50 Pérolas do My One Thousand Movies.

Em Junho fará seis meses desde o desaparecimento do My One Thousand Movies. Em jeito de homenagem, a programação deste mês será toda feita com uma selecção de 50 obras que de certa forma marcaram o blog. Os mais simbólicos, a quem eu dei consecutivamente mais ênfase, não querendo dizer que fossem obrigatoriamente os melhores.
Porque o meu objectivo sempre foi o de preservar a memória do cinema, vai valer a pena recordar todas estas obras.

A Bíblia de Satanás (In the Mouth of Madness) 1994

Sam Neill interpreta John Trent, um investigador de seguros que está preso num asilo de loucos,  assombrado na sua própria cela por um demónio sombrio. Depois de um médico se aproximar de Trent, a história desenrola-se como uma extensa busca em flashback para explicar a sua condição psicótica. Trent foi designado por uma editora cujo escritor-estrela é Sutter Cane (muito bem interpretado por Jurgen Prochnow), aparentemente desaparecido. O seu desaparecimento segue o seu mais recente lançamento em livro, um evento que desencadeia a histeria entre os seus leitores, porque quando as lojas ficam sem mais cópias para venda, os fãs começam a enlouquecer. Trent vai investigar o desaparecimento do escritor, mas  está longe de imaginar o que está para vir...
 Depois de um encontro desastroso com a máquina do estúdio de Hollywood em 1992, em Memórias de um Homem Invisível, John Carpenter tirou umas férias do cinema durante dois anos, só surgindo para dirigir e apresentar um episódio de uma antologia irregular para a tv cabo intitulada "Body Bags". A sua carreira tinha vindo a ser prejudicada pelo fracasso de The Thing (1982) e o seu entusiasmo pelo processo fílmico tinha azedado  gradualmente. 1994 era o ano de "In the Mouth of Madness", e apesar de uma recepção calorosa mas pobre na bilheteria, dava evidências sólidas de que, se lhe fosse dado material decente e controle criativo, Carpenter ainda era um talento viável.
 Uma homenagem auto-reflexiva a Stephen King e, em particular, a HP Lovecraft, o filme misturava o film noir, terror e surrealismo de uma forma verdadeiramente eficaz e original. Muito mais experimental do que a maioria dos seus outros trabalhos - Carpenter, afinal de contas, tinha-se modelado filme após filme - e continuava o seu fascínio por protagonistas duros, cenários claustrofóbicos e sequências bem orquestradas e assustadoras. O argumento escrito por Michael De Luca é repleto de toques e idéias inteligentes, e uma abordagem sensata e sólida do realizador, com o material a dar-lhe assunto para enveredar surpreendentemente bem pelo imaginário surrealista. Embora muitas vezes criticado por ser um filme que começa bem, mas perde vapor no final, eu diria que é um dos projetos realizados com mais sucesso do realizador. O final espiritual não oferece qualquer senso de conclusão ou explicação, e isto talvez seja um problema para alguns espectadores, mas se encaixa perfeitamente na divertida abordagem de auto-reflexão do do filme.

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Memórias de um Homem Invisível (Memoirs of an Invisible Man) 1992

Chevy Chase é o protagonista como o preguiçoso empresário Nick Halloway, um homem tão aborrecido com a vida e com a sua carreira que passa a maior parte do tempo a fugir das responsabilidades. Uma noite, enquanto tentava dormir por causa de uma forte ressaca, num misterioso prédio de escritórios, Nick é atingido por uma estranha explosão proveniente de uma experiência científica que fica fora de controlo, tornando o seu corpo e as roupas invisíveis a olho nú - as pessoas podem literalmente ver através dele. Um grupo de desonestos agentes do governo, liderados por David Jenkins (Sam Neill), quer apoderar-se da oportunidade de obter o que poderia ser a melhor arma secreta de espionagem, um agente invisível, e por isso tentam capturar Nick. Nick não está muito entusiasmado com a idéia de ser picado e incitado a fazer experiências, e apenas com a ajuda da beleza que acabou de conhecer, Alice Monroe (Daryl Hannah), tenta fugir dos seus perseguidores.
Uma pequena raridade, "Memórias de um Homem Invisível" é um thriller sério cerca de metade do tempo, e uma comédia durante mais um quarto, sendo o resto do género romântico. Este é um daqueles filmes que tenta agradar a muitos públicos, para no fim acabar por não agradar a ninguém. Isto não quer dizer que seja um filme mau, mas não é forte o suficiente em qualquer género em particular para ser recomendado a qualquer grupo específico. O realizador John Carpenter continua a sua obra consistente (mesmo sendo inconsistente, por vezes), com esta obra a mudar de tema e substância, tendo em conta a carreira de Carpenter, certamente uma encomenda de um estúdio grande que pensava que deveria haver mais comédia e romance num filme sério sobre um homem que descobre que perdeu a sua visibilidade (literalmente).
Memórias de um Homem Invisível, no meio de todas as suas ambições, só é verdadeiramente bem sucedido como uma montra de efeitos especiais, e só por isso vale a pena ser visto.
O romance entre Chase e Hannah também não é explorado com muita profundidade, e isso não ajuda que o actor seja envolvente o suficiente do ponto de vista romântico. No entanto, o filme como um todo até é uma obra bastante interessante, ainda que bastante esquecido dos fãs do realizador.
Custou 40 milhões de euros, e nem 15 fez nas salas americanas.

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O Príncipe das Trevas (Prince of Darkness) 1987

Quase uma década depois de Halloween, o realizador John Carpenter tentou fazer outro filme sobre a "pura maldade". Um grupo de cientistas reúne-se para tentar decifrar o que de estranho na cidade está a acontecer, quando os esquizofrénicos estão de alguma forma em sintonia. Eles reúnem-se em volta do edifício olhando ameaçadoramente (liderado por um psico Alice Cooper).  Isto por vezes pode não fazer muito sentido, mas é um puro Carpenter, uma tentativa de fazer mais um filme de baixo orçamento que ele controla desde a concepção até a conclusão. E isso diz tudo.
Uma seita secreta de sacerdotes, The Brotherhood of Sleep, com quase 2.000 anos, funcionam como guardiões de um estranho vasilhame nunca tocado por mão humanas. Segundo esta Irmandade, esta é a essência líquida do próprio Satanás. Sentindo que o momento da destruição apocalíptica está a chegar, Loomis implora ao professor Birack para aplicar métodos científicos com o objectivo de descobrir a verdadeira natureza da coisa. O professor monta uma equipa com os seus melhores alunos da pós-graduação para começar uma investigação imediata. Juntam-se à tarefa outros especialistas da universidade, em várias disciplinas científicas e até mesmo línguas antigas. A pesquisa ainda nem começou realmente quando coisas estranhas começam a acontecer dentro e ao redor da igreja...
A história de "O Príncipe das Trevas" consegue ir muito longe. Fala-se da antimatéria, de feixe de transmissões do futuro e de um Jesus extraterrestre que aparece na Terra para alertar a humanidade sobre a vinda do "Anti-Cristo", o pai de Satanás. Para que estas idéias se transformem no equivalente cinematográfico a uma sessão de terror, Carpenter monta um cenário assustador com uma série de emoções equivalentes a filmes de casas mal assombradas. O mal é finalmente liberto e começa a infectar os pesquisadores, um por um. Alguns são "demónios" possuídos enquanto outros são mortos para serem ressuscitados como zombies. Dada a natureza selvagem da história e das situações, Carpenter de forma inteligente depende de um elenco composto por actores de confiança, com quem ele já tinha trabalhado anteriormente.Pleasance, Victor Wong, Dennis Dun, além de Peter Jason, que trabalhava pela primeira vez com Carpenter.
Aqui, o realizador está nitidamente num terreno muito familiar, aumentando habilmente a tensão, se bem que o filme treme um pouco nas cenas principais que envolvem a manifestação física deste "Gás de Satanás '. 

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As Aventuras de Jack Burton nas Garras do Mandarim (Big Trouble in Little China) 1986

Kurt Russell interpreta como o camionista Jack Burton, que se vê no meio de uma antiga guerra, quando a noiva de um grande amigo é raptada diante dos seus olhos. O mais estranho neste rapto, é que os homens que a levaram não são exatamente homens, mas fantasmas à procura do regresso do maligno feiticeiro Lo Pan, para a mortalidade através do casamento e do sacrifício de uma certa mulher de olhos verdes. Com a ajuda de um grupo de homens do bairro de Chinatown de San Francisco, Jack agora entra no mundo do sobrenatural para resgatar a jovem e derrotar Lo Pan de uma vez por todas.
A homenagem de John Carpenter aos filmes de kung fu e aos seriados de aventura à moda antiga, estava uns bons 10 anos à frente do seu tempo - naturalmente, foi um fracasso na bilheteria. Mas Big Trouble in Little China viria a tornar-se num favourite cult nos clubes de vídeo e na TV por cabo. E merecidamente, por uma razão muito simples: é um dos melhores filmes de aventuras dos anos 80.
Carpenter e os argumentistas não estão muito preocupados com a lógica ... Nem deve estar o espectador. O filme está virado para a aventura, fantasia e o humor. O ritmo é furioso, a acção abundante e bem encenada. Carpenter claramente gosta do cinema de artes marciais asiáticas, e diverte-se com as convenções do género, sem gozar com elas. Os efeitos especiais, embora tenhamos de ter em conta que estavamos em 1986, são bastante competentes.
Big Trouble in Little China marca a quarta colaboração entre o realizador John Carpenter e o actor Kurt Russell, que pela primeira vez se juntaram em 1979, no filme feito para TV, Elvis. Dois anos mais tarde, Russell seria a estrela principal  em Escape from New York, seguido pelo clássico Sci Fi/terror, The Thing, duas obras que dariam o tom para a mistura entre o herói solitário, camp humor, e o cinema de terror, que eram tão típicos na obra do realizador.
Big Trouble é uma miscelânea de Carpenter, pois é um cruzamento de vários géneros, e na maioria das vezes, a pura loucura da mistura fornece a maior parte do combustível para o fogo do sucesso do filme em ser interessante. Era o filme mais caro de Carpenter até então, tendo custado um total de 25 milhões de dólares, que já era muito para aquela altura. Tendo feito apenas metade nas bilheteiras, viria a tornar-se em mais um filme de culto.

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Starman - O Homem das Estrelas (Starman) 1984

Uma raça extraterreste intercepta uma sonda espacial descrevendo a Terra, convidando outros povos para a visitar. Estes aliens aceitam a oferta, enviam um da sua raça para conhecer o nosso planeta. O enviado do exterior chega à terra, e despenha-se no interior dos Estados Unidos. Usando o DNA encontrado num cabelo que se encontrava num livro de fotos de uma mulher (Karen Allen), ele transforma-se num homem muito semelhante ao seu marido morto (Jeff Bridges). Agora, deve chegar a um ponto de encontro no Arizona para voltar para a nave-mãe antes de morrer, mas a SETA e o FBI sabem que ele se encontra na terra, e querem captura-lo. O alien não tem outra hipótese senão raptar a mulher para esta poder ajudá-lo.
O filme lida com muitas questões sociais dificeis de lidar. Os seres humanos temem o que não conhecem, e encontram no desconhecido potencialmente como prejudicial. Nós procuramos o desconhecido, mas também o medo dele e não conseguimos entender as consequências, além de esperarmos sempre o pior. É este foco que o filme explora. Ao longo do filme, os humanos não conseguem entender a razão para a visita do Starman para a terra, e ele tem dificuldade em entender o idioma Inglês e o que sabe sobre nós foi a partir do registro no satélite.
"Starman" tem um óptimo argumento, bem trabalhado e com um muito bom desenvolvimento de personagens. Os argumentistas Bruce Evans e Raynold Gideon criam um argumento e uma história que jogam com as emoções das pessoas, além de todas as questões sociais e éticas que trás para a mesa, é também um filme sobre a esperança e o amor.
É dos filmes menos amados de Carpenter, pelo menos desta fase inicial. Apesar de ser uma obra de ficção ciêntifica, afasta-se muito do habitual teor do realizador, que normalmente anda à volta do filme de terror, e aqui concentra-se numa história de amor. Aparte isso, é uma obra bastante interessante, peca pelas semelhanças que tem com "ET - O Extra-Terreste" de Spielberg, que tinha sido lançado dois anos antes, mas a grande interpretação de Jeff Bridges valeu-lhe uma nomeação para os Óscares, que nesse ano fugiu para F. Murray Abraham, em "Amadeus".

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Christine - O Carro Assassino (Christine) 1983

Quando um geek da universidade, Arnie Cunningham (Keith Gordon) compra um carro velho na esperança de restaurar a sua antiga glória, este parece tomar conta da sua vida. Gastando cada vez mais tempo a reparar o seu carro amado, evita os amigos e as preocupações familiares tornando-se mal-humorado e instável. Mas não é apenas o humor de Arnie que levanta preocupação, já que o carro parece ter ganho uma vida própria, cheirando a vingança sobre qualquer um que se tente colocar entre os dois.
Depois do fracasso crítico da sua versão high-tech de The Thing (1982) - o filme só viria a ser reconhecido mais tarde -, a carreira de John Carpenter estava num estado de crise. Foi despedido da adaptação da Universal de "Firestarter" de Stephen King e ficou com medo de que dificilmente iria conseguir outra oferta de emprego. Assim, quando a Columbia Pictures o convidou para dirigir a adaptação de outra história de King, ele aproveitou logo a oportunidade. Carpenter estava muito ferido pela recepção de "The Thing", que sabia que era um bom filme, feito tal e qual como tinha prometido. Com a mente devastada pela reprovação,  aproximou-se de "Christine" como um mercenário, efetivamente distanciando-se um pouco do material de origem, o conto, talvez com medo de outro fracasso. Com o passar dos anos, o realizador referia-se ao filme como um fracasso nascido do medo e da frustração criativa. Mas passados todos estes anos, todos nós sabemos que tanto "The Thing" como "Christine" são duas grandes obras do cinema de terror dos anos 80.
"Christine" nunca atinge o nível de intensidade dos melhores trabalhos de Carpenter, mas funciona muito bem em função de uma premissa que pode até ser descrita como pateta. Como um filme de terror, nunca é totalmente bem-sucedido simplesmente por causa da sua premissa - que é muito imprecisa para ser levada a sério. Onde o filme consegue superar-se é na descrição dos personagens e seus relacionamentos. Sendo uma variação sobre o tema estabelecido por King em "Carrie", carrega no drama de um loser do colégio que se vinga através das forças sobrenaturais. A evocação de Carpenter, da escola na pequena cidade está perfeitamente bem caracterizada.
Entre os pontos mais altos do filme está um excelente elenco. Keith Gordon é o actor ideal para interpretar Arnie, efetivamente progredindo de vítima a sociopata arrogante. Alexandra Paul (depois da série Baywatch) é encantadora e persuasiva como a namorada de Arnie, uma das muitas personagens fortes femininas do trabalho de Carpenter. Harry Dean Stanton também faz um bom trabalho num pequeno papel como um policia que investiga os vários crimes, mas são Robert Prosky e Roberts Blossom que obtêm os melhores diálogos nos seus respectivos "velhos sujos" cameos. 

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Mudanças na programação de Maio

Vai haver uma ligeira mudança na programação deste mês. Em vez da homenagem a River Phoenix, vamos ter um ciclo sobre Jacques Tourneur...De certeza que vai ser do vosso agrado.

Veio do Outro Mundo (The Thing) 1982

"The Thing" é a tentativa do realizador John Carpenter para refazer um clássico da ficção científica de 1951, "The Thing from Another World" (ambos com base na história de John Campbell, "Who Goes There?"), mas aqui tinhamos algo muito diferente. Carpenter agita as emoções e arrepios, e cobre tudo em gore, e neste caso, raramente falha. A construção é magistral, como é a qualidade das caracterizações, que são fracas, mas eficazes, e quando tudo está a ferver, há um enorme poder nas interpretações. Há alguns desenvolvimentos implausíveis, aqui e ali, mas no final, pouco importa,e "The Thing" leva-nos até sitios onde nunca fomos, e alcança um pantamar que poucos filmes dos anos 80 alcançaram.
A história começa na Antártida, onde um grupo de cientistas estão instalados, até que um dia são perturbados pelos sons de tiros vindos de um helicóptero norueguês, aparentemente tentando matar um cão fugitivo. Eles falham a sua presa, e o helicópetero norueguês acaba por despenhar-se, sem nenhuma explicação de qual é o problema. Temendo mais violência, a tripulação americana viaja para o acampamento norueguês, apenas para descobrir acontecimentos muito estranhos, incluindo um corpo mutilado humanóide que possui órgãos internos normais. De seguida, o cão revela que não é realmente um cão, mas uma espécie de organismo alienígena com o poder de imitar outras formas de vida e dominar até que assuma o controle de tudo ao seu redor. Os outros ciêntistas são as próximas vítimas e, em breve, ninguém pode confiar nos outros.
A falta de informações sobre a criatura, a incapacidade de realmente saber quem está "infectado", e o facto de que os personagens estão basicamente presos na Antártida levam a construir a tensão, enquanto algumas criações extremamente grotescas fazem o resto. Temos dificuldades em decidir quais partes são mais eficazes, se estas criaturas incríveis e repugnantes ou os momentos em que os personagens têm de decidir quem entre eles está infectado. No fim das contas, provavelmente é a grande combinação de sustos e tensão insuportável que fazem de "The thing" tão grande, e perder um destes componentes seria arruinar o filme.
Na sua essência, é um filme derivado, não só porque é um remake, mas também é muito semelhante a outros filmes que saíram em anos anteriores, inclusive "Alien", e "Invasion of the Body Snatchers", mas consegue destacar-se dos filmes anteriores pela acção fantástica, e pela assombrosa banda sonora de Ennio Morricone, para não falar das grandes interpretações de Kurt Russell e Keith David, ambos habituais colaboradores de Carpenter. 

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Nova Iorque, 1997 (Escape From New York) 1981

Sempre houve um sentimento de distopismo e ansiedade apocalíptica no género ficção científica, e os anos 70 - com a sua recessão mundial, a escassez de petróleo, o conflito do Vietname, e as sempre presentes  tensões entre o Ocidente capitalista e o Leste comunista - ajudaram a alimentar um tensão especial de que a fixação que encontrou caminho para uma série de filmes de baixo orçamento que dominaram a série B e as  prateleiras dos clubes de vídeo no início da década de 1980. Foi um breve período de ansiedade, encravado no meio dos sonhos da morte da contracultura dos anos 60, e renovado orgulho em Ronald Reagan.
Ao lado de Mad Max, de George Miller (1979) e a sua sequela The Road Warrior (1981), Escape From New York é sem dúvida o melhor candidato para o progenitor desta vaga particularmente moderna de distopismo na ficção científica (o facto de que Carpenter e o co-argumentista Nick Castle originalmente escreverem o argumento em 1974, o ano de Watergate, diz tudo). A história passa-se no ano, então futurista de 1997, depois de uma terceira guerra mundial e um aumento épico em crime que levou o governo dos EUA para a decisão radical de transformar a ilha de Manhattan numa prisão federal gigante da qual ninguém tem permissão para sair. Não há guardas lá dentro, apenas uma população de criminosos violentos que desenvolveram sua própria sociedade depravada. 
Logo no início do filme um grupo socialista radical rapta o Air Force One e fá-lo caír na cidade, esperando matar o presidente conservador (Donald Pleasence). O Presidente sobrevive, no entanto, e deve ser resgatado a partir da cidade que se tornou prisão, dentro de 24 horas. Num acto de desespero, o comissário da polícia Bob Hauk (Lee Van Cleef) contrata Snake Plissken (Kurt Russell), um veteranos das operações especiais que se tornou ladrão e que estava previsto para ser exilado para Manhattan, mas agora pode ser a única hipótese que o governo tem para resgatar o presidente. Snake é enviado para a prisão da ilha, com ordens para encontrar o presidente e trazê-lo de volta em segurança, e por uma boa razão, é que Haul implantou-lhe uma bomba relógio no seu pescoço. Assim, a vida de Snake está em jogo, e se os fora-da-lei de Manhattan não o matarem, os explosivos nas suas artérias o farão.
 A maior parte do filme segue Snake no interior da prisão, navegando no escuro, por uma selva de ruínas tentando evitar os vários gangues enquanto procura pelo Presidente, que rapidamente cai nas mãos de The Duke (Isaac Hayes), o líder do maior gang da ilha, e que quer usar o novo refém como moeda de troca para a amnistia. Snake é ajudado por vários insiders, incluindo o "cérebro" (Harry Dean Stanton), um informante desonesto que traiu Snake no passado; a namorada deste, Maggie (Adrienne Barbeau), e um motorista de táxi (Ernest Borgnine), que aparece em conveniência da narrativa para fornecer transporte e fuga (há muito poucos carros a trabalhar que restam na ilha, e ninguém tem uma arma). 
Como outros filmes do género, há elementos em Escape from New York, que não envelheceram muito bem, mas ainda assim é um dos grandes filmes de John Carpenter, bastante acima do seu futuro remake.

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O Nevoeiro (The Fog) 1980

"The Fog" foi o filme de terror de John Carpenter que seguiu o grande sucesso de "Halloween", e embora não tão conseguido como o seu antecessor, ainda apresentava bastante qualidades da velha escola de terror de série B, e com classe suficiente para torná-lo num dos filmes mais importantes do período.
A cidade de Antonio Bay está prestes a comemorar o centésimo aniversário da sua fundação. Contudo, os fundadores da cidade escondem um segredo que poderia destruí-la. Quando o Padre Malone (Hal Holbrook) descobre este segredo, percebe que a história da cidade é uma fraude. Uma jovem de passagem chamada Elizabeth Solley (Jamie Lee Curtis) e um habitante local chamado Nick Castle (Tom Atkins) começam a perceber que algo está errado quando a tripulação de um barco de pesca é encontrada morta, e a DJ Stevie Wayne (Adrienne Barbeau), também anda a descobrir algo. Kathy Williams (Janet Lee) tenta organizar os festejos do centenário ... mas um nevoeiro bastante espesso está a chegar, e lá dentro trás algo de muito mau. 
Começa com uma citação de Edgar Allen Poe seguido de um close-up de um relógio de bolso pendente, com uma criança a observar que é iluminada pelo brilho da luz de uma fogueira. Este é o prólogo do filme, entregue a um velho capitão interpretado pelo veterano produtor/actor John Houseman, que se senta à frente de uma fogueira e conta a um grupo de crianças histórias de assombrar. Em voz baixa, ele relata a história do The Elizabeth Dane, um navio afundado cuja tripulação fantasma virá um dia levantar-se do mar, envolta pela neblina que levou ao seu naufrágio, exactamente cem anos atrás.
O significado do título torna-se aparente quando é mostrado claramente que os fantasmas do Elizabeth Dane só podem movimentar-se dentro dos limites do nevoeiro, e se ficarmos de fora dele, então ficamos fora de perigo. Na verdade, Carpenter explora a história num ritmo bem vagaroso. Desde muito cedo que nos tornamos conscientes da maldade dentro do nevoeiro, mas apenas quando o filme avança, lentamente, é que conseguimos perceber as origens do terror. Muitos realizadores teria atirado fora toda a exposição de uma só vez, mas a revelação gradual dos factos funciona perfeitamente.
Uma vez mais, a banda sonora electrizante, está a cargo do próprio John Carpenter. 

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Halloween - O Regresso do Mal (Halloween) 1978

Produzido com um orçamento bastante pequeno no final da década de 70,  antes do termo "slasher movie" ser uma expressão depreciativa e desgastada, Halloween tornou-se o filme independente economicamente mais bem-sucedido até esta altura (feito por cerca de US $ 300.000, o filme arrecadou mais de 70 milhões de dólares, nos cinemas), gerados em grande parte pelo boca-a-boca e surpreendentemente  pelas óptimas críticas.Em termos de terror americano, Halloween é, certamente, um dos melhores e mais influentes desde Psico, de Alfred Hitchcock (1960), o filme mais responsável por instigar a mudança crucial no género terror que mudou o género para longe das cidades grandes, para lugares exóticos e entrar directamente nas casas americanas. Aqui, o bicho-papão não vem da Transilvânia e não foi criado no laboratório de um cientista louco, mas sim, é um subproduto desviante da família americana. No Dia das Bruxas, o bicho-papão é Michael Myers, que, ainda em criança, esfaqueou a irmã até a morte com uma faca, e, de seguida, passou os próximos 15 anos preso numa instituição mental.
Quando ele foge, regressa à sua cidade natal, porque é só isso que ele sabe. O seu antigo psiquiatra, Dr. Loomis (Donald Pleasence), tenta explicar o que é Myers da única maneira que pode: é o mal puro. Esta é uma cartada inteligente por parte dos argumentistas John Carpenter e Debra Hill, uma vez que liberta Michael das limitações da motivação, quando alguém é a "pura maldade", que é mais do que suficiente para explicar tudo o que ele faz. Por também tingir Michael com uma certa aura sobrenatural, sugerindo que ele tanto é como não é humano, que implicitamente sugeriu o apelido, "The Shape", fazendo dele muito mais assustador. 
O terror de Halloween funciona em grande parte por causa da simplicidade da definição: a pequena cidade de Haddonfield, Illinois, instantaneamente reconhecível e instantaneamente esquecível. É povoada por pessoas normais da classe média, que nos parecem realistas e simpáticas. Os personagens principais são um trio de adolescentes, Laurie Strode (Jamie Lee Curtis, filha de Janet Leigh de Psico, no seu primeiro papel), Annie Brackett (Nancy Loomis) e Lynda Van Der Klok (PJ Soles). Laurie é o cérebro virginal do grupo, sempre desejando ser mais extrovertida e desinibida como os amigos. Na noite de Halloween, elas passam a noite a fazer babysitting em diferentes casas, enquanto Michael Myers circula na sombra, pegando-as uma a uma, por motivos que apenas são compreensiveis para ele.
Os cenários são ridiculamente simples, mas era tudo o que havia. Halloween seria um filme muito básico em circunstâncias normais. No entanto, o que diferencia o filme além dos seus muitos imitadores é o senso intuitivo de Carpenter do poder do estilo cinematográfico. A sequência de abertura é um grande exemplo, pois usa o que se tornaria a principal  característica do filme, uma longa sequência do ponto de vista do assassino, para descrever o homicidio da irmã de Michael Myers. Os críticos de Halloween, e dos filmes de terror, em geral, reclamavam que tais cenas nos obrigavam a identificar-nos com o assassino, e que era um movimento eticamente problemático. O que eles não levavam em conta, no entanto, era a forma subtil com que estas imagens trabalhavam em nós. Como Hitchcock, Carpenter está a brincar connosco. 
Durante a primeira metade da sequência, não sabemos que olhos estamos a seguir, ou qual é a intenção da pessoa em questão. Começa inocentemente, mas aos poucos assume uma aura de voyeurismo e maldade. Quando vemos uma mão agarrar numa faca enorme e começar a subir as escadas, cria uma luta interior, como se percebe, simultaneamente, o que vai acontecer e que somos impotentes para detê-lo. Este é um dos pontos fortes primordiais do filmes de terror: testemunhando sem a capacidade de intervir. E, evidentemente, a utilização da sequência na primeira pessoa é utilizada principalmente para obscurecer a identidade do assassino, de modo que, quando ele sai de casa e a película reduz para uma cena do pais de Michael e a remoção da máscara do assassino, ficamos em choque ao percebermos que foi uma criança quem fez isto, e não um monstro fisicamente grotesco. Neste momento, o filme agarra-nos, e nunca mais nos larga. 
Além disto, Carpenter também demonstra ser um mestre a utilizar o espaço horizontal do quadro widescreen (quando Fritz Lang diz em Desprezo de Jean-Luc Godard que CinemaScope só é bom para sequências de cobras e funerais, não tinha pensado no género terror). Ao longo do filme, Carpenter gera-nos calafrios simplesmente situando Michael Myers no canto do quadro onde podemos ou não vê-lo. Num dos momentos mais marcantes do filme, Laurie esconde-se num canto escuro, e quando os seus olhos se acostumam à escuridão, o rosto fantasmagórico de máscara branca de Michael aparece lentamente num batente da porta atrás dela. O widescreen é crucial neste contexto, como Carpenter a brincar com a nossa sensação de segurança, que o centro do quadro é o lugar para procurar. Em vez disso, ele faz-nos tremer constantemente forçando-nos a analisar a totalidade do frame, verificando sempre os cantos . 
Desde o seu lançamento há 25 anos, Halloween, contra todas as probabilidades, foi rotulado como um clássico, não só do género horror, mas do cinema americano em geral. Este rótulo muitas vezes pesa num filme de baixo orçamento, mas mesmo depois de visões repetidas, esta obra-prima de Carpenter mantém-se como um thriller firmemente eficaz capaz de suplantar qualquer outro filme imitador.

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Assalto à 13.ª Esquadra (Assault on Precinct 13) 1976

Passado numa cidade sem nome, a história começa com a morte brutal de seis adolescentes às mãos da policia. Os adolescentes, que fazem parte de um gang mortal conhecido por "Street Thunder", foram roubar armas pesadas para formar arsenal para algum uso sinistro. Infelizmente, as mortes desencadeiam uma reacção ainda mais intensa, a partir desta quadrilha fanática de bandidos violentos, e a cidade consegue sentir que algo está a aconter, por baixo da superfície. O Tenente Bishop (Austin Stoker) começa o dia na esperança de cumprir uma missão simples, mas em vez disso, ele é lhe dada a tarefa de ser o último tenente a supervisionar a Precinct 9, uma esquadra da polícia em decomposição, que está a ser abandonada numa questão de horas. Quando lá chega, descobre que estão apenas um oficial e duas secretárias de serviço. Não há nenhum equipamento, não há armas de fogo, e o telefone vai ser desligado durante a manhã. Enquanto isso, dois condenados à morte estão a ser transferidos na cidade, incluindo o assassino Napoleon Wilson (Darwin Joston). Quando o autocarro que os transporta tem que fazer uma paragem de emergência, acabam na Percint 9.
Não demora muito até que os "Street Thunder" cerquem o edifício, que agora está sem energia eléctrica e linhas telefónicas. Os policias não podem sair, e os gangsters têm acesso a metralhadoras e armas de precisão, enquanto que os primeiros não têm quase nada para se defender. Como zombies sem cérebro, a quadrilha assalta a esquadra sem medo da morte, mas também com estratégia. Fazendo para encobrir as evidências visuais dos seus crimes (assim como do ruído), conseguem não ser detectados, mesmo com carros da polícia a patrulhar a área.
Assim como Carpenter coloca os personagens em campo sem perder tempo com exposições desnecessarias, Assault on Precinct 13 possui a velocidade e a franqueza de todo o cinema de baixo orçamento. É uma narrativa projectada para atrair a atenção do público e mantê-lo com os cabelos em pé, durante 90 minutos. Como o próprio Carpenter afirma, o tempo e as necessidades da história não lhe permitiam desviar as demandas imediatas da narrativa, ainda que muito simples de espírito, permite que o filme manipule as emoções do público, sem humilhar a sua inteligência. 
Enquanto Carpenter fez reconhecer que o público para o cinema de baixo orçamento valoriza a acção agressiva, acima de tudo, fez um esforço para não permitir que a violência ocorra sem uma causa clara. Embora a história contenha uma execução preocupante (a da menina) que estabelece a forma como a moral dos assaltantes funciona, Carpenter raramente escolhe abusar da violência. Mesmo que os três personagens centrais peguem em armas em caso de necessidade, e não ideologia ou sadismo, Carpenter recusa-se a reduzir a violência a um espectáculo de sangue ou efeitos especiais pirotécnicos. 
"Assault on Precinct 13" é uma espécie de filme "perdido" de John Carpenter. A sua primeira longa-metragem, a comédia negra de sci-fi Dark Star, era já um filme de culto em todo o mundo, e o filme que catapultou Carpenter para uma carreira de sucesso, foi o já lendário "Halloween". Como resultado, este filme é muitas vezes deixado de fora da sua filmografia, mas continua a ser um dos seus melhores trabalhos. Produzido com um orçamento muito baixo e uma agenda apertada, este remake moderno de "Rio Bravo" mostra todos os pontos fortes de Carpenter, como realizador e argumentista. O seu talento para a intensidade, para personagens memoráveis ​​e um sólido malhas estilo visual, funcionam perfeitamente neste filme, que se tornou numa das obras mais importantes dos anos 70.

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