


Como podem ver, muita variedade. Tentei precorrer o máximo de campos possíveis da história do cinema, e trazer aqui ciclo o mais refrescante possíveis, do Cinema Mudo, a cinematografias menos conhecidas, como a do Irão. A palavra de ordem para 2014 é tentar manter esta variedade, e ir o mais longe quanto possível.
Alguns links estão off, por causa dos problemas do putlocker, mas vou tentar renovar o mais rápido possível. Nas próximas semanas devo recuperar mais alguns ciclos.

 Fiquem com o videozinho da praxe, que já transita do outro blog, e até 2014.

 

Adeus, Dragon Inn (Bu San) 2003



A história de "Adeus, Dragon Inn" é simples. No último dia de funcionamento, o Good Fortune Movie Theatre mostra o filme de King Hu, "Dragon Inn". A mulher dos bilhetes (Chen Shiang-Chyi) caminha pela maioria das instalações uma última vez; Um turista japonês (Kiyonobu Mitamura) procura por um isqueiro e encontra alguns clientes do cinema bastante peculiares. Mesmo que os personagens estejam ativos, na medida em que se movimentam e interagem uns com os outros, em algum nível, uma câmera estática, faz-nos sentir que nada esteja a acontecer. A mulher dos bilhetes é uma das personagens mais móveis e sempre que olhamos para ela esperemos que ela chegue ao seu destino. A sua perna direita tem uma cinta, por isso leva mais tempo a mover-se, e a câmera fixa de Tsai força-nos a observar tudo.
Com uma determinação inabalável, Tsai Ming-Liang confronta-nos em tempo real para enfatizar a ideologia do filme, que diz que o tempo destrói tudo e a única maneira de combatê-lo é parar a sua progressão. Num dos mais longos takes do filme, a mulher dos bilhetes está sentada na cabine de projeção. Ela permanece absolutamente parada por dois minutos e 43 segundos. O realizador transforma esses minutos intermináveis ​​na ilusão de que o tempo pode deixar de existir. A imagem do filme em movimento parece ter ficado parada. Tsai produz o mesmo efeito várias vezes ao longo do filme, envolvendo cenas onde os personagens estão imóveis ou apenas deixaram um determinado espaço. A preocupação de Tsai com o tempo não é apenas refletida na fotografia, mas também na narrativa. Há três dimensões do tempo no filme: A duração de "Adeus , Dragon Inn", o comprimento de "Dragon Inn", e a sugestão de que meses ou anos se passaram desde que o filme de Tsai começa e termina.
"Adeus, Dragon Inn" começa com imagens do início de "Dragon Inn", de seguida, revela que um cinema cheio está a assistir tranquila e atentamente ao filme de King Hu. Quando o turista japonês entra em cena  parece haver menos de cinco pessoas na sala de cinema. O tom ameaçador da iluminação é agravado pela falta quase total de diálogo. Até aproximadamente 44 minutos do filme, as únicas vozes ouvidas são as que vêm de "Dragon Inn".  Tsai Ming-Liang fez um filme que por todas as razões estéticas deve ser um filme assustador. Uma grande carga psicológica está presente, mas no tom em vez da história. Surpreendentemente, no entanto, em vez de vestir a pele de um filme sinistro, "Adeus, Dragon Inn" funciona um pouco como uma sátira de género. Por exemplo, há cartazes de "The Eye" (Oxide Pang e Danny Pang, 2002) rebocados por todo o exterior do Cinema.
Mas, no entanto, o único fantasma real de "Adeus, Dragon Inn", é a constatação de que os filmes não mudam, mas sim as audiências. À medida que o filme avança, o tamanho da plateia que assiste a "Dragon Inn" fica cada vez menor, até que apenas três pessoas permanecem na sala. Dois desses personagens têm a segunda e última conversa e o que dizem um ao outro liga-se profundamente à obsessão de Tsai com o poder destrutivo e depreciativo do tempo. E são dois actores do filme original.

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sábado, 28 de dezembro de 2013

Legend of the Mountain (Shan Zhong Zhuan Qi) 1979



A um jovem estudante é atribuída a tradução de um pergaminho que detém o poder sobre a fronteira entre os vivos e os mortos. Quando chega a um posto militar distante, onde deveria fazer o seu trabalho, é quase abandonado, e as poucas pessoas que ainda estão em volta são todas meio estranhas. O nosso herói de alguma forma é levado a casar-se com uma jovem que acaba por ser um espírito maligno que está atrás dos poderes do pergaminho. As pessoas aparecem, desaparecem, transformam-se em fumaça de cores vivas...
Legend of the Moutain (1979), de King Hu, é uma anomalia na série de wuxia do realizador, já que não é um verdadeiro wuxia, mas, na verdade, uma evolução do género para longe da acção emocionante e a entrar no reino da reflexão. A história tende a olhar para o entusiasmo radical e jovem de Hong Kong, a "nova vaga" de sangue fresco de Tsui Hark, como os novos revisionistas da então obsoleta kungfu-wuxia. Mas, assim como incrível em contraste era uma nova vertente nas convenções ao ser provocada ao extremo por Hu em Raining in the Moutain, e em Legend of the Moutain, uma lírica e assombrosa fábula, como tranquila e contemplativa como a primeira fase de Hark dos filmes no início dos anos 80 foram convulsivamente enérgicos.
O que Hu faz em geral, e em Legend of the Mountain especificamente é envolver os seus cenários e exteriores tanto espacialmente (através de movimentos e lutas) como pictoricamente (referências a pinturas de paisagens e literatura chinesa) e deste envolvimento retirar destes locais naturais extras humanos, expressões de comportamento moral e fantasmagórico. A profundidade do filme (no sentido literal), dando tempo expansivo, espaço e beleza para a contemplação de uma situação misteriosa, fantástica, é memoravelmente conseguida por um acto final (uma hora) de visões dentro de visões, ensaios de fantasmas, e a troca da precisão sugestiva.
Legendas em inglês.

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Raining in the Mountain (Kong Shan Ling Yu) 1979



Ao lado de Legend of the Mountain, Raining in the Mountain é um dos dois filmes produzidos na Coreia do Sul por King Hu trabalhando como independente. Embora não seja um filme de artes marciais, pisca o olho a trabalhos anteriores do realizador, como a trilogia de filmes da "pousada". Tendo usado anteriormente a pousada como uma colmeia de desonestidade, Hu aqui transforma num mosteiro budista o seu teatro de ação. Enquanto vários monges conspiram entre si para suceder ao actual abade, um general e uma ladra de aluguer competem para roubar um pergaminho antigo escondido na biblioteca do mosteiro. Hu habilmente contrasta a incessante intrigante, a ganância e a ambição dos personagens nos cenários labirínticos com o princípio budista da renúncia, representados pelas paisagens amplas de abertura e do encerramento do filme.
  Formalmente filme de artes marciais, Raining in the Mountain desenvolve uma narrativa complexa assente num vasto número de personagens e interesses em conflito. Hu está menos interessado em rodar acção do que em potenciar o choque entre a moral (budista, mas, no fundo, universal) e a corrupção dos princípios. Sendo talvez injusto valorizá-lo enquanto parte de um género — as coreografias estão datadas e os efeitos assentam muito na montagem, com muitos planos curtos e cortes súbitos —, trata-se, sem dúvida, de uma obra maior do cinema chinês, com direcção segura e fortemente moral e moralizador, sem paternalizar ou simplificar o que tem para dizer.
Legendado em inglês.

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sexta-feira, 27 de dezembro de 2013

The Valiant Ones (Zhong Lie Tu) 1975



Depois do sucesso de A Touch of Zen (1971), King Hu regressou a Hong Kong para trabalhar em dois filmes wuxia: The Fate of Lee Khan (1973) e The Valiant Ones (1975), que assumiram abordagens totalmente diferentes. O primeiro centra-se no ambiente de estúdio de uma pousada, enquanto o segundo tenta um outro tratamento estético, utilizando principalmente exteriores em volta de ilhas desertas ou no interior campestre. A história é simples: o Governo central envia um grupo de funcionários para limpar uma invasão de piratas japoneses, levando a uma série de táticas, conspirações e trabalhos estratégicos. Além de uma história trágica que gradualmente revela traição, armadilhas de astúcia e intrigas complicadas, o filme é um must para quem está interessado em coreografias de artes marciais que criativamente implantam habilidades na montagem, e um retrato rítmico de ação e perspectivas de câmera inusitadas. Este é um filme que transporta não apenas a assinatura de King Hu, mas também a sua crença de que os combatentes justos vão deixar marcas na história.
Embora King Hu continuasse a fazer filmes de época cheios de intrigas, The Valiant Ones é o seu último verdadeiro wuxia; o seu trabalho posterior inclui apenas momentos ocasionais de ação. Talvez esse sentimento de despedir-se de um género amado é a origem do profundo sentimento de melancolia em The Valiant Ones. Mas, ao contrário dos heróis sobrenaturalmente dotados da maioria dos filmes de swordplay, os guerreiros de Hu são mortais.
  Este filme não tem uma poderosa e carismática personagem central de outros filmes de Hu - como Golden Swallow em "Come Drink with Me" ou Miss Yang em "A Touch of Zen", e a falta de um herói principal fere um pouco o filme. Ainda assim, é uma obra bastante absorvente. A ação, que é coreografada por Sammo, mostra uma melhoria significativa em relação a The Fate of Lee Khan, também feita por si. 
Legendado em inglês.
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The Fate of Lee Khan (Ying Chun ge Zhi Fengbo) 1973



"The Fate of Lee Khan" mostra mais uma vez o talento impecável de Hu para criar drama a partir de um único cenário. Um thriller de espionagem com ecos de Os Sete Samurais, de Kurosawa, o filme narra um confronto tenso entre guerreiros de diferentes lados de uma guerra civil, numa pousada rural. Hu preenche a primeira metade do filme com uma boa dose de humor à medida que vai introduzindo os personagens, amplia logo o suspense como novos convidados que chegam com intenções desconhecidas. Ao contrário dos épicos de artes marciais anteriores de Hu, The Fate of Lee Khan é maioritariamente filmado dentro de uma casa, dando ooportunidade ao realizador para mostrar a sua mestria na mise-en-scène e de experimentar coreografias de acção limitadas um circuitos fechados
Se alguma vez dois estilos pareciam combinar mal, eram o thriller de pressão e o filme de acção de artes marciais: lutadores precisam de espaço para se mover. Fazer filmes de ação passados em volta de pousadas já era habitual na filmografia de de King Hu, mas pela primeira vez ele resume toda a acção dentro de quatro paredes, e consegue um saldo impressionante de intriga e acção.
É principalmente um filme de espionagem, o que significa que Li Li-hua tem de ser diferente de muitas das heroínas Swordswoman de Hu - é mais velha, mais calculista, e mesmo mais charmosa. Li interpreta uma veterana maravilhosamente bem, dando a Wen uma personalidade de aço. Das quatro empregadas que fazem parte da pousada, Angela Mao, mais tarde, tornar-se-ía uma das heroínas de artes marciais mais conhecidas do período, especialmente depois de aparecer como a irmã de Bruce Lee em Enter the Dragon. Ela tem o maior papel do quarteto.
Legendas em inglês.

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quinta-feira, 26 de dezembro de 2013

Um Toque de Zen (Xia Nu) 1969



"A Touch of Zen" é considerada a obra-prima de King Hu, encontrando respeito no Festival de Cannes, vários anos depois de uma produção difícil, e abaixo do esperado nas bilheterias na sua Taiwan natal. Primorosamente equilibrando as demandas conflitantes do filme de artes marciais e a representação cuidadosa do drama humano, a obra-prima de Hu é ao mesmo tempo épica e intimista, fantástica e realista, instigante e repleta de acção.
Tudo começa no Ching Lu Fort, onde a mansão decadente do General Chun Luan é dita ser assombrada. Ku Shen-chai (Shih Jun) mora ao lado com a sua mãe (Bing-Cheung Yuk), e leva uma vida modesta fazendo retratos e caligrafias numa cidade vizinha. O seu mais recente cliente, Ou-yang Nin (Tien Peng), parece ter um interesse especial em qualquer pessoa que chegue à cidade recentemente, e provavelmente estaria particularmente curioso sobre Yang Hui-ching (Hsu Feng), que acaba de se mudar para a abandonada mansão, e é, de certeza, muito mais do que aparenta ser.

Há um grande número de coisas que King Hu faz e bem, em "A Touch of Zen", mas talvez o melhor seja a criação de um ar constante de intriga. A história oferece-nos mistérios, mas simplesmente perguntamos "o que são os ruídos que vêm da casa vazia" ou apenas "porque é Ou-yang parece tão interessado em Dr. Lu". O verdadeiro truque está em fazer a curiosidade de Shen-chai infecciosa, de modo que, como o filme acompanha as suas acções, o público sente-se na posição dele, olhando em volta dos cantos, seguindo personagens suspeitas, e de repente, descobrindo que nada é o que parece. Hu faz um bom trabalho a puxar os cordelinhos - mesmo que um monte de histórias de fundo acabem por ser um reprise de "Dragon Inn", um dos seus filmes anteriores.
O filme também difere de "Dragon Inn", do modo como a acção é apresentada, enquanto este tem uma abordagem relativamente realista bastante fundamentada, "A Touch of Zen" frequentemente segue para um caminho de lutas que são maiores do que a vida, apesar da idéia de fantasmas reais ser descoberta cedo. É muito fácil ver aqui as sementes para os filmes modernos do wuxia, a batalha numa floresta de bambu é um ancestral claro das mais famosas sequências em "Crouching Tiger, Hidden Dragon" mesmo que Hu implique algumas das proezas impossíveis em vez de mostrá-las diretamente.

Parte 1
Parte 2
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Dragon Gate Inn (Long Men Kezhan) 1967



Ano de 1457. A China é governada pela dinastia Ming mas o verdadeiro poder está nas mãos dos oficiais eunucos. O ministro da defesa é executado, e os seus dois filhos são condenados ao exílio por ordem do tirânico Tsao. Temeroso por uma futura vingança dos jovens, ele decide matá-los também e só não obtem sucesso graças a ação de um valoroso grupo de espadachins. O eunuco envia então seus melhores homens para interceptar os heróis na Estalagem do Dragão, onde uma épica batalha terá início.
Há um monte de informações a serem despejadas sobre o público para uma história relativamente simples, especialmente para os ocidentais que não conhecem o tipo de política que se passava na Dinastia Ming da China, mas King Hu estabelece as coisas muito claramente, depois da narração inicial. Sim, há um monte de personagens que funcionam ao redor da trama principal e algumas coisas não vão ser óbvias (a Sra. Chun está vestida como um homem e, aparentemente, engana a maioria dos personagens), mas não há tantas traições como mais tarde seriam habituais neste género, e os lados alinham-se como um bem contra o mal luta bastante simples, em vez de uma carga de facções rivais.
O primeiro filme de Hu feito em Taiwan depois de deixar os Shaw Brothers, Dragon Inn é um conto de período emocionante sobre um trio heróico que desafia as forças de segurança secretas e cruéis de um déspota para proteger uma família de exilados políticos. Um jogo requintado de gato e rato segue como cada lado a testar as habilidades marciais do outro. Com uma nova liberdade criativa, Hu revigora o género da swordplay inspirando-se nas tradições da Ópera de Pequim, coreografando o filme com os ritmos percussivos da peça tradicional. Hu também começou a reunir um grupo de actores fiéis cujas carreiras ele ajudou a lançar. Um desses atores, Miao Tien, viria a aparecer com destaque em filmes de Tsai Ming-liang, incluindo o tributo de Tsai a esta fase da carreira de Hu, o pungente "Adeus, Dragon Inn".
Legendado em inglês.

quarta-feira, 25 de dezembro de 2013

Come Drink With Me (Da Zui Xia) 1966



Um jovem magistrado escoltando prisioneiros é raptado por Jade-Faced Tiger cujo gang de bandidos desagradáveis ​​está escondido num templo, sob a proteção de um misterioso abade. Uma bonita guerreira, Golden Swallow, sem grande esforço afasta um ataque dos bandidos numa pousada, depois de ser ajudada por um mendigo. Assim, o palco está montado para um filme tipicamente deslumbrante e elegante de King Hu em que nada é o que parece, incluindo Golden Swallow. Interpretada por Cheng Peipei, uma das atrizes mais ilustres das artes marciais do seu tempo, a guerreira é, na verdade, a filha do governador, numa missão para resgatar o irmão raptado.
As lutas são bem tratadas durante todo o filme; as coreografias extravagantes e divertidas. No decorrer do filme as lutas vão crescendo de duração, normalmente começam fortes e frenéticas, mas lentamente diminuem para um ritmo mais lento e mais pesado por natureza. Cheng Pei-Pei, também conhecida pelo seu papel em "O Tigre e o Dragão", lida com as cenas de luta de uma forma graciosa e fluida.
Existe ainda alguma influências da ópera no filme, especialmente quando se trata da banda sonora, feita com uma orquestra chinesa, acentuando as sequências como se fosse uma grande ópera. Tocada em sincronia com a acção na tela, é uma base que muitos filmes do género adoptaram com grande efeito. A fotografia é muito boa, dadas as muitas cenas em exteriores e em cenários bastante elaborados, com locais clássicos como pousadas e templos. A sequência de introdução na estalagem vai ser de tirar o fôlego, em algumas das cenas foram utilizados truques de stop motion e a inversão do filme.  
Comparado com outros filmes Wuxia da altura, Come Drink With Me era uma obra inovadora, cinema avant-garde. A única razão porque o filme pode parecer datado nos dias de hoje é que a maioria das suas técnicas revolucionárias são agora um dos pilares no popular cinema de ação de Hollywood, tendo sido popularizado por final dos anos 80, início dos 90, nos filmes de Tsui Hark e John Woo. Os únicos elementos que se destacam (negativamente) são os efeitos especiais datados. Para entendermos verdadeiramente a "revolução" dos filmes de King Hu (mais especificamente Come Drink With Me), devemos primeiro entender a sua abordagem extremamente complexo ao Wuxia.

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terça-feira, 24 de dezembro de 2013

King Hu e os Filmes Wuxia

Universalmente reconhecido como um dos realizadores chineses mais influentes e importantes da história do cinema, King Hu (1932-1997) chegou à fama a fazer filmes wuxia - subgénero "swordplay" do cinema de artes marciais. No processo de aperfeiçoamento do género, Hu também foi capaz de torná-lo um veículo para a sua personalidade autoral, assim como Kurosawa faria com os filmes de samurais e Minnelli com o musical de Hollywood. Enquanto Kurosawa teve uma influência directa sobre Hu, a comparação com Minnelli é igualmente válida, já que ambos os realizadores eram altamente cultos e prestaram especial atenção aos cenários e direção de arte dos seus filmes, deleitando-se com a capacidade da mise-en-scène, o movimento e a composição espacial do frame para expressar o personagem e as relações entre os personagens.
Nascido em Pequim, Hu Jinquang cresceu em conforto, mais interessado na ópera chinesa do que no cinema. Ainda na adolescência, trocou Pequim por Hong Kong em 1949, pouco antes do Exército Popular de Libertação entrar na capital, e de lá nunca mais voltou. Depois de alguns anos a procurar qualquer trabalho que conseguisse encontrar, acabou a trabalhar no cinema "por acidente", como ele dizia, começando com cenografista e na construção de cenários. Em 1956, era actor, e em 1958 assinou um contrato com os lendários Shaw Brothers, então o estúdio mais conhecido e prestigiado do Hong Kong. Lá ele se tornou aprendiz de outra estrela, Lee Hanxiang, o realizador que se especializou em filmes de ópera e melodramas históricos. Depois de ajudar Lee no clássico The Love Eterne (1963), foi lhe dada a oportunidade de realizador Sons of the Good Earth (1965), um épico patriótico passado durante a Guerra de Resistência contra o Japão. 
Foi com o segundo trabalho como realizador (e primeiro filme wuxia), Come Drink With Me , que o domínio da composição e montagem de Hu se tornou aparente. O sucesso deste filme sinalizou que o público tinha correspondido à decisão de Hu para enfatizar a coragem e a habilidade dos seus protagonistas, ao invés do uso de poderes mágicos, e para suavizar o melodrama do género em favor de um estoicismo sóbrio que, no entanto, explodia em vôos de fantasia durante as sequências de ação. Entusiasmado, Hu deixou os Shaw Brothers, que via como artisticamente inibidos e mudou-se para Taiwan, cuja indústria cinematográfica era menor, mas foi recebido de braços abertos.Agora em Taipei, a partir do final dos anos 60, e até ao início dos anos 80, tornou-se um precursor dos realizadores de hoje em dia, a trabalhar como um cineasta independente, usando talentos e financiamento de Taiwan e Hong Kong e até mesmo da Coreia do Sul. Durante este período, Hu continuou a refinar o filme wuxia na realização e no uso da grande expressividade começada com Come Drink With Me.
Incentivou os seus coreógrafos de artes marciais a desenhar a partir dos movimentos alternadamente fluidos e rítmicos das óperas chinesas. Em vez de recorrer a movimento rápidos ou lentos, animação ou outras técnicas de efeitos especiais, Hu confiou tanto quanto possível nas verdadeiras habilidades dos seus intérpretes e na magia da montagem. Embora os filmes muitas vezes tivessem argumentos complexos, Hu gasta o mínimo tempo possível na exposição, preferindo personagens que se expressavam através da acção e da filosofia apresentada nos cenários. Talvez a mais surpreendente inovação de Hu fosse a ênfase no arquetipo da swordfighter feminina, e a utilização desta figura para gerar o género e a ambiguidade sexual entre os seus personagens, ao fazer dela o centro moral da ação, bem como heroínas cómicas de Shakespeare.No entanto, a "idade de ouro" de Hu foi de curta duração. Por ser bastante ambicioso e caro, o épico "A Touch of Zen" foi o primeiro filme chinês a ganhar um prémio no Festival de Cannes, mas perdeu dinheiro durante o lançamento nos cinemas de Hong Kong e Taiwan. Embora seja hoje reconhecido como o pináculo de Hu, o fracasso financeiro do filme tornou mais difícil para o realizador arrecadar dinheiro. Ao mesmo tempo, a fama mundial de Bruce Lee mudava o género das artes marciais do wuxia para os filmes "Kung Fu", com ambientes contemporâneos e ênfase no combate desarmado. Hu respondeu mudando de filmes de swordfight para trabalhar enfatizando a intriga ou o sobrenatural, mas, em 1982, ele mudou-se para a Califórnia numa tentativa malfadada de ressuscitar a carreira. 
As inovações de Hu, numa última análise, ajudaram a reviver o género wuxia e são explicitamente citadas nos filmes de Wong Kar-wai, Zhang Yimou e, principalmente, O Tigre e o Dragão, de Ang Lee. Também é reconhecido como uma grande influência sobre os realizadores da "New Wave", em Hong Kong e Taiwan: Tsui Hark e Ann Hui, de um lado; Ang Lee e Tsai Ming-liang, do outro.
O My Two Thousand Movies tem todo o orgulho em apresentar este pequeno ciclo, entre o Natal e o Ano Novo, do qual farão parte 7 filmes. Até já. 

 
Termina assim este especial de Natal, sobre o cinema português. Espero que tenham gostado, e que tenham feito bom proveito dos filmes. Bom Natal.

O Sangue (O Sangue) 1989



Talvez o mais abertamente bressoniano dos filmes de Pedro Costa (embora impregnado com as sombras de um filme de Jacques Tourneur), o primeiro filme de Costa, O Sangue, no entanto, traz a marca característica do que viriam a ser as suas preocupações mais familiares: pais ausentes, famílias substitutas, fantasmas inconciliáveis​​, o trauma e a violência do deslocamento, a dor (e isolamento) de saudade. A convergência temática é perspicaz revelada num episódio que ocorre perto do final do filme, quando o irmão mais velho Vicente (Pedro Hestnes), tendo sido mantido em cativeiro pelos associados nefastas do seu pai na véspera de Ano Novo numa tentativa para recolher a dívida não paga do pai dele, desperta na escuridão de um apartamento desconhecido para a visão de uma silhueta inquieta na varanda - a sombra projetada pela amante do seu pai ( Isabel de Castro).
Costa estabelece uma atmosfera sinistra, explode a violência na sequência de abertura do filme: o som prefigurando de uma porta batida e pés apressados ​​que, posteriormente, revelam um shot frontal de Vicente numa estrada enlameada, como ele é , e de repente leva uma chapada do seu pai rebelde enquanto intencionalmente bloqueia o seu caminho, tentando impedi-lo de sair, implorando-lhe para mostrar consideração para com o filho mais novo Nino ( Nuno Ferreira ), que foi deixado sozinho em casa no meio da noite. 
A história é a de Vicente (Pedro Hestnes) e do irmão mais novo Nino (Nuno Ferreira), e a estreita ligação com a jovem Clara (Inês de Medeiros), contada como uma fábula tágica. Gravemente doente, o pai (Canto e Castro), está consistentemente ausente, deixando os irmãos a se defenderem sozinhos, quando ele viaja para começar o tratamento. Na esteira da morte do pai, Vicente é deixado a cuidar da família e proteger o irmão da verdade. Mantendo os credores do pai longe da familia, luta com o tio (Luís Miguel Cintra) para manter a família unida, e os dois rapazes, eventualmente, acabam por poder ser separados.
Esta é uma peça marcante e um filme verdadeiramente transnacional, reunindo as facções, muitas vezes opostas do cinema mundial com desarmante facilidade para criar algo completamente original. Não diz nada sobre o que é ser Português, e reflete pouco dessa cultura. O único marcador de identidade é a língua em que eles falam. No entanto, esta não é nenhuma forma de crítica de Costa, nem nada que se pareça, não há traição da cultura, não vende para fora para se conformar e fazer o filme mais acessível, para um público mais amplo. Sangue é um filme mais preocupado com o universal, com o fazer e dizer sobre a vida, com as nossas conexões emocionais com o mundo e todos os cidadãos que a compõem. Raramente este mundo pareceu tão estranho, tão deslumbrante ou tão bonito.

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Casa de Lava (Casa de Lava) 1994



Quando começou a trabalhar em Casa de Lava, Pedro Costa contava fazer um remake do filme de Jacques Tourneur, I Walked With A Zombie. Conceitualmente, é uma idéia intrigante, mas visualmente, é ainda mais tentadora a considerar. Já bem ciente do trabalho de Tourneur, e de outros filmes do período da RKO, e a capacidade de Costa para tirar um espectro de luz e profundidade em imagens a preto e branco, esperava-se ver um filme semelhante à sua estreia, o Sangue, repleto de iluminação, em que o horror e os mortos-vivos se tornariam, ouso dizer ... bonitos. Aqueles que estão familiarizados com o trabalho de Costa, naturalmente, sabem que Casa de Lava é o primeiro dos seus filmes a ser filmado a cores. Graças a Costa e ao seu diretor de fotografia Emmanuel Machuel ( bem conhecido pelo seu aclamado trabalho com Robert Bresson, entre outros), estávamos prestes a ver um novo mundo, ou, mais especificamente, as ilhas pitorescas de Cabo Verde, como nunca antes tinham sido vistas.
Casa de Lava começa com violência, não com a morte sangrenta de um inocente prestes a renascer como um zombie, mas com erupções vulcânicas, lava vermelho-laranja surgindo diante de formações rochosas pretas, que se parecem com as de um planeta numa galáxia muito distante do alcance da nave que levou Georges Méliès em La Voyage dans la lune / A viagem à lua . Essas cenas iniciais, filmadas com o impulso de um documentarista, são inicialmente confusas. Em retrospectiva, parecem estar em desacordo com o resto do filme. No entanto, quando tiramos um tempo para refletir - e Casa de Lava é um filme que inspira muitas análise pós-créditos - a sequência é na verdade uma metáfora visual inteligente para os grandes temas do filme. A lava, brotando livre das profundezas da terra , ecoa a situação da enfermeira Mariana ( Inês de Medeiros, também protagonista do primeiro filme de Costa) e os outros cabo-verdianos. Eles também estão presos, lutam para se libertar, querendo ir para o continente (Lisboa), determinados a fazê-lo antes de morrer. Esses fluxos de lava também trazem consigo grande ameaça e perigo, uma tendência presente em todo o filme. Quando a tensão finalmente se torna maior, não é só a lava que irrompe, mas a raiva e muitas vezes a violência , frequentemente direcionados ao visitante estrangeiro Mariana.

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segunda-feira, 23 de dezembro de 2013

Quaresma (Quaresma) 2003


David é casado, tem uma filha pequena, e está a poucos dias de partir para o estrangeiro com a família. Mas com a morte do avô, ele tem ainda que regressar à terra, e ao seio de uma família com quem há muito não convivia. E uma viagem que era para durar o tempo de um funeral, acaba por transformar-se numa estadia de vários dias. Porque aí David conhece a mulher do seu primo, e vai-se deixando enredar no seu sortilégio de mulher perturbada mas encantadora...
Eis um daqueles filmes que apetece amar sem conta, peso ou medida. A cada imagem, a cada novo gesto, sentimos planar as forças mais essenciais da existência - o desejo, a solidão, o fardo de gerações sobre as nossas costas, as pedras, o frio, a incomunicação dos corpos e das idéias - numa espécie de teia onde uma jovem mulher se debate, sem saber que caminho dar à sua inquietude. Ainda por cima essa mulher tem o nervo de uma actriz de excepção - Beatriz Batarda - a reivindicar todo o nosso assombro. Mas o filme peca por alguma insuficiência no tecido dramatúrgico, na concatenação dos conflitos entre os personagens, na geografia dos sentimentos, prometendo sempre voar mais alto que aquilo que concretiza. Mesmo assim é um filme para ser visto.
Foi selecionado para o Festival de Cannes.

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A Jangada de Pedra (La Balsa de Piedra) 2002



Na sequência de um abalo de terra que nenhum sismógrafo registou, uma fenda enorme aparece na crosta terrestre ao longo da fronteira entre Espanha e França. Aos poucos, a Península Ibérica parte à deriva, como uma Jangada de Pedra... Joana traça no solo uma linha que não se apaga; Joaquim lança à água uma pedra enorme, desafiando a gravidade; José é acompanhado para todo o lado por um bando de estorninhos; num canto perdido de Espanha, Pedro é o único que sente a terra a tremer e da mão de Maria escapa-se um novelo que não mais termina... Todos estes acontecimentos, à volta da Jangada de Pedra, parecem ter apenas uma finalidade: fazer com que estas pessoas se encontrem, desvendando pelo caminho inesperados enigmas... Com realização do francês George Sluizer, “A Jangada de Pedra” foi a primeira obra de José Saramago a ser adaptada para as telas de cinema. Uma gigante fenda abre-se entre Espanha e França, e a Península Ibérica fica à deriva, é uma gigante jangada de pedra sobre o Atlântico. Diogo Infante, Ana Padrão, Francisco Luppi e Gabino Diego foram alguns dos actores que participaram no filme que retrata a história da obra de 1986. Co-produção entre Portugal, Espanha e Holanda.

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Mal (Mal) 1999



 Numa cidade, milhares de histórias revelam-se simultaneamente. Esta é a história de Cathy e Pedro , Daniel e o seu amigo... A história do casal Cruz, do avô que vem a Lisboa à procura da sua neta que fugiu... A história desta criança abandonada que vem anunciar o fim do mundo. E todos esperarão um novo amanhecer.
Mal é um grande filme sobre nós. Sobre nós enquanto comparsas da realidade de que o filme fala (agentes, companheiros, camaradas ou meros concidadões dos personagens e das coisas), sobre nós enquanto espectadores, a quem o filme interpela até ao ponto de tornar inevitável um juízo sobre os eventos (e nesse aspecto se dirá salutar na incomodidade que provoca). Há mesmo uma cena para nos armadilhar as razões e os rectos propósitos (esse espantoso momento de cinema em que o joalheiro leva a rapariguinha para uma pensão de passagem com as paredes forradas com o nome de Portugal. O filme não deixa que nos queiramos fora da circulação do mal, não consente a exterioridade e a paz de consciência - e quem não pensou o pior nessa cena, que atire a primeira pedra.
E, todavia, não há criaturas malignas no interior desta ficção, não há agentes responsáveis pela solidão em que todas as personagens mergulham, não é possível identificar o principio infeccioso, apenas a gangrena.
Alberto Seixa Santos é um cineasta de curta filmografia. Desequilibrada ao extremo, ainda para mais, no que isso quer dizer de gestos que se formaram como faróis (Brandos Costumes, A Lei da Terra), a par de gestos que falharam. Mas todos os seus filmes tiveram o condão de se quererem filhos do tempo que brotaram - e, se calhar, é justo constatá-lo, é ele o cineasta que melhor soube guardar o pulsar deste país ao longo do último quarto de século passado.

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Sinais de Fogo (Sinais de Fogo) 1995



Portugal, Julho de 1936. A ditadura de Salazar está consolidada e controla totalmente o país.
Um grupo de adolescentes passa as suas férias de Verão na Figueira das Foz. Do outro lado da fronteira começou a Guerra Civil de Espanha e, apesar da distância, a sua violência vai repercutir-se na vida destes jovens, lançando-os num turbilhão de intrigas políticas e paixões desencontradas que marcará tragicamente a sua passagem à idade adulta.
Sinais de Fogo é uma via para o cinema português diversa da maioritária e que melhora quando se volta a percorrer. Transposição para o cinema do poderoso romance de Jorge de Sena, ambientado na Figueira da Foz nos alvores da Guerra de Espanha, traduz com grande sobriedade e destreza os méritos narrativos de Luis Filipe Rocha, quer na forma como adaptou um dos mais "inadaptáveis" romances portugueses, quer na justeza da reconstituição da época, quer na tessitura dos vários fios e frentes narrativas, quer ainda na escolha e direcção de actores, ponto em que Sinais de Fogo se esmera. Diogo Infante protagoniza, sem máculas, mas é na galeria dos secundários que povoam o filme que vamos encontrar alguns "bonecos" duradouros: Ruth Gabriel, José Airosa, Joaquim Leitão, Henrique Viana...
A história agarra-nos, e o tempo foge. Sabe-nos até a pouco, que o romance de Sena, como Luis Filipe Rocha é o primeiro a sustentar, pedia uma daquelas séries curtas, de sete ou oito horas de duração.

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Duma Vez por Todas (Duma Vez por Todas) 1987



Luis é um jovem aborrecido coma vida que leva. Está farto dos amigos, não gosta das mulheres com quem sai, não sabe o que é que há-de fazer à noite. Mas no prédio em frente há uma nova vizinha, uma mulher bela e fascinante com as noites muito, muito ocupadas. Luís começa a espiá-la mas não percebe o seu comportamento. Ela parece embrenhada numa espécie de jogo com os homens que a rodeiam. Um deles, um piloto brasileiro, está envolvido num tráfico perigoso. Luís, cada vez mais obcecado por aquela mulher, acaba também por se envolver no tráfico. Mas ele não compreende o que se passa à sua volta, tudo lhe parece um jogo de regras difusas. Para alguns o jogo vai ser mortal.
 Estreia de Joaquim Leitão na longa-metragem, o vibrante Duma Vez por Todas (Prémio Nova Gente para melhor filme português 1987) é um filme urbano e nocturno. O ambiente tem algo de “noir” e a narrativa inclui elementos policiais que albergam algumas sinalizações (por exemplo, Hitchcock e Janela Indiscreta). Quando foi exibido publicamente pela primeira vez, na Cinemateca, em 1986, o filme foi imediatamente saudado pela revelação de um novo autor do cinema português: “A autencidade e a qualidade básica do universo cinematográfico neste filme erguido são inquestionáveis”. Mas depois o Joaquim Leitão não manteve a forma... 

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